Hollywoodiano

Novo Hollywoodiano

2009-10-14T12:23:00.003-03:00

Amigos,

Continuem seguindo o HOLLYWOODIANO em www.hollywoodiano.com.

Abs,

Otavio Almeida

O cinema segundo Tarantino

2009-10-09T17:35:00.003-03:00

LEIA RÁPIDO:
“Cara, eu já te falei mil vezes e já estou cansado de repetir a mesma coisa de novo e de novo e de novo: Quentin Tarantino mudou o cinema. Como assim não concorda? PORRA! Tô te falando, cara! Preste atenção: Hollywood precisava de uma chacoalhada daquelas e os filmes andavam politicamente corretos demais. Lembra desse termo antigo que significa nada mais, nada menos que a preservação do maldito conservadorismo, puritanismo ou qualquer “ismo” que saisse da América? Pois é. Em (agora, leia pausadamente) mil-novecentos-e-noventa-e-dois, (já pode acelerar a leitura de novo) esse cara, que trabalhava em locadora, sim, eu disse LOCADORA, fez um filme chamado Cães de Aluguel, que ganhou elogios até de Scorsese na época. Claro, tinha sangue, uma orelha cortada, um tiroteio no final que lembra John Fuckin’ Woo e um sujeito sangrando até a morte. A garotada adorou, vibrou por sair da mesmice, mas os adeptos do blá-blá-blá reclamaram do excesso de violência que não passava na TV etc etc. Mas o filme foi cultuado em mostras, festivais… só que ainda faltava aquela produção capaz de prender a atenção das malditas massas…”

PAUSA PARA GRITÃO:
“O QUE FOI, MULHER? NÃO TÁ VENDO QUE TÔ CONVERSANDO AQUI COM MEU IRMÃO? CALMA! JÁ VOU LEVAR O LIXO PRA FORA!”

CONTINUANDO, BEM MAIS CALMO:
“Você acredita nisso? Casamento, irmão! Casamento! A mulher acha que pode me interromper como Kanye West… Ora, onde eu estava mesmo? Ah, sim. Então, Quentin Tarantino saiu do anonimato. fez um roteiro aqui e ali para Oliver Stone e Tony Scott, o cara do metrô, sabe? Lembra de Irmãos Gêmeos, com Arnold Schwarzenegger e Danny DeVito? Então, Tony Scott é Danny DeVito, enquanto Ridley Scott é Arnold Schwarzenegger. Hahahahaha… Entendeu? Hmm, enfim, ainda faltava a Tarantino um filme capaz de seduzir as massas, como eu já disse. E eu te dou duas palavras: PULP, FICTION. É… Talvez o filme mais influente dos anos 90. É… O cara trouxe de volta o John Travolta! É… Hmm, isso soou estranho, “trouxe de volta o John Travolta”, mas é verdade. Travolta dançou e foi indicado ao Oscar, mas tanto ele quanto o filme e o Tarantino perderam pra Forrest Gump. Pois é. Pulp Fiction fez História…

… Mais tarde, Tarantino fez Jackie Brown, que é bacana, mas não tem a originalidade e a fúria de seu filme anterior, sem falar que o Samuel L. Jackson de Pulp Fiction ganharia na porrada do Samuel L. Jackson de Jackie Brown… QUÊ? COMO ASSIM “O CARA DO SABRE ROXO DE STAR WARS”? QUER QUE EU TIRE ESSE SORRISO DA SUA CARA? Ok, antes de George Lucas destruir Star Wars, Sam Jackson foi o bad motherfucker de Pulp Fiction. Ok? E ele não aparecia em qualquer lixo como hoje em dia. Não esqueça mais disso!

Bom, o Tarantino, você sabe, não é perfeito. Ninguém é perfeito. Nem Jesus Cristo, como aquele Dan Brown disse. Enfim, Quentin Tarantino insiste em trabalhar com o chapa Robert Rodriguez. Não gosto desse cara, mas não conte a ninguém. Eles fizeram várias bobagens. Pelo menos, o Tarantino salvou metade de Grindhouse com o Kurt Russell posando de David Hasselhoff, em Knight Rider.

Mas eu gosto mesmo é de Kill Bill, cara. Os dois volumes juntos dariam um filme melhor que Pulp Fiction. Mas, ei, ei, ei, ei… Eu disse, leia meus lábios: Os-dois-volumes-juntos. Ok? Pulp Fiction ainda é o melhor! Uma Thurman é uma deusa! Pior que ela está em Pulp Fiction e Kill Bill. Cara, ela precisava aparecer em todos os filmes do Tarantino. TODOS! O fato é que…”

CORTA PARA O GRITÃO:
“QUE FOI, MULHER? JÁ DISSE QUE VOU LEVAR O LIXO DAQUI A POUCO! AAAAAAAH, CALA A BOCA!”

CONTINUANDO, BEM MAIS CALMO:
“Cara, não dá, perdoe a patroa… Mas depois a gente continua a falar sobre o Tarantino!”

Deixa Ela Entrar

2009-10-08T18:08:00.005-03:00

Nesta década, graças a livros e filmes bem-sucedidos, o mito do vampiro deixou de ser erudito para se tornar popular. Por isso, não deixa de ser curioso que a melhor obra do “gênero” nos últimos anos não se encaixe facilmente na cultura de massa. De origem sueca, o filme Deixa Ela Entrar (Let the Right One In/Låt den Rätte Komma In, 2008) é protagonizado por um menino e uma menina, ambos com 12 anos, vivendo uma estranha e inesperada história de amor. Se o filme fosse fruto de Hollywood, teríamos, no mínimo, um casal de adolescentes no centro da trama. Só esse elemento incomum – e incômodo para muitos - torna obrigatório este pequeno grande filme do diretor Tomas Alfredson.

Com uma fotografia mergulhada nas sombras, mas que ressalta o branco da neve cobrindo uma pequena cidade sueca, Deixa Ela Entrar antecipa o clima de dor e solidão já na primeira cena que descreve o lugar onde vivem seus protagonistas. No inverno, época em que as dores são mais fortes, conhecemos Oskar (Kåre Hedebrant), um menino frustrado no fim de sua infância e enfraquecido em sua jornada rumo à vida adulta, graças à separação de seus pais. Oskar é humilhado diariamente por bullies na escola e é incapaz de reagir – como se aproveitasse para punir a si próprio, deixando a dor física tomar conta da dor emocional.

É nesse cenário patético de sua vida que ele conhece sua nova vizinha, Eli (a ótima Lina Leandersson), no jardim em frente ao prédio onde mora. Rapidamente, descobrimos que eles nasceram um para o outro. O único probleminha é que Eli não é simplesmente uma menina, que encanta e captura qualquer um que tenha coração com seu lindo e profundo olhar. Como Oskar, ela tem 12 anos. Só que há muito mais tempo, afinal Eli é uma vampira. Ao saber disso, Oskar, que é uma criança, não foge ou fica com medo. Sua idade facilita esse elo com a fantasia. E Eli é seu passaporte para escapar do pesadelo da vida real.

É impressionante como o diretor faz com que a plateia se preocupe com Oskar e Eli muito mais do que ambos se preocupam com eles mesmos. O olhar triste de Eli faz com que você fique de joelhos e entenda que ela realmente precisa de sangue – custe o que custar. Você torce para que um salve o outro no momento certo. Você quer que eles se beijem, se abracem, embora sejam… crianças. Ora, por favor, não pense que isso é anormal. Crianças não são idiotas e seriam capazes de compreender a cena em que Eli deita (nua) na cama de Oskar. Não há sexo como eu e você conhecemos. Excitado de verdade pela primeira vez na vida, Oskar apenas pergunta: “Você gostaria de ser minha namorada?” FANTÁSTICO! A inocência cai e ele dá o passo inicial para o amadurecimento. Sua relação com Eli não o coloca num mundo de fantasia - onde aprende a ser criança -, como geralmente acontece nos filmes americanos. Na companhia da vampirinha, Oskar, aos poucos, cresce.

A própria Eli talvez seja uma senhora secular presa no corpo de uma menina de 12 anos. Mas acho que ela se recusa a ter a sua verdadeira idade. Por causa de um par de dentes afiados que furou sua jugular, Eli talvez tente recuperar (eternamente) sua infância perdida. Ao conhecer Oskar, ela sabe que ganha uma segunda chance.

Há um mistério, no entanto, na figura do velho homem que mora com a menina. É ele quem procura por sangue na calada da noite para Eli matar sua fome. Mas quem é esse cara? Seu pai? Um ex-amante? Um ex-Oskar? Por mais que este personagem tenha uma origem nebulosa, acho que Eli compreende o amor e a amizade ao conhecer o pequeno Oskar, sua redenção. Se ela errou em algum momento de sua vida, agora é hora de recomeçar.

O roteiro de John Ajvide Lindqvist, baseado em seu próprio livro, ganha uma bela tradução do diretor Tomas Alfredson, que filma com a paciência que a história exige – seja para aumentar a tensão, quando ela é necessária, ou somente para contar a trama, que nos coloca na linha de raciocínio das duas crianças. É um recurso que facilita o diálogo do filme com o público.

Alfredson propõe que o amor é a linguagem universal. Repare na figura de Oskar e Eli – de vez em quando, ele parece uma menina, enquanto ela aparenta ter a fisionomia de um garoto. Enfim, o amor não escolhe sexo – ou seres humanos ou vampiros. Repare também na caracterização da época em que se passa o filme. Por causa dos carros, das roupas, dos vinis, acho que Deixa Ela Entrar acontece nos anos 80, mas não tenho certeza. Talvez Alfredson queira ressaltar essa ideia de que o amor pode atingir qualquer um, em qualquer época, em qualquer lugar. É atemporal.

Outro ponto interessante está nas cenas mais pesadas, em que a câmera do diretor finge olhar para outro canto da tela bem na hora em que o sangue e a escatologia ameaçam dominar o enquadramento. Bom, de toda forma, trata-se de uma fábula infantil e uma criança pode estar sentada na plateia. E convenhamos que é muito mais elegante deixar o público usar a imaginação do que apostar no horror explícito. Isso traduz bem a ideia do filme: Tanto para Oskar quanto para Eli, o amor vence o ódio, a indiferença e a violência. Por este lado, como fantasia, Deixa Ela Entrar dialoga com outro belo exemplar do gênero, que é O Labirinto do Fauno.

Deixa Ela Entrar é uma linda história de amor e amizade entre duas crianças. Não vejo um filme tão bom, lindo e sensível assim desde E.T. – O Extraterrestre (Que foi? Eu acho que o alienígena de Spielberg é uma criança). O que fica é o amor, mesmo que o filme tenha sangue, cabeças decepadas e braços arrancados.

Deixa Ela Entrar (Let the Right One In/Låt den Rätte Komma In, 2008)
Direção: Tomas Alfredson
Roteiro: John Ajvide Lindqvist (Baseado em seu próprio livro)
Elenco: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl, Karin Bergquist e Peter Carlberg

Veja o novo pôster de Um Olhar do Paraíso

2009-10-08T15:44:00.004-03:00

Lindo, não? A adaptação para o cinema do livro Uma Vida Interrompida (The Lovely Bones) ganhou o título nacional Um Olhar do Paraíso. Com direção de Peter Jackson (O Senhor dos Anéis, King Kong), o filme conta a história de Susie Salmon (a adorável Saoirse Ronan, de Desejo e Reparação), que chega ao Céu após ser estuprada e assassinada pelo vizinho (Stanley Tucci). Lá de cima (ou bem de perto), a garota observa sua família, que ainda chora sua morte.

O elenco ainda tem Rachel Weisz, Mark Wahlberg e Susan Sarandon. A estreia no Brasil está marcada para o dia 10 de janeiro de 2010.

Qual é o seu Tarantino favorito?

2009-10-07T14:36:00.008-03:00

Cães de Aluguel
(1992)

Pulp Fiction
(1994)

Jackie Brown

(1997)

Kill Bill, Vol. 1
(2003)

Kill Bill, Vol. 2
(2004)

À Prova de Morte
(2007)

Não, Bastardos Inglórios não vale. O novo Tarantino estreia
sexta, dia 09, no Brasil. Mas vamos no embalo: Diga também
qual é o filme de Quentin Tarantino que você menos gosta.

A Partida

2009-10-06T16:51:00.007-03:00

A Partida (Departures/Okuribito, 2008) é o filme que oferece a emoção mais profunda e, ao mesmo tempo, original que você verá/sentirá nos cinemas este ano. Com o diretor Yôjirô Takita, (re)aprendemos que a equação para se chegar ao bom cinema é simples: Um belo roteiro + ideia original + atores talentosos + montagem competente = cinéfilo satisfeito. Com tudo isso em mãos, o diretor precisa ser muito burro para estragar tudo. Basta dirigir o carro pela estrada vazia e sentir a brisa batendo no rosto. Sem acelerar ou diminuir a velocidade. Só… conduzir.

Palmas para o Sr. Takita, que pela simplicidade exacerbada, mostra que a vida é fantástica e não suja ou horrenda, como muito diretor desocupado e deprê tentou nos enfiar guela abaixo nesta década. É um filme que chega num tempo em que andamos esquecendo que o cinema pode falar do dia a dia de gente comum e permanecer belo, poético, encantador. É uma rica (e rara) experiência que entrelaça vida, morte e arte.

Em Tóquio, Daigo (Masahiro Motoki) trabalha como violoncelista numa orquestra. Ele pensa que nasceu para a música, mas quando perde o emprego, decide se mudar com a esposa para a cidade do interior onde nasceu. Lá, arruma um trabalho que ninguém imagina ter: a preparação de cadáveres para funerais. Seu novo ganha pão é um tanto incomum e atrai reações preconceituosas até mesmo de sua mulher.

Aos poucos, Daigo percebe que não é exatamente um profissional do ramo, mas um artista. Como Picasso, Mozart e tantos outros gênios, Daigo é incompreendido na execução de sua arte. É interessante ver como o diretor sugere que todos nós temos um dom, mas nem sempre nos damos conta disso. A Partida também é um filme sobre segunda chance – sem esbarrar nos clichês que já bateram na sua mente, caro leitor, neste exato momento como recordação cinéfila. Daigo, como todo mundo, tem acertos de contas com algum acontecimento do passado. E essa pendência com o destino será resolvida, no final, de forma inesperada e emocionante.

Original ao extremo – sem a urgência de mostrar que é original, como fazem diretores e roteiristas badalados de Hollywood -, A Partida tem a morte rondando suas duas horas de projeção, mas o diretor quer falar mesmo é de vida. Lembro que ninguém discute sobre a morte neste filme. Ou, pelo menos, isso não ficou registrado em minha mente. Pelo contrário: é como se a morte estivesse ali para mostrar que estamos vivos. Daigo – e qualquer ser humano – não precisa morrer para resolver assuntos pendentes. Basta viver, olhar para aquela pessoa amada e demonstrar frases de redenção como “Eu te amo!”, “Eu estou aqui!”

A morte sempre foi um tabu pouco analisado pelo cinema. Com todo o cuidado necessário, A Partida trata o tema com leveza, emoção e delicadas doses de humor nos momentos certos. O Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, conquistado este ano, é apenas um detalhe.

A Partida (Departures/Okuribito, 2008)
Direção: Yôjirô Takita
Roteiro: Kundo Koyama
Elenco: Masahiro Motoki, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue e Kazuko Yoshiyuki

Vida longa ao Monty Python

2009-10-05T19:13:00.003-03:00

Há exatos 40 anos, no dia 05 de outubro de 1969, um irreverente grupo inglês formado pelos atores John Cleese, Eric Idle, Graham Chapman, Michael Palin, Terry Gilliam e Terry Jones começava a fazer História com a estreia da série Monty Python’s Flying Circus. Suas únicas armas contra a estranheza alheia em relação ao que é novo: cara de pau, e um humor ácido, direto, baseado nas mudanças inevitáveis da cultura inglesa (e mundial).

O Monty Python sacudiu o pudor da refinada sociedade local durante as quatro temporadas em que a série ficou no ar na BBC. Rapidamente, fez escola pelo mundo, com o fortalecimento de sua marca graças aos filmes Monty Python em Busca do Cálice Sagrado (1974), A Vida de Brian (1979) e Monty Python – O Sentido da Vida (1983).

Se hoje já vimos TV Pirata, Casseta & Planeta, assim como comédias americanas de qualidade do naipe de Apertem os Cintos, O Piloto Sumiu, Top Secret, e Corra que a Polícia Vem Aí!, devemos tudo aos caras do Monty Python. Atualmente, a crítica corrosiva ao momento político, cultural e social desapareceu das comédias, que se concentram somente no besteirol – vide ovelhas negras como Todo Mundo em Pânico e Os Espartalhões. Mas isso era previsível, afinal a inteligência que um dia existiu nesse tipo de humor se perdeu no meio da artificialidade da Era da banalização da informação.

Hoje, embora principalmente John Cleese e Eric Idle continuem em atividade, o Python que continua exercendo certa influência em Hollywood é Terry Gilliam, que seguiu firme e forte como cineasta. Além dos filmes do grupo inglês, Gilliam é o responsável por sucessos como Brazil, As Aventuras do Barão Munchausen, O Pescador de Ilusões, Os Doze Macacos e o novo The Imaginarium of Doctor Parnassus (mais conhecido como “o último filme estrelado por Heath Ledger).

OBS: Fique ligado no HOLLYWOODIANO em outubro, pois teremos mais homenagens ao Monty Python.

Salve Geral

2009-10-02T19:13:00.008-03:00

No sistema atual, ninguém é de ninguém. E não existe essa de certo ou errado. O que impera neste mundo dos espertos é a lei do mais forte. Pelo menos é o que acha o diretor Sérgio Rezende em Salve Geral (2009), produção nacional que tenta vaga no Oscar de Melhor Filme Estrangeiro.

Neste contexto, Rezende fez um filme sobre o descontrole do indivíduo e, consequentemente, da sociedade. Até que começa interessante com uma abordagem, que não deixa de ser corajosa, de São Paulo (ou o Brasil) nas mãos dos bandidos – aqueles que ficam atrás das grades, claro. Se bem que, em Salve Geral, há um interminável entra e sai de policiais, visitantes e detentos do presídio, que a cidade inteira acaba se tornando uma imensa prisão. E Salve Geral não é exatamente sobre os ataques e as ameaças do PCC (Primeiro Comando da Capital), em maio de 2006, na cidade de São Paulo. Esse é o pano de fundo para a luta de uma mãe, Lúcia (Andrea Beltrão), para tirar seu filho da cadeia.

Ok, agora é a minha vez: O diretor, no entanto, não quis seguir a linha dos atuais filmes catástrofes de Hollywood, que costumam concentrar a narrativa em pais e filhos tentando sobreviver a ataques alienígenas ou às revoltas das forças da natureza. Pode cair o mundo, mas a câmera segue a família. Por mais que isso tenha caído no clichê, trata-se de um recurso para gerar um link emocional com o público e (por que não?) com a Academia, afinal é o que todos esperam de Salve Geral. Acho que Sérgio Rezende não deveria ter tentado analisar a situação como um todo, dando voz a diversos personagens em diferentes cenários. É como se em Guerra dos Mundos, Spielberg tivesse mostrado o lado dos alienígenas, assim como dos parentes e vários vizinhos de Tom Cruise e Dakota Fanning.

Cara, isso é só um exemplo para destacar um artifício narrativo. Sei muito bem que Salve Geral e Guerra dos Mundos pertencem a gêneros distintos. Mas se o diretor seguisse apenas o ponto de vista de sua protagonista, Salve Geral ainda falaria da interligação da sujeira entre poder e corrupção – sem isentar o povo de culpa. E teria saído mais emocionante. Infelizmente, Rezende cisca em vários terrenos possíveis para se avaliar o assunto e acaba não se aprofundando em nenhum deles.

Talvez o diretor esteja mais preocupado com propaganda política às vésperas das eleições presidenciais no Brasil, afinal seu filme é uma arma e tanto para alfinetar o principal adversário do atual governo. Neste caso, independentemente de minhas orientações políticas, Salve Geral é eficiente, mas desinteressante como cinema. Aliás, Rezende ainda falha de forma tosca em algumas cenas, em que a música anuncia ao público o que virá a seguir. Talvez ele precise abandonar um pouco a leitura das notícias populares (e dos livros de História, afinal ele dirigiu Lamarca e Canudos) para retornar ao primário das aulas de cinema.

Ao menos, temos Andrea Beltrão, que é uma grande atriz. Se o público não se reconhece 100% em sua personagem, isso é culpa de Sérgio Rezende. Quem é que consegue engolir a paixão nada convincente de Lúcia por um detento? Será que o diretor quer relembrar a ex-garotinha do Balão Mágico? Ou que a gente tenha simpatia por ex-Polegar? Ah, tenha dó.

Salve Geral (2009)
Direção: Sérgio Rezende
Roteiro: Sérgio Rezende e Patrícia Andrade
Elenco: Andrea Beltrão, Lee Thalor, Denise Weinberg e Bruno Perillo

Fechamento de setembro

2009-10-01T11:05:00.005-03:00

Salve Geral é Brasil no Oscar 2010
Ok, mas será que o filme é bom?

Amantes
Joaquin Phoenix dá um show em seu último trabalho como ator

O Ano do Nove
Distrito 9, Nine e 9 - A Salvação... Tudo isso em 2009 nos cinemas

A Supremacia da Pixar
O papel da Pixar Animation Studios no desenvolvimento
da cultura e da educação do aspirante à cinéfilo

Atualização do ranking Pixar
Top 10 com a emoção dominando a razão

Up - Altas Aventuras
A nova obra-prima da Pixar

Apostas (furadas) para o Emmy
Bom, pelo menos, nós tentamos

Os vencedores do Emmy Awards
"Mad Men" e "30 Rock" faturam os principais prêmios da noite

Os Normais 2 - A Noite Mais Maluca de Todas
Rui e Vani perdidos numa noite suja

O Sequestro do Metrô 1 2 3
Se você não sabe o que fazer com seus roteiros,
entregue-os nas mãos de Tony Scott

Che
O épico de Steven Soderbergh e Benicio Del Toro
sobre Ernesto "Che" Guevara até que começa bem...

Che 2: A Guerrilha
...Mas a segunda parte é o maior sonífero já produzido

A Verdade Nua e Crua
Comédia romântica com Katherine Heigl e Gerard Butler precisa de Viagra

Começa o Festival do Rio 2009
E Quentin Tarantino dá o cano

Veja o trailer do remake de A Hora do Pesadelo
Chapéu nojento, navalhas na mão, camisa do Mengão... Tudo lá

Os grandes momentos de Patrick Swayze
Sete papéis que marcaram a carreira do ator que nos deixou este mês

Para Patrick Swayze, obrigado por tudo!
Homenagem ao ator de "Dirty Dancing", "Ghost" e "Caçadores de Emoção"

A Verdade Nua e Crua

2009-09-30T20:01:00.005-03:00

É muito triste acompanhar a carreira cinematográfica de Katherine Heigl. Bonita e talentosa, a atriz tem participação fixa e brilhante na série de TV Grey’s Anatomy. Se é para ganhar espaço na tela grande, ela bem que poderia cobrar muito mais caro. Perdida em projetos desnecessários, que não contribuem em nada até mesmo para o gênero “comédia romântica”, como Vestida para Casar e, agora, A Verdade Nua e Crua (The Ugly Truth, 2009), Katherine caiu no conto do vigário de Hollywood, que vê nela uma das prováveis substitutas para o posto de “namoradinha da América”, afinal Julia Roberts, Sandra Bullock e Meg Ryan não têm mais idade para brincar de médico ou casinha.

No caso de Katherine Heigl, Hollywood parece aquele canal de TV aberta mais poderoso do Brasil, que compra séries de grande audiência para deixá-las na geladeira. Ou para exibi-las às quatro da manhã, quando quase ninguém está vendo. E isso só para que seus concorrentes não tenham o prazer de tê-las em sua grade de programação. O pior é que Katherine Heigl parece gostar da ideia, afinal ela tem culpa no cartório. Além de atriz, ela é a produtora de A Verdade Nua e Crua. Assim, fica difícil defender a adorável Izzie Stevens, sua personagem em Grey’s Anatomy.

No filme, ela é Abby Richter, produtora de TV que precisa lidar com o novo astro do canal, o macho man Mike Chadway (Gerard Butler), apresentador do programa A Verdade Nua e Crua, que dispara sem dó nem piedade o que realmente se passa na(s) cabeça(s) dos homens. Suas atitudes excêntricas aumentam os índices de audiência da emissora, mas chocam a certinha e pobrezinha Abby, que faz de tudo para convencer seu chefe a retirar o guru espartano do programa.

Daqui pra frente, você não precisa ser dono da verdade nua e crua para saber o que acontecerá até o final. É o esquema básico: Os opostos se atraem? Confere. Vem a inevitável cena do beijo? Confere. Eles se desentendem quando todo a plateia já sabe que ficarão juntos no fim? Confere. O casal faz as pazes na última cena? Confere.

Ok, seria o típico filme divertido para zerar os neurônios se as “piadas picantes” não fossem apenas fogo de palha. Ou se Katherine Heigl e Gerard Butler, tão a vontade em suas cenas, não exagerassem nas atuações histéricas com gritos, caras e caretas. Já metem o pau em Jim Carrey por muito menos. Katherine, por sua vez, ainda tem uma cena que remete ao falso orgasmo de Meg Ryan, em Harry & Sally – Feitos um Para o Outro, mas a loira de Grey’s Anatomy, por incrível que pareça, perde de goleada no quesito talento para a ex-namoradinha da América.

Sem falar que o diretor Robert Luketic (Legalmente Loira), medíocre como ele só, faz qualquer um brochar com suas freadas violentas no ritmo do filme. O que é aquela demorada (e mal editada) cena de dança entre Katherine Heigl e Gerard Butler? E a desnecessária cena que fecha o filme após o clímax no balão com cenário de Hitchcock? Cara, quem diria que estaríamos aqui, em pleno século XXI, falando bem da Meg Ryan?

A Verdade Nua e Crua (The Ugly Truth, 2009)
Direção: Robert Luketic
Roteiro: Nicole Eastman, Karen McCullah Lutz e Kirsten Smith
Elenco: Katherine Heigl, Gerard Butler, Bree Turner, Eric Winter, Nick Searcy e Cheryl Hines

Atualização do ranking Pixar

2009-09-29T19:59:00.012-03:00

1- TOY STORY 2

Imaginaste que Toy Story 2 jamais igualaria o feito de vosso irmão mais velho. Com sangue da mesma família correndo nas veias, a animação lutou bravamente contra inimigos poderosos, mas conquistou os Deuses da Imprensa Estrageira em Hollywood ao tocar o Globo de Ouro de Melhor Filme – Comédia/Musical. Registros de livros de história comprovam que um raio pode cair num mesmo lugar. Ainda mais quando vossos guerreiros Woody, Buzz, Cabeça de Batata e tantos outros intrépidos cavaleiros estão munidos de roteirus estupendus.

2- WALL-E

Um robô monossilábico tem mais coração do que a raça humana? Queres dar um recado, Pixar Toda Poderosa? Calo-me diante de Tua magnífica e pura mensagem. Apenas deixo a energia dominar minha alma, que jamais entendeu coisa alguma desta vida cruel, em que mortais devastam o próprio planeta com seus vícios podres. Talvez, nesta vida real, não tenhamos um robozinho para nos salvar em um futuro próximo.

3- RATATOUILLE

Precisas admitir, mortal, que duvidaste do poder devastador de Ratatouille antes mesmo de vossa entrada no cinema. Confesse agora e serás perdoado por toda a eternidade. Admitas que o diretor Brad Bird entregou uma obra-prima diante de vossos olhos, que a Terra há de comer, e bateu prazerosamente em vossa cara com luva de pelica após queixus caídus ao término da sessão.

4- PROCURANDO NEMO

Decoraste a cantoria dos oceanos de Lady Dory (Continue a nadar, continue a nadar) e abominaste O Espanta Tubarões; que profanou a coroa de Procurando Nemo, lançando-a por terra. Testemunhaste a jornada de Marlin contra os inimigos dos sete mares para resgatar seu amado filho. Ó Pixar, recusaram ouvir-Te e não se lembraram das Tuas maravilhas anteriores e duvidaram da saga dos peixinhos falantes. Todavia, Tu, pela multidão das Tuas misericórdias, não deixaste os cinéfilos pecadores no deserto.

5- UP: ALTAS AVENTURAS

Ninguém acreditou que uma casa voadora e um velhinho de bengala seriam capazes de dar ao mundo uma aventura extraordinária. Mais uma vez, Pixar, desacreditamos de vossa sabedoria e genialidade agudas. Não merecemos o pão que comemos diariamente. Tu, por outro lado, não cansas de mostrar aos mortais, que se acham o máximo por terem livre arbítrio, que é possível vencer os obstáculos, quebrar barreiras e viver intensamente, aproveitando cada segundo dessa tal felicidade. Um dia, quem sabe, talvez Teus súditos compreendam…

6- TOY STORY

A Disney não se cansava de produzir desenhos chatos com canções intermináveis. Nesta época de trevas, nascia o primeiro Filho da Pixar para a sétima arte. Por intermédio dos teus profetas; Toy Story revolucionou o modus operandi de Hollywood. Desenho passou a ser reconhecido como animação. Animação passou a ser reconhecida como filme ambicioso com atributos como direção e roteiro recebendo a mesma importância de imagem, movimento e som. Ó Pixar, Tuas abundantes produções são para os reis que freqüentam os cinemas em busca de qualidade. Nota: Dizem que a Pixar fez Toy Story em seis dias. No sétimo, Ela descansou.

7- OS INCRÍVEIS

Pela primeira vez, Ó Pixar, colocaste o homem digital como protagonista de uma aventura. Alguns mortais não prestaram a devida atenção, pois ainda estavam fascinados com a saga do famoso peixe palhaço. Ainda assim, Teu povo foi desobediente e se revoltou contra Ti, afinal Os Incríveis não tem bichinhos bonitinhos. Mais uma vez, calaste a boca dos infiéis e detratores de filmes sobre super-heróis e outros lixos hollywoodianos. Fizeste mais uma obra divina. Por causa de tudo isso, estabelecemos aliança fiel com Teu reino, Pixar.

8- MONSTROS S.A.

Apresentaste o reino dos monstros que reside além de nossos armários com vestes mofadas. Mesmo assim, o encanto da Deusa Boo e seus servos Mike Wazowski e James P. Sullivan não evitaram a derrota no Oscar para aquele desgraçado ogro verde. Perdoe os mortais, Pixar, pois eles não sabem o que fazem.

9- CARROS

Pobres almas corrompidas reclamam deste Teu filho, que nada mais fez do que tocar o coração de cada mortal. Por isso, merecemos Tua ira! Pixar, jogue todas as pragas, que existem neste – e no outro – mundo, em cima de nossas imensas cabeças ocas, que não entendem nada de carro.

10 – VIDA DE INSETO

Se Carros sofreu, imagine o que nós, bestas, fizemos com Teu Vida de Inseto, quase sempre esquecido até na hora das reclamações contra Teu grandioso poder, que cobre a Terra de vasta alegria. Rogo a Ti, Pixar, afinal não merecemos mais vossa superação filme após filme, pois confesso que esperamos pelo deslize de Tua perfeição a cada ano que passa somente para provar a nós mesmos que, um dia, estaremos no nível dos Deuses.

Veja o trailer do remake de A Hora do Pesadelo

2009-09-28T14:11:00.006-03:00

Caiu na rede o primeiro trailer do remake de A Hora do Pesadelo. Há cenas parecidíssimas com o original de 1984 dirigido por Wes Craven, mas os fãs da série irão gostar de ver como o assassino de criancinhas Freddy Krueger se tornou o monstro sobrenatural, que se vinga dos filhos de seus algozes durante seus pesadelos. Veja abaixo.

Ei, só pode ser melhor que as inúteis sequências do primeiro filme. Substituindo o grande Robert Englund no papel de Freddy, temos Jackie Earle Haley, o ótimo ator de Pecados Íntimos e Watchmen. A direção é de Samuel Bayer, mais conhecido como realizador de videoclipes de bandas como Metallica.

A estreia acontece no dia 16 de abril de 2010.

Che 2: A Guerrilha

2009-09-25T18:05:00.005-03:00

Em Che 2: A Guerrilha (Che: Part Two, 2008), o diretor Steven Soderbergh conclui sua análise humanista do amado e odiado revolucionário argentino. Como na primeira parte, o cineasta mais eclético da Hollywood atual continua distante de qualquer emoção com um olhar não exatamente gélido, mas indiferente. Só que uma coisa é acompanhar a campanha vitoriosa de um personagem real – mesmo sem tomar partido -, como vimos nas duas horas iniciais de Che. Mesmo com a falta de comprometimento dramático do diretor, o público se esforça e é até capaz de se envolver numa história de conquista, já que o espírito dialoga com motivações e princípios básicos da humanidade. Outra coisa – eis o grande erro de Soderbergh – é ver o diretor utilizar a mesma tática para narrar a derrota de Che Guevara pelas selvas bolivianas. Bom, você sabe, a sensação de perder é totalmente oposta à da vitória. Imagine então assimilar isso de maneira impassível. Ao sair do cinema sem sentir absolutamente nada, o espectador tem a convicção de que o filme não fede nem cheira.

Talvez Soderbergh tenha mergulhado de cabeça num esforço pessoal para compreender as razões que levaram Che ao fracasso de sua cruzada idealista na Bolívia. Até hoje, existem vários mistérios em torno da derrota do guerrilheiro. Talvez, movido pela euforia da vitória em Cuba, Che tenha sido dominado pelo excesso de confiança juvenil e a sensação de que jamais seria vencido. Talvez ele não tenha percebido que a idade avançou. Ou então achou que sua ideia utópica para a América nunca esbarraria em culturas que não respeitam fronteiras. Talvez Che Guevara não tenha se adaptado a novas condições climáticas e territoriais. Mas o que aconteceu de fato? Teria ele subestimado seus oponentes? Ele foi surpreendido pela organização das forças rivais, com total apoio dos EUA? Será que a Esquerda e as diretrizes comunistas não eram mais aquelas que resultaram na Revolução Cubana? Enfim, continua um enigma. O problema é que Soderbergh, assim como Che, se perdeu. Quando poderia, ao menos, seguir uma delas, o diretor tentou decifrar a questão em todas essas vertentes e meteu os pés pelas mãos.

O ponto é que o currículo eclético de Steven Soderbergh não deveria ser digno de admiração. Faz filmes comerciais competentes como a série Onze Homens e um Segredo, mas insiste em projetos experimentais como Confissões de uma Garota de Programa. Acho que ele deveria tirar uma férias, parar, relaxar e, por fim, pensar. É evidente que Soderbergh está perdendo o rumo com suas investidas como desbravador de novas técnicas com o digital em filmes estritamente voltados para a arte. Cara, ou você nasce com isso ou pede pra sair.

Mas Che 2: A Guerrilha não é um desastre, apesar de funcionar como uma conclusão decepcionante em termos de cinema em relação ao primeiro filme. Resta a atuação soberba de Benicio Del Toro. O que mais impressiona em sua performance é acompanhar a aniquilação física e mental de Che Guevara, que se une completamente à terra; ao ambiente. No fim, tanto a América quanto Che se tornam um só. Pena que não temos um especialista no assunto como Terrence Malick, de Além da Linha Vermelha, na direção.

Che 2: A Guerrilha (Che: Part Two, 2008)
Direção: Steven Soderbergh
Roteiro: Peter Buchman e Benjamin A. Van Der Veen (Baseado em The Bolivian Diary, de Ernesto “Che” Guevara)
Elenco: Benicio Del Toro, Franka Potente, Joaquim de Almeida, Demián Bichir e Lou Diamond Phillips

Filme de Ang Lee abre o Festival do Rio

2009-09-24T15:49:00.003-03:00

Começa hoje a 11ª edição do Festival do Rio. Até o dia 08 de outubro, a Cidade Maravilhosa será a capital do cinema no País. O esperado Aconteceu em Woodstock, de Ang Lee (Brokeback Mountain, Razão e Sensibilidade, O Tigre e o Dragão) tem a honra de abrir a maratona.

Entre os destaques do festival, temos o vencedor da Palma de Ouro The White Ribbon, de Michael Haneke, além de It Might Get Loud, de Davis Guggenheim, Abraços Partidos, de Pedro Almodóvar, Away We Go, de Sam Mendes, Coco Antes de Chanel, de Anne Fontaine, Maradona, de Emir Kusturica, (500) Dias com Ela, de Marc Webb, Bright Star, de Jane Campion, A Batalha dos 3 Reinos, de John Woo, O Desinformante!, de Steven Soderbergh, Julie & Julia, de Nora Ephron, An Education, de Lone Scherfig, e The Burning Plain, de Guillermo Arriaga.

O diretor Quentin Tarantino irá ao Rio para o encerramento do festival, dia 08 de outubro, na premiére nacional de Bastardos Inglórios.

Che

2009-09-23T17:45:00.008-03:00

Todo mundo tem uma opinião formada a respeito de Ernesto “Che” Guevara, uma das figuras mais comentadas do século XX. A diferença é que a esmagadora maioria se refere ao mito – aquele que foi marcado para sempre na História escrita pelos vencedores – e não ao homem. Herói ou vilão? Quem foi o verdadeiro Ernesto Guevara por trás de imagens famosas em fotos e vídeos registrados na época da Revolução Cubana? De fato, Che é um personagem fantástico – independente de seus objetivos políticos e ideológicos – que gera diferentes interpretações. Uma das mais recentes vem do diretor Steven Soderbergh, em um épico que terminou com cerca de quatro horas de duração. Exibido em duas partes, entre os eventos que marcaram o encontro do revolucionário com Fidel Castro até seus últimos dias de vida na Bolívia, Che (Che: Part One, 2008) e Che 2 – A Guerrilha (Che: Part Two, 2008) tentam desvendar o ser humano e não a lenda.

O primeiro filme fala essencialmente da Revolução Cubana. Seguindo uma estrutura narrativa não-linear, Soderbergh brinca com passado – a preparação de Che (Benicio Del Toro), Fidel (Demián Bichir) e seu exército para invadir Cuba e derrubar a ditadura de Fulgêncio Batista – e futuro - a passagem de Che por Nova York, onde fez um simbólico discurso na sede da ONU -, mas jamais dá sua opinião à respeito do revolucionário. Muito menos mostra como ele decidiu iniciar uma saga idealista (e sangrenta) pelo continente. Mesmo emocionalmente distante, Soderbergh tenta traçar um perfil de Che próximo daquele que foi real em suas batalhas. É como se fosse um documentário com atores.

É evidente que Soderbergh não buscou uma visão romântica, que é um elemento tradicionalmente explorado em cinebiografias, mas o fato é que muita coisa mudou neste mundo desde que Che Guevara bateu as botas. Quero dizer que a expectativa pode ser uma inimiga, afinal nem todos que enxergavam Che como um herói o veem da mesma forma nos dias de hoje, assim como tem gente que já não o define mais como um baderneiro ou um assassino. Mas não é neste filme que você vai entender a figura de Che.

O filme pode não ser relevante para quem conhece a trajetória de Guevara, mas é uma boa oportunidade para as novas gerações serem apresentadas ao personagem. Quem quiser se aprofundar no tema que procure por outras fontes. Enfim, Soderbergh não quis sarna pra se coçar, afinal não é fácil tomar partido de um ícone comunista em um mundo americanizado. Por outro lado, ele deixa a fascinante ambiguidade de Che mais viva do que nunca. Acho que a decisão do diretor foi correta – ainda mais quando temos atores de Hollywood idolatrando Hugo Chávez.

E Soderbergh compensa qualquer reclamação possível na habilidade da condução da montagem do filme, com suas idas e vindas no tempo, em imagens digitais que seduzem principalmente quando surge o preto e branco granulado nas cenas da passagem de Che por Nova York, anos depois de sua vitória em Cuba. Tanta qualidade técnica só intriga ainda mais aqueles que querem descobrir o verdadeiro Che. Quem foi esse cara? E o que é ser comunista? Preste atenção na cena final, quando o líder revolucionário manda um de seus soldados devolver um carro roubado. Fica difícil desfazer o nó nos neurônios depois dessa.

Nada disso, porém, seria digno de nota sem a atuação extraordinária de Benicio Del Toro, completamente possuído por Che Guevara. Vencedor do prêmio de Melhor Ator no Festival de Cannes, ele foi ignorado pela Academia. Será que ainda tem alguma dúvida que Soderbergh estava certo em não se comprometer? Só acho que foi um erro dividir o filme em duas partes. Eu sei que quatro horas no cinema seriam um exagero, mas por deixar a emoção de lado e privilegiar o estilo documental, Soderbergh assume um risco e tanto ao interromper o filme pela metade. Isso pode diminuir a curiosidade do público leigo em torno da história. Antes que o "2" chegue, os curiosos podem procurar por Che Guevara em livros, documentários e outras fontes. Quanto àqueles que vão ao cinema para serem arrebatados, essa pausa também pode levar a obra ao esquecimento no meio de tantos títulos fortes concorrendo pela atenção do público. Nada que um DVD contendo as duas partes não resolva, afinal tanto Steven Soderbergh quanto Che Guevara valem uma conferida.

Obs: “Che” saiu em DVD pela Europa Filmes

Che (Che: Part One, 2008)
Direção: Steven Soderbergh
Roteiro: Peter Buchman (Baseado em “Remanescentes da Guerra Revolucionária Cubana”, de Ernesto “Che” Guevara)
Elenco: Benicio Del Toro, Catalina Sandino Moreno, Demián Bichir, Rodrigo Santoro e Julia Ormond

Veja o trailer de Valentine's Day

2009-09-21T14:35:00.003-03:00

Quanta gente famosa, não? Temos Julia Roberts, Anne Hathaway, Jessica Alba, Jessica Biel, Jennifer Garner, Shirley MacLaine, Bradley Cooper, Queen Latifah, Patrick Dempsey, Jamie Foxx, Topher Grace, Eric Dane e Ashton Kutcher em Valentine's Day. O filme traz esse povo todo em cinco histórias que se passam no Dia dos Namorados, em Los Angeles.

Com direção de Garry Marshall, que comandou Julia Roberts em Uma Linda Mulher e Noiva em Fuga, Valentine's Day estreia no Dia dos Namorados nos EUA: 12 de fevereiro. No Brasil, o filme chega no mesmo dia.

Os vencedores do Emmy

2009-09-21T12:02:00.005-03:00

A turma de 'Mad Men' faz a festa no último prêmio da noite

Melhor série cômica
30 Rock

Melhor série dramática
Mad Men

Melhor telefilme
Grey Gardens

Melhor minissérie
Little Dorrit

Melhor ator em série cômica
Alec Baldwin, 30 Rock

Melhor ator em série dramática
Bryan Cranston, Breaking Bad

Melhor ator em minissérie ou telefilme
Brendan Gleeson, Into the Storm

Melhor atriz em série cômica
Toni Collette, United States of Tara

Melhor atriz em série dramática
Glenn Close, Damages

Melhor atriz em minissérie ou telefilme
Jessica Lange, Grey Gardens

Melhor ator coadjuvante em série cômica
Jon Cryer, Two and a Half Men

Melhor ator coadjuvante em série dramática
Michael Emerson, Lost

Melhor ator coadjuvante em minissérie ou telefilme
Ken Howard, Grey Gardens

Melhor atriz coadjuvante em série cômica
Kristin Chenoweth, Pushing Daisies

Melhor atriz coadjuvante em série dramática
Cherry Jones, 24 Horas

Melhor atriz coadjuvante em minissérie ou telefilme
Shohreh Aghdashloo, House of Saddam

Melhor reality show de competição
The Amazing Race

Melhor apresentador de reality show
Jeff Probst, Survivor

Ainda aqui? Tem mais:

Atriz convidada em série cômica
Tina Fey, Saturday Night Live

Ator convidado em série cômica
Justin Timberlake, Saturday Night Live

Roteiro de série cômica
Matt Hubbard, 30 Rock

Direção em série cômica
Jeffrey Blitz, The Office

Direção em minissérie, telefilme ou especial
Dearbhla Walsh, Little Dorrit

Roteiro em minissérie, telefilme ou especial
Andrew Davies, Little Dorrit

Direção de série de variedades, musical ou humorística
American Idol

Série de variedades, musical ou humorística
The Daily Show With Jon Stewart

Roteiro de série de variedades, musical ou humorística
The Daily Show With Jon Stewart

Canção original em programa de variedades
Tema da abertura do 81o. Oscar

Roteiro de série dramática
Mad Men

Direção em série dramática
Rod Holcomb, E.R.

Ator convidado em série dramática
Michael J. Fox, Rescue Me

Atriz convidada em série dramática
Ellen Burstyn, Law & Order: Special Victims Unit

Apostas para o Emmy

2009-09-20T13:01:00.007-03:00

Todos prontos para a entrega do Emmy hoje à noite? Será que Mad Men, em drama, e 30 Rock, em comédia, confirmam as previsões e dominam esta edição do prêmio máximo da TV americana? Bom, quem é fanático por séries, certamente, já fez as apostas.

HOLLYWOODIANO entra no clima da festa e arrisca os nomes dos vencedores nas principais categorias e ousa dizer quem merece a estatueta mais do que os outros. Veja abaixo.

Série (Drama)

Indicados: Big Love, Breaking Bad, Damages, Dexter, House, Lost e Mad Men
Quem vai ganhar: Mad Men
Quem merece ganhar: Mad Men

Série (Comédia)

Indicados: 30 Rock, Entourage, Family Guy, Flight of the Conchords, How I Met Your Mother, The Office e Weeds
Quem vai ganhar: 30 Rock
Quem merece ganhar: 30 Rock

Ator (Drama)

Indicados: Bryan Cranston (Breaking Bad), Michael C. Hall (Dexter), Hugh Laurie (House), Gabriel Byrne (In Treatment), Jon Hamm (Mad Men) e Simon Baker (The Mentalist)
Quem vai ganhar: Gabriel Byrne (In Treatment)
Quem merece ganhar: Michael C. Hall (Dexter)

Ator (Comédia)

Indicados: Alec Baldwin (30 Rock), Jemaine Clement (Flight of the Conchords), Tony Shalhoub (Monk), Jim Parsons (The Big Bang Theory), Steve Carell (The Office) e Charlie Sheen (Two and a Half Men)
Quem vai ganhar: Alec Baldwin (30 Rock)
Quem merece ganhar: Alec Baldwin (30 Rock)

Atriz (Drama)

Indicadas: Sally Field (Brothers & Sisters), Glenn Close (Damages), Mariska Hargitay (Law & Order: Special Victims Unit), Elizabeth Moss (Mad Men), Holly Hunter (Saving Grace) e Kyra Sedgwick (The Closer)
Quem vai ganhar: Glenn Close (Damages)
Quem merece ganhar: Glenn Close (Damages)

Atriz (Comédia)

Indicadas: Tina Fey (30 Rock), Christina Applegate (Samantha Who?), Julia Louis-Dreyfus (The New Adventures of Old Christine), Sarah Silverman (The Sarah Silverman Program), Toni Collette (United States of Tara) e Mary-Louise Parker (Weeds)
Quem deve ganhar: Tina Fey (30 Rock)
Quem merece ganhar: Tina Fey (30 Rock)

Ator Coadjuvante (Drama)

Indicados: William Shatner (Boston Legal), Christian Clemenson (Boston Legal), Aaron Paul (Breaking Bad), William Hurt (Damages), Michael Emerson (Lost) e John Slattery (Mad Men)
Quem vai ganhar: Aaron Paul (Breaking Bad)
Quem merece ganhar: Michael Emerson (Lost)

Ator Coadjuvante (Comédia)

Indicados: Tracy Morgan (30 Rock), Jack McBrayer (30 Rock), Kevin Dillon (Entourage), Neil Patrick Harris (How I Met Your Mother), Rainn Wilson (The Office) e Jon Cryer (Two and a Half Men)
Quem vai ganhar: Neil Patrick Harris (How I Met Your Mother)
Quem merece ganhar: Rainn Wilson (The Office)

Atriz Coadjuvante (Drama)

Indicadas: Cherry Jones (24 Horas), Rose Byrne (Damages), Sandra Oh (Grey's Anatomy), Chandra Wilson (Grey's Anatomy), Dianne Wiest (In Treatment) e Hope Davis (In Treatment)
Quem vai ganhar: Dianne Wiest (In Treatment)
Quem merece ganhar: Cherry Jones (24 Horas)

Atriz Coadjuvante (Comédia)

Indicadas: Jane Krakowski (30 Rock), Kristin Chenoweth (Pushing Daisies), Amy Poehler (Saturday Night Live), Kristin Wiig (Saturday Night Live), Vanessa Williams (Ugly Betty) e Elizabeth Perkins (Weeds)
Quem vai ganhar: Kristin Chenoweth (Pushing Daisies)
Quem merece ganhar: Jane Krakowski (30 Rock)

A entrega do Emmy será exibida pelo canal Sony, a partir das 19h30. Mas a cobertura da chegada das celebridades no tapete vermelho começa às 17h, no E! Entertainment Television. O Sony começa a transmissão às 17h30.

Os Normais 2

2009-09-18T17:20:00.010-03:00

Escrita por Fernanda Young e Alexandre Machado, a série Os Normais foi um dos maiores acertos da TV brasileira nesta década. Com diálogos e situações inteligentes, porém ousadas mesmo para os padrões do horário nobre do país da carnaval, a série, no entanto, não teria funcionado sem os protagonistas certos. E a ideia de colocar Luiz Fernando Guimarães e Fernanda Torres livres, leves e soltos para disparar todo e qualquer tipo de bobagem no dia a dia do casal neurótico Rui e Vani foi a cereja do bolo para fazer de Os Normais um sucesso absoluto.

Com o fim da série, veio o primeiro filme para o cinema, em 2003, que não foi tão quente e safadinho assim, apostando mais no romance - focado no momento em que Rui e Vani se conheceram - e menos no humor. Seis anos se passaram e nada da série retornar à TV. Mas, para a surpresa dos fãs, Rui e Vani estão de volta em Os Normais 2 - A Noite Mais Maluca de Todas (2009) no cinema, não na TV. E essa confusão entre as duas linguagens é o grande erro do filme.

Não venha me dizer que você saiu de casa pronto para ser surpreendido por uma adaptação de Os Normais para a tela grande com uma narrativa conduzida 100% pela linguagem de cinema. Depois de um longo intervalo, que deixou saudades, Rui e Vani estão de volta exatamente como nos deixaram da última vez que os vimos. O único problema é que Os Normais 2 é um episódio de 75 minutos. Em termos de cinema, a duração é curta demais, mas como estamos falando de uma produção com alma e aparência de episódio feito para a TV, uns cortes aqui e outros ali evitariam arestas no roteiro e freios no ritmo da direção, que surgem na tela e incomodam.

Aliás, o roteiro de Fernanda Young e Alexandre Machado não é tão inspirado quanto na série. Pelo menos, diferente do primeiro filme, volta a apostar no humor. Só que isso funciona por causa da química perfeita (e já conhecida) entre Luiz Fernando Guimarães e Fernanda Torres. É impossível não rir com o exercício de mise-en-scène que é Os Normais 2. Exceto pela cena da bengala, a única que não depende de Rui e Vani, é o casal de protagonistas que torna o filme mais engraçado que muita comédia americana exibida pelos cinemas nos últimos anos. E de todos os coadjuvantes, quem parece acompanhar o ritmo é Cláudia Raia.

Para o cinema nacional, ainda assim, vale muito mais como uma etapa no aprendizado em como se fazer produções comerciais de qualidade. Talvez Os Normais 3, caso venha a acontecer, pudesse renunciar de vez aos tiques da TV para se arriscar de vez como cinema. Por enquanto, só é uma maravilha na telinha.

Ao contrário do que pensa a Globo Filmes - talvez a culpa nem seja do diretor José Alvarenga Júnior -, a ousadia não está no elenco falando palavrões cabeludos que não podem ser ditos na TV. Se fosse apenas isso, Martin Scorsese não seria tão cultuado. A única coisa que falta aqui é adaptar Os Normais para o cinema. Infelizmente, isso ainda não aconteceu.

Resta ao público se divertir com o filme pelo que ele é. Assim, fica muito mais fácil relaxar, sem medo de cometer um guilty pleasure, para rir com Rui e Vani numa jornada noite adentro em busca de uma parceira que concorde em fazer um ménage à trois com o casal, numa tentativa desesperada para reacender uma relação que está se apagando.

Os Normais 2 - A Noite Mais Maluca de Todas (2009)
Direção: José Alvarenga Júnior
Roteiro: Alexandre Machado e Fernanda Young (Baseado na série de TV)
Elenco: Luiz Fernando Guimarães, Fernanda Torres, Drica Moraes, Danielle Winits, Claudia Raia, Alinne Moraes, Daniele Suzuki, Daniel Dantas e Mayana Neiva

Salve Geral é Brasil no Oscar 2010

2009-09-18T14:13:00.002-03:00

Ninguém viu o filme de Sérgio Rezende, que estreia só no dia 02 de outubro, mas um eufórico Galvão Bueno diria que "Salve Geral é Brasil no Oscar 2010!" Escolhido por uma comissão do Ministério da Cultura formada pelo diretor Carlos Gerbase, o crítico de cinema Carlos Alberto Mattos, o produtor Beto Rodrigues, o exibidor Luiz Gonzaga de Luca e a professora Ivana Bentes (da UFRJ), Salve Geral tentará uma vaga no Oscar de Melhor Filme Estrangeiro no dia 02 de fevereiro, quando a Academia divulga seus indicados ao prêmio máximo do cinema.

Estrelado por Andréa Beltrão, Salve Geral fala do pandemônio causado pelo Primeiro Comando da Capital, o PCC, em maio de 2006 na cidade de São Paulo. Para ganhar a chance de disputar o Oscar, o filme de Sérgio Rezende superou outras nove produções: A Festa da Menina Morta, Besouro, O Contador de Histórias, Jean Charles, Budapeste, Feliz Natal, Se Nada Mais Der Certo, Síndrome de Pinocchio - Refluxo, e O Menino da Porteira.

Resta saber se Salve Geral é bom mesmo ou se simplesmente aumentará a confusão na cabeça do brasileiro, que pensa que cinema é futebol. A entrega do Oscar acontecerá no dia 07 de março de 2010.

As coadjuvantes mais engraçadas da TV

2009-09-16T17:43:00.019-03:00

Conheça o perfil das candidatas ao Emmy de melhor atriz coadjuvante em comédia

JANE KRAKOWSKI / 30 Rock

Muito antes de ser indicada pela série de comédia mais badalada desta edição do Emmy Awards, a eterna coadjuvante Jane Krakowski já havia brilhado em outro show que marcou a TV americana: Ally McBeal. Mas embora a série protagonizada por Calista Flockhart tenha feito um enorme sucesso, Jane curte somente agora a sua primeira indicação ao Emmy. E pelo papel de uma (divertida) atriz decadente, que só sobrevive no showbiz graças à influência da amiga e roteirista de seu programa de TV, Liz Lemon (Tina Fey).

ELIZABETH PERKINS / Weeds

Ela encantou Tom Hanks no inesquecível Quero Ser Grande e foi Wilma, a esposa de Fred Flintstone na primeira adaptação para o cinema do famoso desenho da Hanna-Barbera. Também trabalhou em filmes como Avalon, de Barry Levinson, e o remake de Milagre na Rua 34. Mas foi na TV, com Weeds, que Elizabeth Perkins ganhou seu merecido respeito como atriz. Esta é sua terceira indicação pela série.

KRISTIN CHENOWETH / Pushing Daisies

A série pode ter sido cancelada prematuramente, mas os fãs jamais esquecerão a hilária Kristin Chenoweth como Olive Snook. Produzida por um Barry Sonnenfeld (A Família Addams, Homens de Preto) tentando ser Tim Burton, a colorida, bizarra e divertida Pushing Daisies não agradou a todos. Fazer o quê? Mas Kristin é uma das razões que valem a pena (re)descobrir as duas temporadas de Pushing Daisies em DVD. E olha que a atriz tem chances muito boas de sair da festa com a estatueta.

AMY POEHLER / Saturday Night Live

Uma das melhores comediantes da atual geração do maior programa cômico da história da TV americana ganha sua segunda indicação ao Emmy. Amy Poehler faz de tudo em Saturday Night Live, mas talvez seja facilmente lembrada pelo público em geral por sua participação no tradicional quadro Weekend Update, com os fatos mais importantes (que mereçam virar piada) da semana.

VANESSA WILLIAMS / Ugly Betty

Figurinha fácil nas principais categorias das edições passadas do Emmy, Ugly Betty não foi convidada para a festa deste ano. Exceto por Vanessa Williams, que conquista sua terceira indicação pela cruel e chique Wilhelmina Slater. Nada mal para Vanessa, que antes de Ugly Betty era mais famosa como cantora. Hoje, ela é uma das atrizes mais celebradas da TV.

KRISTIN WIIG / Saturday Night Live

Eis mais uma atriz do fantástico elenco de Saturday Night Live lembrada nesta categoria. Particularmente, acho que as mulheres desta geração do SNL são mais talentosas que os homens. Ao lado da (também indicada) colega de elenco Amy Poehler, ela ajuda a renovar um programa que está no ar desde 1975, revelando os melhores comediantes da TV e do cinema. Esta é sua primeira indicação ao Emmy. A cerimônia de entrega do Emmy acontece neste domingo, dia 20 de setembro.

Para Patrick Swayze, Obrigado por Tudo!

2009-09-16T11:43:00.004-03:00

E então o maior assassino de celebridades da História levou Patrick Swayze, cedo, ainda aos 57 anos. O astro de Dirty Dancing – Ritmo Quente, Ghost – Do Outro lado da Vida, e Caçadores de Emoção, assim como Humphrey Bogart, Gary Cooper, Paul Newman e, recentemente, Farrah Fawcett, entrou para o ingrato hall dos ídolos derrotados pelo câncer.

Desde os primórdios do cinema, quando vemos a figura de nossos heróis na tela grande, a sensação que bate e arrepia tem uma ligeira conexão com a ideia utópica da imortalidade. A sala escura é um portal mágico entre o inferninho da vida real e o céu dominado pelos deuses do Olimpo cinematográfico. Soberbo, o cinéfilo tem sua empáfia elevada graças aos gênios à frente e por trás das câmeras que arrebatam multidões e subjugam descrentes. Por tudo isso, sabemos hoje que conseguiremos chegar aos pés de nossos heróis das telas, que fizeram todos nós amarmos o cinema, somente se urgentemente nascermos outra vez.

Com essa consciência enraizada, fica difícil aceitar, no entanto, que nossos ídolos partem, assim, de uma hora pra outra, sem mais nem menos, para a eternidade. Sem aviso prévio, vemos que por trás de suas imagens imortais, há uma metade de carne e osso, que sucumbe, como cada um de nós, meros mortais. Seus filmes estarão conosco para todo o sempre, mas jamais veremos uma nova produção estrelada por astros como Patrick Swayze chegando numa sexta-feira qualquer aos cinemas.

É um tombo violento cair na realidade e compreender que Patrick Swayze, o homem, e não o ator sofreu muito desde que foi diagnosticado com câncer no pâncreas em março de 2008. Neste caso, por mais que seja dolorosa para os fãs, a morte de um ídolo só pode significar libertação. Nessa hora, devemos ficar com a imagem viril de Swayze em filmes como Caçadores de Emoção e Ghost, onde teve suas melhores performances.

E daí se Patrick Swayze não foi um ator do calibre de um Marlon Brando ou Laurence Olivier? E daí se ele não ganhou o Oscar, que até Gwyneth Paltrow tem? E daí se ele não levou o Globo de Ouro pra casa nas três vezes em que foi indicado (Dirty Dancing, Ghost, Para Wong Foo, Obrigada Por Tudo! Julie Newmar)? Patrick Swayze foi um dos heróis de uma geração. Fez muita gente gostar de cinema e foi um cara muito mais relevante para a cultura do que um Kanye West.

Ghost foi um fenômeno no Brasil. Antes dos multiplexes, e bem antes de Kanye West e Barack Obama, lembro de três histerias coletivas que levaram o povão sofredor aos cinemas de rua. Salas ficaram lotadas por inúmeras semanas exibindo Atração Fatal, de Adrian Lyne, e, mais tarde, Ghost – Do Outro Lado da Vida. Podia entrar qualquer obra-prima do Didi ou da Xuxa, mas esses filmes – cada um em sua época – resistiam e não arredavam o pé dos cinemas. Anos depois, com o início da aceitação popular dos primeiros multiplexes, Titanic repetiu a dose. Mas não importa se Ghost tem um baita roteiro ou uma inspiradíssima Whoopi Goldberg em um tema que captura facilmente a atenção do público. Ghost também é ótimo pela presença de Patrick Swayze – é ele que conduz a história.

Não dá para diminuir ou deixar de exaltar a sua importância neste filme ou para o cinema de uma época. Patrick Swayze é mais um ícone do cinema que se vai. Mas no imaginário do povo, ele jamais deixará de dançar em Dirty Dancing. Jamais deixará de colocar as mãos no barro bem acompanhado de uma jovem e bela Demi Moore, em Ghost. Também jamais deixará de pegar ondas gigantescas ao lado de Keanu Reeves, em Caçadores de Emoção. Nós precisamos desses momentos. Precisamos de filmes como esses. Precisamos de astros carismáticos como Patrick Swayze.

Os grandes momentos de Patrick Swayze

2009-09-15T11:49:00.010-03:00

Darrel Curtis em
VIDAS SEM RUMO (1983)
De Francis Ford Coppola

Johnny Castle em
DIRTY DANCING - RITMO QUENTE (1987)
De Emile Ardolino

Dalton em
MATADOR DE ALUGUEL (1989)
De Rowdy Herrington

Sam Wheat em
GHOST - DO OUTRO LADO DA VIDA (1990)
De Jerry Zucker

Bodhi em
CAÇADORES DE EMOÇÃO (1991)
De Kathryn Bigelow

Max Lowe em
CIDADE DA ESPERANÇA (1992)
De Roland Joffé

Vida em
PARA WONG FOO, OBRIGADA POR TUDO! JULIE NEWMAR (1995)
De Beeban Kidron

Esnobados no cinema, adorados na TV

2009-09-14T23:32:00.008-03:00

Três Indicados ao Emmy de Melhor Ator (Comédia) perderam seus espaços no cinema, mas ganharam o devido reconhecimento na TV. Os outros três não reclamariam se jamais deixassem a televisão.

ALEC BALDWIN / 30 Rock

O que Alec Baldwin, Charlie Sheen e Tony Shalhoub têm em comum? Atualmente, eles brilham em suas respectivas séries na TV americana e, consequentemente, disputam (merecidamente) o Emmy de Melhor Ator (Comédia) neste ano. Mas há uma curiosidade que liga seus nomes: Todos tiveram oportunidades no cinema - cada um em sua época -, porém, hoje, os estúdios não dão a mínima bola a eles. Quer saber? Seguindo o ditado "Há males que vêm para o bem", Baldwin, Sheen e Shalhoub estão rindo à toa.

Alec Baldwin e Charlie Sheen tiveram seus momentos no cinema como galãs dos anos 80, mas jamais foram respeitados como atores naquela época. Alec sempre foi o mais famoso dos Irmãos Baldwin (William, Stephen e Daniel); protagonizou filmes como Os Fantasmas Se Divertem, A Caçada ao Outubro Vermelho, Uma Loira em Minha Vida, e foi um dos nomes do timaço que atuou em O Sucesso a Qualquer Preço. Hoje, bem mais velho, até que Baldwin é lembrado por diretores como Martin Scorsese e Nick Cassavetes, mas jamais voltou ao papel principal. Aos 51 anos, mesmo com uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante no currículo pelo pouco visto The Cooler, Baldwin não está nem aí para os estúdios de Hollywood. Parece aceitar qualquer convite para fazer cinema, mas quer mesmo é aproveitar (e se divertir) com seu espaço garantido ao lado de Tina Fey na série cômica 30 Rock. Como o executivo Jack Donaghy, que vira um programa de TV do avesso e enlouquece seus funcionários, Baldwin já ganhou três SAG Awards, dois Globos de Ouro, e um Emmy. Quem quer ser astro de cinema assim?

CHARLIE SHEEN / Two and Half and Men

Filho de Martin Sheen e irmão de Emilio Estevez, o principal astro de Two and Half Men tem sangue real, mas nunca teve uma imagem tão respeitada no showbiz quanto agora. Nos anos 80, as garotinhas adoravam colecioná-lo em álbuns de figurinhas com uma galera que também contava com Rob Lowe, C. Thomas Howell, Matt Dillon e Mickey Rourke. Naquela época, seus maiores sucessos foram, curiosamente, em filmes sérios. E dirigidos por Oliver Stone no melhor de sua forma: Platoon e Wall Street. Na década seguinte, começou a convencer o público de que nasceu para fazer comédias. É só lembrar de Top Gang - Ases Muito Loucos e Top Gang 2 - A Missão, ambos dirigidos por Jim Abrahams. Mas, estranhamente, ele não tinha status de astro. E o restante dos anos 90 ainda foram sofríveis para Charlie Sheen, que só renasceu no início deste novo século ao substituir Michael J. Fox na ótima série Spin City. Com um belo desempenho, que lhe rendeu o Globo de Ouro, a indústria começou a enxergá-lo com outros olhos. E então veio Two and a Half Men. O resto é História. Esta é sua quarta indicação por interpretar o playboy Charlie Harper, mas Sheen ainda não levou a estatueta. Quem sabe é agora?

TONY SHALHOUB / Monk

Outro que trabalhou em vários filmes, mas não teve devido reconhecimento na telona foi o grande Tony Shalhoub. Ninguém guardou o seu rosto em A Qualquer Preço e Segredos do Poder, protagonizados por John Travolta, ou mesmo em Barton Fink e O Homem que Não Estava Lá, dos Irmãos Coen. Shalhoub ainda teve ótimas participações em Homens de Preto e, principalmente, Heróis Fora de Órbita. Mas foi na TV, como o genial detetive Adrian Monk, que Shalhoub foi alçado ao pedestal de grande ator. Incrivelmente, a cegueira de Hollywood impediu o reconhecimento de um ator de primeira qualidade - ele sempre foi excelente -, antes de sua entrada na casa dos 50 anos. Ah, claro, Monk tem TOC. Mas é apenas mais uma característica do detetive. Sua inteligência, graças a Tony Shalhoub, prevalece a qualquer doença que possa levar o personagem a ganhar prêmios fáceis. Esta é sua quinta indicação pelo papel e já levou duas estatuetas para casa.

VEJA OS OUTROS INDICADOS AO
EMMY DE MELHOR ATOR (COMÉDIA)

STEVE CARELL / The Office

O caso de Steve Carell é um pouco diferente dos atores citados acima. Mas só um pouco. No que diz respeito à longevidade em Hollywood, Carell ainda é jovem na indústria, mesmo aos 47 anos. E de toda essa turma, talvez seja o que tenha mais chance de brilhar no cinema. Em 2003, ao protagonizar a melhor cena de Todo Poderoso, com Jim Carrey, o ator saiu do anonimato. Ganhou de vez o carinho do público ao fazer o papel principal de O Virgem de 40 Anos, em 2005, que revelou o diretor, produtor e roteirista Judd Apatow. Um ano depois, Carell tirou a sorte grande ao ser escalado para viver o protagonista da versão americana da série The Office. Como poucos, conseguiu administrar bem seus trabalhos no cinema e na TV. Enquanto colecionava elogios e prêmios por The Office, Carell provou dominar o drama e a comédia com a mesma intensidade em filmes como Pequena Miss Sunshine e Eu, Meu Irmão e Nossa Namorada. De quebra, viveu Maxwell Smart na (boa) versão para o cinema da série Agente 86. Por essas e outras razões, Steve Carell não depende da TV. Mas se depender de sua vontade, ele jamais deixará de interpretar o egocêntrico Michael Scott, em The Office.

JIM PARSONS/ The Big Bang Theory

Alguém lembra de Jim Parsons em Hora de Voltar, com (e de) Zach Braff, e Escola de Idiotas, com Billy Bob Thornton e Jon Heder? Mas você certamente não esquecerá do nerd (e gênio) Sheldon, de The Big Bang Theory, que está indo para sua terceira temporada de sucesso. A série é engraçadíssima, as falas são fantásticas e o elenco é ótimo, mas se a Academia queria reconhecer The Big Bang Theory com apenas uma indicação importante, Jim Parsons não poderia ficar de fora.

JEMAINE CLEMENT / The Flight Of The Conchords

Jemaine quem? Este ator neozelandês é a grande surpresa da categoria. Em The Flight of the Conchords, Jemaine Clement, que não fez nada de especial antes, tenta ganhar a vida como músico de uma banda de rock ao lado de um amigo. Com muitos elogios para sua atuação, o ator desbancou nomes como David Duchovny, de Californication, na lista de indicados ao Emmy. Mesmo assim, a indicação já é um prêmio para quem ainda está se apresentando ao público.

Steve Carell e os novatos Jim Parsons e Jemaine Clement não têm currículos tão extensos quanto Alec Baldwin, Charlie Sheen e Tony Shalhoub, mas todos os seis indicados ao Emmy de Melhor Ator (Comédia) não trocariam a TV para serem astros de coisa alguma no cinema.

A cerimônia de entrega do Emmy acontece neste domingo, dia 20 de setembro.

Do Outro Lado da Vida

2009-09-14T22:07:00.014-03:00

PATRICK SWAYZE
1952-2009

Patrick Swayze, um dos maiores astros da década de 80, morreu hoje, aos 57 anos, após uma longa batalha contra um câncer no pâncreas. Swayze iluminou as telas em filmes como Dirty Dancing, Matador de Aluguel, Ghost, Caçadores de Emoção e, recentemente, Donnie Darko.

Uma homenagem ao ator, cantor, dançarino e eterno Patrick Swayze será feita em breve aqui no HOLLYWOODIANO.

O Sequestro do Metrô 1 2 3

2009-09-13T17:32:00.015-03:00

Tony Scott, o irmão menos talentoso de Ridley, acha que precisa inventar moda com a montagem de cenas ora congeladas, ora aceleradas para fazer gracinha e tentar imprimir uma marca que simplesmente não é única por ser tão banalizada por outros diretores desprezíveis. Scott (o Tony, e não o Ridley) acha que cinema é videoclipe. Mesmo quando ele pega uma refilmagem de uma produção dos anos 70, com o ritmo particular de uma época do cinema, que se concentra muito mais nos diálogos entre Walter Matthau e Robert Shaw, do que na ação desenfreada. Nas mãos do diretor Tony Scott, porém, a nova versão de O Sequestro do Metrô 1 2 3 (The Taking of Pelham 1 2 3, 2009) ganha traços modernos com ares de uma Nova York pós-11 de setembro dominada por paranoia, intolerância e excesso de tecnologia.

Até aí, tudo bem, afinal temos o prazer de ver Denzel Washington contra John Travolta na tela. Mas não se engane: quem comanda o show, para o nosso pesadelo, é Tony Scott. Ele não se contenta com seu ilustre elenco, que ainda tem John Turturro e James Gandolfini, e faz questão de mostrar que o filme pertence aos seus tiques conhecidos desde Top Gun e Dias de Trovão. Scott poderia, pelo menos, nos poupar de tanta previsibilidade. E nem isso ele faz.

Desde a longa (e irritante) abertura, sabemos que Tony Scott dá as cartas. Mas não precisava demorar tanto nos créditos iniciais só para mostrar Ryder (John Travolta) sequestrando o metrô, que sai à 1:23 da estação Pelham, no Brooklyn, rumo a Manhattan. Ele quer 10 milhões de dólares em apenas uma hora. Caso contrário, um refém será morto a cada minuto. Com a atenção do prefeito (James Gandolfini), da mídia e de todas as autoridades de Nova York, Ryder, no entanto, só aceita falar com Walter Garber (Denzel Washington), um homem comum que comandava as linhas de trem no exato momento do sequestro.

Dos diálogos entre Washington e Travolta, carregados de sinceridade, testemunhamos um belo desenvolvimento de personagens. Aos poucos, ambos descobrem semelhanças entre seus objetivos que movem o Homem contra as instituições de uma cidade insana e intolerante após os eventos trágicos do 11 de setembro de 2001. Ryder é um ex-executivo de Wall Street, vítima do capitalismo, afirmando que os verdadeiros vilões estão no poder no país. Para ele, Garber sofreu os mesmo golpes do Estado e, agora, tenta se livrar de acusações graves que ameaçam sua vida pessoal e profissional. Lá no fundo, Garber concorda com Ryder, mas existe uma pequena diferença entre os dois. Ryder perdeu tudo e só tem olhos para si próprio. O "mocinho" da história ainda vê razão para viver e reconhece que há algo de bom neste mundo que enobrece seu dia a dia: a família e o trabalho. Ao contrário do "bandido", Garber ainda tem uma luz no fim do túnel. Denzel Washington, para variar, está muito bem. John Travolta, por outro lado, surpreende. Mostra que sabe atuar quando quer.

Mas todo o drama construído pelos atores vai por água abaixo com as interferências de Tony Scott. O diretor insiste em se intrometer com seus exageros visuais, que vão desde batidas de carros desnecessárias a pausas na ação para mostrar na tela quanto tempo falta para esgotar o prazo da entrega do dinheiro.

Assim não dá pra levar a sério. Para completar a lambança, Scott ignora a construção dos personagens de Denzel Washington e John Travolta para apostar em um final previsível que contradiz alguns valores apresentados por Garber e Ryder durante o filme. Até tentei deixar de lado uma pergunta enviada pelo meu cérebro na metade do longa, mas com esse final, não teve jeito de esquecer.

A pergunta: Na hora em que atiradores de elite miram as cabeças de John Travolta e Luiz Guzmán dentro do trem, por que eles não mandaram bala? Cara, isso não encerraria o drama? Sem os dois bandidos na jogada, o restante dos vilões não receberia instruções por alguns segundos, que seriam preciosos para a aproximação dos policiais, que em menos de um minuto entrariam no vagão e BANG! Acabariam com a festa, soltando os reféns. Simples.

Ah, mas Tony Scott diria: Antes de atirar, um dos policiais poderia ser surpreendido por um ratinho, que entraria em sua calça e morderia sabe-se lá o quê. Isso poderia desviar a bala, então nada de arriscar. E segue o filme.

O Sequestro do Metrô 1 2 3 (The Taking of Pelham 1 2 3, 2009)
Direção: Tony Scott
Roteiro: Brian Helgland
Elenco: Denzel Washington, John Travolta, John Turturro, Luis Guzmán, Michael Rispoli, James Gandolfini e Ramon Rodriguez

Nota: "O Sequestro do Metrô" é ruim, mas dedico este texto ao meu pai, que adoraria ver o filme no "Domingo Maior". Feliz aniversário!

O Ano do Nove

2009-09-12T13:57:00.012-03:00

2009 e é curioso lembrar que o ano cinematográfico traz uma estranha conexão entre os títulos de alguns filmes. É o caso de Distrito 9, 9 - A Salvação, e Nine, que têm suas particularidades, mas apresentam uma coisa em comum: o número nove. Seria uma simples coincidência com o ano em que vivemos? Ou seria parte de uma estratégia de marketing de Hollywood para promover seus filmes em 2009? Tudo indica que a resposta vem da primeira pergunta, já que Nine é baseado em um musical, enquanto 9 - A Salvação saiu de uma ideia original criada por seu diretor há alguns anos. Mas não deixa de ser curioso. Dê uma olhada nas fichas dos filmes abaixo.

9 - A SALVAÇÃO
De Shane Acker

9 - A Salvação é uma animação produzida por Tim Burton (Sweeney Todd, Alice no País das Maravilhas) e Timur Bekmambetov (O Procurado), que se passa em um futuro pós-apocalíptico com bonecos estranhos e pequeninos tentando salvar o que restou do planeta numa batalha contra máquinas gigantescas e poderosas. Os bonecos heróicos atendem por números: 1 (Christopher Plummer), 2 (Martin Landau), 5 (John C. Reilly), 6 (Crispin Glover), 7 (Jennifer Connelly) e 9 (Elijah Wood), este último dá nome ao filme dirigido por Shane Acker, mestre em efeitos visuais de sucessos como O Senhor dos Anéis - O Retorno do Rei. Acker também é o autor da história. Em cartaz nos EUA, 9 - A Salvação chega ao Brasil no dia, hmm, 9 de outubro.

Veja o trailer:

DISTRITO 9
De Neill Blomkamp

Em cartaz nos EUA, a ficção científica Distrito 9 coleciona ótimas críticas. Com produção de Peter Jackson (O Senhor dos Anéis, King Kong, Um Olhar do Paraíso) e direção de Neill Blomkamp, Distrito 9 narra os eventos posteriores à chegada de uma raça alienígena ao nosso planeta. A sacada dos roteiristas Terri Tatchell e Neill Blomkamp está no foco ao velho preconceito contra as minorias. Os pobres aliens são confinados numa periferia como resultado do medo e o ódio estampado na cara dos humanos. Mas graças à intolerância dos homens, os ETs precisam reagir para se defender e sair daqui. O filme estreia no Brasil no dia 30 de outubro.

Veja um dos trailers de Distrito 9:

NINE
De Rob Marshall

Mas o filme com o algarismo nove no título que tem uma chance maior de ser lembrado na temporada de prêmios é certamente Nine, de Rob Marshall (Chicago). É a versão cinematográfica da peça inspirada no fantástico clássico Oito e Meio, de Federico Fellini. Aqui, Guido, personagem de Marcello Mastroianni no original, encarna em Daniel Day-Lewis. Durante uma crise daquelas, ele relembra as mulheres que passaram por sua vida. E o time não está para brincadeira: Nicole Kidman, Penélope Cruz, Marion Cotillard, Kate Hudson, Fergie, Sophia Loren e Judi Dench. Nine estreia no dia 25 de novembro nos EUA. No Brasil, só em 15 de janeiro de 2010.

Veja o trailer de Nine:

Contagem Regressiva Para o Emmy

2009-09-11T11:21:00.014-03:00

Faltando 9 dias para o Emmy Awards, o HOLLYWOODIANO
comenta as indicadas ao prêmio de Melhor Atriz em Comédia

Tina Fey (30 Rock)

Ela é a mente genial por trás do sucesso da melhor (e mais inteligente) série de comédia desde Seinfeld. À frente das câmeras, a sapeca Tina Fey é Liz Lemon, roteirista de um programa de TV, que tenta não enlouquecer na companhia de uma equipe mais doida do que ela.

Como se não bastasse, Liz precisa agradar e acalmar diariamente seu chefe arrogante (Alec Baldwin), além de sua amiga neurótica e atriz decadente (Jane Krakowski) e, claro, o temperamental astro do programa (Tracy Morgan). Com tiradas geniais criadas pela própria, Tina Fey provou que é uma atriz completa, que sabe emocionar e, principalmente, fazer o público rir com um humor atual e sofisticado (mesmo quando o nonsense e o mau gosto ameaçam bater à porta). Sem falar que Tina consegue exalar um charme bem particular.

Ela foi a vencedora no ano passado e é a favorita do Hollywoodiano nesta categoria. Mas, desta vez, vai brigar cabeça a cabeça com Toni Collette, como veremos abaixo.

Julia Louis-Dreyfus (The New Adventures of Old Christine)

Julia é uma comediante extraordinária. Se há apenas um motivo para assistirmos a The New Adventures of Old Christine certamente é a presença da atriz. A série não está à altura de seu talento aclamado de longa data graças às nove temporadas de Seinfeld, mas Julia vale a caríssima mensalidade da TV por assinatura.

Ela até já ganhou uma estatueta pela primeira temporada da série, em 2006, mas corre por fora neste ano.

Christina Applegate (Samantha Who?)

Christina já mostrava ser uma ótima comediante como a loira burra Kelly, a filha mais velha dos Bundy na saudosa e fantástica série Married With Children. Mas alguém colocou na cabeça da moça que ela deveria fazer cinema. Bom, não custa tentar, afinal depois de Married With Children bem que já estava na hora de Christina brilhar como protagonista.

Mas na tela grande, ela ficava de escanteio para apoiar protagonistas menos talentosas e (talvez) mais bonitas. Ou simplesmente preenchia espaço como um esquecível interesse romântico do mocinho do filme. Em 2007, no entanto, ela teve mais uma chance na TV. Desta vez, como protagonista. E não é que deu certo?

Em Samantha Who?, ela é uma garota que sofre de amnésia e precisa reconstituir sua vida. A série é boa e divertida, mas Christina é muito melhor. Indicada na mesma categoria no ano passado, será que chegou sua vez de pôr as mãos num Emmy?

Sarah Silverman (The Sarah Silverman Program)

De todas as indicadas neste ano, Sarah Silverman surge como a grande surpresa. Esperávamos pela presença de America Ferrera (Ugly Betty), vencedora em 2007 e indicada em 2008, na categoria. Mas talvez a Academia esteja tentando pequenas mudanças, já que em quase todos os anos reinam os mesmos nomes.

A verdade é que Sarah sempre passou longe da unânimidade. Particularmente, acho que a melhor coisa que ela fez na carreira foi um videoclipe famoso com Matt Damon (veja aqui). Porém, nesta edição do Emmy, caso Sarah Silverman ganhe a estatueta, meia dúzia de apostadores ficarão bilionários.

Toni Collette (United States of Tara)

Ela foi mãe do menininho que via gente morta. Também já foi mãe da Pequena Miss Sunshine. Essa mulher sofre! E estava mais do que na hora de Toni Collette comandar uma família normal, certo? ERRADO! Em United States of Tara, série criada por Diablo Cody (Juno) e produzida por Steven Spielberg, a atriz come o pão que o Diabo amassou ao lidar com suas múltiplas personalidades, enquanto tenta deixar sua louca família unida.

É... Você não está enganado. Isso é uma comédia. E das boas. Como sempre, Toni está sensacional. De fato, ela merece o Emmy, que representaria o primeiro prêmio importante de sua carreira. Mas não será nada fácil tirá-lo de Tina Fey.

Mary-Louise Parker (Weeds)

Olha ela aqui de novo. Não dá pra falar sobre a categoria sem citar o desempenho de Mary-Louise Parker em Weeds. Vencedora do Emmy de Melhor Atriz Coadjuvante em Minissérie ou Filme Feito para TV, por seu trabalho fenomenal em Angels in America (2004), Mary-Louise ainda não levou a estatueta por Weeds.

Constantemente ignorada pelos estúdios de cinema - mesmo após o sucesso de Tomates Verdes Fritos -, ela é uma atriz completa na TV. Em Weeds, como a mamãe gostosa que controla a maior boca de fumo da vizinhança, ela dá um show ao equilibrar perfeitamente drama e comédia.

E quem diria que Mary-Louise Parker, aos 45 anos, seria uma das atrizes mais sexy da atualidade? Bom, mais vale uma mulher com estilo e atitude do que duas Megan Fox voando.

A 61ª edição do Emmy Awards, o prêmio máximo da TV americana, acontece no dia 20 de setembro, em Los Angeles.

Up

2009-09-09T12:14:00.015-03:00

No fim de Hook - A Volta do Capitão Gancho, de Steven Spielberg, o Peter Pan adulto interpretado por Robin Williams diz à sua família que viver foi a maior de todas as aventuras. Ok, eu sempre tive dificuldade para acreditar em suas palavras, afinal isso veio do sujeito que passou por poucas e boas na Terra do Nunca azucrinando os pobres piratas. Como é que uma vidinha normal e sem surpresas pode ser mais divertida e encantadora do que uma aventura ao lado de um herói que só pode existir em livros e filmes? Curiosamente, essa é a essência de Up - Altas Aventuras (Up, 2009), mais uma obra-prima da Pixar.

Quem procura por mensagens nos filmes, Up propõe uma lição de vida às avessas. Enquanto Hollywood costuma pregar que nunca é tarde para ser feliz, Up joga na cara de quem jamais está satisfeito com nada, que a maior aventura é estar vivo e, mais do que isso, compartilhar essa experiência com quem você ama.

Quem procura por qualidade técnica, Up é de uma protuberância visual de sacudir as pupilas. Mas isso não é novidade. Se a Dreamworks, que sempre bate na mesma tecla com suas animações sobre malandros, atingiu a perfeição em matéria de visual, inclusive na utilização do 3-D, o que dizer, então, da Pixar? O que você não sabia é que o estúdio faria de Up um raro e lindo quadro repleto de cores numa proporção só vista antes em animações de Hayao Miyazaki, o diretor japonês responsável por A Viagem de Chihiro, O Castelo Animado e Ponyo. Aliás, a fantasia proposta por Up só pode ter sido inspirada por uma mente do lado oriental do planeta. Não parece algo criado por americanos.

Enfim, Up também agrada a quem procura por um filme capaz de alternar gargalhadas e lágrimas na mesma proporção - às vezes até ao mesmo tempo -, além de muita ação que surpreende pelas situações e não pela trucagem de luz, som e montagem que viciou a Hollywood atual.

Mas eu prefiro falar do que está embutido - ou por vezes evidente - no roteiro de Up, que resgata ensinamentos do bom e velho cinema para surpreender na ousada construção da emoção dentro de uma estrutura narrativa convencional. É um filme dito comercial que consegue arrancar lágrimas antes mesmo de entrar na ação, que costuma facilitar a entrada do público na história, consequentemente gerando emoção. Grande Pixar, homenageando e reinventando o cinema ao mesmo tempo.

A brilhante primeira parte do filme aposta numa narrativa pé no chão, que resume uma fase da vida do protagonista só com imagens, música e som - uma aula de cinema da Pixar, que remete aos primórdios da sétima arte, como o próprio estúdio já experimentou em WALL-E. É uma passagem de tempo comovente e sincera, de fácil identificação com o público. O mais espantoso é que tem cara de clímax, fazendo o público chorar logo com 15 ou 20 minutos de filme. É uma prévia para o velho vendedor de balões Carl Fredricksen (voz de Edward Asner no original e Chico Anysio, que faz um belo trabalho, na versão brasileira), o herói de Up, que entenderá nos minutos seguintes que o tempo perdido pode ser reencontrado.

Antes de continuar, veja só que audácia: um idoso é o protagonista. E ele nem é Clint Eastwood ou Woody Allen. Quem em sã consciência na Hollywood atual apostaria numa aventura conduzida por um velhinho ranzinza? Aliás, Carl não é chato porque é velho. Há um contexto que explica seu sorriso virado pra baixo. E quem vê essa belíssima montagem sem diálogos, não enxerga nenhuma situação aparentemente extraordinária na vida de Carl. Apenas rotina. É a realidade do homem comum.

Mas quando o destino de Carl parece ser mesmo o asilo, eis que sua casa começa a voar em direção às selvas da América do Sul com a ajuda de centenas de milhares de balões de gás - não antes de se espremer por prédios gigantescos e enfrentar ferozes tempestades. A cena em que as bexigas surgem no alto da casa para levá-la ao céu é simbólica, significativa, sugerindo um festival de cores representando vida nova. É a lagarta virando borboleta. Neste momento, Up abandona a realidade para dar lugar à fantasia. Ao lado do menino Russell (voz de Jordan Nagai), Carl viverá uma aventura que qualquer um gostaria de experimentar antes de morrer. Duas visões da mesma pessoa em épocas diferentes, Carl e Russell formam uma das duplas mais inusitadas do cinema.

E é neste segmento fantástico que Carl compreende o sentido da vida. São as coisas simples que marcam a nossa passagem pela Terra. É a felicidade compartilhada, como Sean Penn mostrou em Na Natureza Selvagem, ou Steven Spielberg em Hook. É guardar uma lembrança como ver os carros passando pela rua na companhia do pai. Ou curtir cada segundo do dia a dia ao lado da esposa. Ou ver como um cachorro te ama mesmo após levar uma bronca daquelas. Não há nada mais extraordinário do que viver. Carl precisou atravessar o continente numa casa voadora para entender isso. "Pare de reclamar e aproveite" é uma contradição ao esquemão hollywoodiano "nunca é tarde demais para ser feliz".

Abrir o texto com Hook não foi mera coincidência. É um filme de Steven Spielberg, que ainda faz muito marmanjo chorar, mas que sofre críticas "espertas" do naipe "O diretor de E.T. e Indiana Jones já fez melhor". Up vem ganhando polegares em riste mais do que cones da vergonha, só que geralmente acompanhados de rótulos como "Ah, mas WALL-E é superior." Lógico que tenho meu ranking da Pixar, mas não é assim que se ensina o beabá do cinema de qualidade.

No fim, Up deixa o espectador sem fôlego, maravilhado com o que acabou de ver. Quem já foi criança um dia, entende. É impossível parar pra pensar se é este o maior feito da Pixar até o momento. Nem ao menos dá para lembrar de WALL-E, a produção anterior do estúdio. E seria injusto, até porque a Pixar luta desde 1995, quando lançou Toy Story, para provar que animação não é um gênero, mas sim uma linguagem. Sem falar que WALL-E é ficção científica e só esse detalhe impede uma comparação a Up. O que deve ficar é o encanto, a confiança e o padrão de qualidade estabelecidos pela Pixar junto ao público. Isso é o que importa.

Hoje em dia, quantas vezes você vai ao cinema e vê um filme totalmente diferente da montagem feita para o trailer de divulgação? Quantas vezes você sai do cinema tão satisfeito quanto a experiência anterior oferecida por um mesmo diretor ou produtor? Quando é que o cinema americano surpreende e... ESQUILO! Bom, você entendeu.

Up - Altas Aventuras (Up, 2009)
Direção: Pete Docter e Bob Peterson
Roteiro: Pete Docter, Bob Peterson e Thomas McCarthy
Com as vozes de Edward Asner, Christopher Plummer, Jordan Nagai, Bob Peterson, Delroy Lindo e John Ratzenberger

Veja o trailer do novo filme do diretor de Juno

2009-09-04T18:05:00.018-03:00

Up in the Air, o novo filhote do diretor Jason Reitman, de Obrigado Por Fumar e Juno, caiu na rede. No filme adaptado do livro de Walter Kirn, George Clooney tem um emprego ingrato e incomum: despedir pessoas. Para fazer o "trabalho sujo" das empresas, ele passa a vida voando por diversas cidades americanas, longe da família e conhecendo pessoas que vêm e vão.

O filme ainda conta com Vera Farmiga, Anna Kendrick, Jason Bateman, Zach Galifianakis, Danny McBride e Chris Lowell no elenco. Além de dirigir, Jason Reitman assina o roteiro. Veja o trailer abaixo.

Bacana, não? Mas Up in the Air só chega ao Brasil no dia 05 de fevereiro. Nos EUA estreia em dezembro, bem na inauguração da temporada de prêmios.

Loucos pela Pixar, Uni-vos!

2009-09-03T11:20:00.012-03:00

O papel da Pixar Animation Studios no desenvolvimento da cultura e da educação do aspirante à cinéfilo

Todo mundo erra: o pai, a mãe, o irmão, a irmã, o namorado, a namorada, os avós, o cachorro, o Rubinho Barrichello, os amigos, o entregador de pizza, o time de futebol, os tios, o vizinho, os primos, o Sarney, o árbitro, o bandeirinha, o chefe, o assistente, o garçom, as contas (luz, água, telefone, gás), o Christian Bale e tantos outros. Até Steven Spielberg, Woody Allen, Garrincha, Zico, Pelé, Maradona, Zidane e John Lennon já erraram. TODOS! Menos a Pixar.

Com a equipe do John Lasseter, cabeça da Pixar Animation Studios, eu abuso do direito de ser parcial e irracional. Até porque Toy Story (1995), Vida de Inseto (1998), Toy Story 2 (1999), Monstros S.A. (2001), Procurando Nemo (2003), Os Incríveis (2004), Carros (2006), Ratatouille (2007) e WALL-E (2008) me deixaram com a plena consciência de ser tendencioso. Meu filho aprenderia muito mais com esses filmes do que indo à escola.

Ora, ele aprenderia a amar o cinema, afinal cada filme da Pixar evolui em técnica, mas remete aos grandes clássicos da sétima arte em referências e, principalmente, influências narrativas. É uma aula de como se deve assimilar história, arte, cultura. A Pixar quer fazer o público atual entender ou lembrar o que realmente significa o cinema. Veja pelo paradoxo de WALL-E, que joga sua história e seus truques visuais e sonoros no futuro, mas que carrega uma alma Chapliniana num robozinho. Meu filho também aprenderia a ser humilde, já que não importa se o filme anterior do estúdio foi um grande sucesso de público e crítica. O próximo passo da Pixar consiste na superação daquilo que já foi feito pelas mãos e mentes de seus artistas.

Ok, você vai lembrar que Toy Story 3 está a caminho, mas não acuse a Pixar de pensar somente na grana. Bombardeados por Michael Bays e Roland Emmerichs que só sabem repetir seus papos chatos e barulhentos, nós ficamos mesmo acostumados a cornetar cada projeto novo. A culpa não é nossa. É de Hollywood. A jovem mídia atual viciada na ditadura do pop também tem culpa no cartório. Esse pessoal não aguenta ver uma produção voltada para o público chegando com um selo estampado de uma marca como a Disney gritando aos quatro cantos do mundo uma historinha completamente nova. Nada que tenha vindo de livros, quadrinhos, séries ou desenhos da TV merece a confiança desses mal intencionados disseminadores da palavra.

São os mesmo seres que julgam um filme por um trailer ou que chamam uma ficção científica com um baita potencial de "mistura de Thundercats com Dança Com Lobos". Essa gente desdenha daquele trailer que traz um ratinho falante cozinhando em Paris e avacalha um robozinho que tem cara de Johnny Five, antes mesmo de sua chegada aos cinemas. Ou dizem que a aventura de um velhinho de bengala numa casa que voa com a ajuda de balões é uma senhora bobagem. São falsos intelectuais que preferem julgar um filme por seu material original (como um livro ou uma HQ) e não de acordo com seus reais conhecimentos em cinema.

São opiniões do tipo "não comi e não gostei porque eu queria ir em outro restaurante", que fazem o lixo continuar girando e se espalhando por Hollywood, que ouve (e sabe) o que seu público quer. Você vai acreditar nessas pessoas? Ou vai aproveitar obras de artistas que pensam em ideias e histórias inéditas? Claro, eles podem não acertar sempre, afinal são humanos. Mas se tem alguém fazendo algo de bom pelo cinema, certamente não é aquele cara procurando no fundo do armário por qualquer gibi mofado capaz de inspirar um filme, que provavelmente cairá nas mãos de um diretor Zé Ninguém, só para que a produção veja a luz do dia e fature alto nas bilheterias.

Gosto não se discute, mas desconfie daqueles que tentam induzi-lo ao coma cultural. Experimente antes de dizer que não gostou da comida. Nos dias de hoje, precisamos valorizar quem estimula a qualidade (e não quantidade) na cultura.

Com a Pixar, você pode até preferir Procurando Nemo a Toy Story. Ratatouille a WALL-E. Tanto faz. É pessoal. Agora, admita: quando foi que a Pixar fez um filme ruim? Suas produções podem trocar de diretores, mas o padrão permanece e ainda conseguem quebrar barreiras rumo ao futuro da sétima arte, embora jamais esqueçam dos principais (e básicos) elementos que sempre levaram o grande público aos cinemas desde E o Vento Levou. Hoje, ainda vemos filmes por causa dos artistas. Ainda saímos do aconchego de nossas casas para ver Steven Spielberg, Martin Scorsese, Woody Allen, Quentin Tarantino, Brian De Palma e... a Pixar.

Os criadores de Toy Story & Cia. são fãs de Mickey Mouse e Branca de Neve, mas andam formando jovens seguidores da criação dos irmãos Lumiére, que por causa desses títulos, resolvem pesquisar, conhecer os filmes que incentivaram a Pixar a chegar até aqui.

Transformers 2 e G.I.Joe são para aqueles que usam o cinema para brincar. WALL-E e Ratatouille são para os filhos daqueles que aprenderam a amar os filmes graças aos maiores diretores que já pisaram neste planeta. Então, loucos pela Pixar, uni-vos! Chegou a hora de passar adiante o que realmente vale a pena ser ensinado.

"Sem a cultura e a liberdade relativa que ela pressupõe, a sociedade, por mais perfeita que seja, não passa de uma selva. É por isso que toda a criação autêntica é um dom para o futuro." (Albert Camus)

Que Up não me desaponte depois dessa...

Amantes

2009-09-02T14:09:00.014-03:00

O amor evolui em fases, mas nenhuma delas é fácil. Quando somos pequenos (no masculino, porque sou menino), escolhemos a garota mais bonita da escola para namorar. Seguramos sua mão ou simplesmente aparecemos ao lado dela e isso já significa namoro. Mais tarde, começamos a chorar pelos amores impossíveis quando ainda temos espinhas e nenhum centavo no bolso. Pouco tempo depois, temos a certeza de que encontramos a nossa alma gêmea. Mas quando passamos dos 30, no entanto, entramos na fase do "E agora?" Se já é difícil descobrir o que fazer para manter um bom relacionamento com quem você ama, imagine, então, quando sua cara metade resolve deixá-lo na mão e partir para outra. São exatamente esses demônios que não saem do pobre Leonard (Joaquin Phoenix), o desiludido protagonista de Amantes (Two Lovers, 2009).

Leonard é aquele tipo de ser humano que ama como se não houvesse amanhã. Ele acredita no romantismo, que surge em filmes e livros como um estado de espírito ou característica de uma personalidade cheia de atitudes nas horas certas para com a pessoa amada. Mas o maior problema de Leonard está no Criador: para o diretor James Gray, o significado que demos ao romantismo ao longo dos tempos é uma mentira. Ele não passa de uma doença com sintomas que geram a confusão, a depressão e a alienação. James Gray não acredita no sucesso do amor. Ainda mais na época de uma geração que não sabe o que quer e nem onde (e como) procurar; uma geração bombardeada por informações vindas de qualquer pessoa online sobre diversos temas e situações.

Entre essas porradas que a vida dá em todos nós, o caminho mais fácil é desistir de tudo. Só que assim não se aprende nada com o sofrimento. No caso de Leonard, ele pode apanhar, mas sempre corre para os braços de seus pais - ou de qualquer pessoa que lhe dê apoio incondicional. Ele não desiste completamente, claro, de ser feliz, mas se apega à sensações de conforto. Enfim, quase todo mundo leva a vida inteira assim.

Segurando essa ideia, talvez o filme termine como começa. Cabe a quem olha de fora a situação, julgar se Leonard está certo ou errado. Só que o diretor James Gray faz questão de colocar o espectador ao lado de seu protagonista. Aí, como ele, fica difícil de chegar a uma conclusão. Mas é esse mergulho no melodrama de Leonard que faz o público acreditar no filme.

Leonard é interpretado por Joaquin Phoenix, um dos meus atores favoritos. Como todo mundo sabe, ele decidiu largar o cinema depois deste filme. Sua atuação é brilhante. Talvez a melhor de toda a sua (curta) carreira. Quando Amantes termina, por mais que o filme seja ótimo, o que fica é a imagem de Joaquin Phoenix. O jeitão de Leonard vagando de forma errante por sua "noite branca" atrás de sua Nástienka cairia muito bem em um ator como Marlon Brando nos anos de Sindicato de Ladrões e Uma Rua Chamada Pecado. E isso é um elogio para Joaquin Phoenix, que poderia reconsiderar sua decisão para o bem da sétima arte. Dizem as más línguas que o sujeito pirou de vez. Se é assim, melhor ele não voltar. Ainda mais para quem viu Amantes, a pergunta bate na cabeça: Será que Joaquin Phoenix estava realmente atuando neste filme? Cara, a dor é na alma.

O que Leonard deve fazer? Ficar entre a segurança e a compreensão da "sem sal" Sandra (Vinessa Shaw), filha de amigos da família, ou jogar todas as fichas no acaso e chutar o pau da barraca com a imprevisível e loiraça vizinha Michelle (Gwyneth "Just my imagination" Paltrow)? Todo mundo já passou por uma situação dessas. Não necessariamente no amor. Mas James Gray sabe como capturar o público. Ainda mais com seu apreço por valores básicos como honra, amizade, amor e a importância da família.

Descendente de russos, o subestimado James Gray filma na época errada. Hollywood e o público seriam mais justos com ele se seu nome tivesse surgido nos anos 70 ao lado de monstros como Martin Scorsese. Gosta de falar de crime e família numa Nova York cinzenta durante o dia e dominada por luzes e fumaça à noite. Foi assim em Caminho Sem Volta e Os Donos da Noite - ambos com Joaquin Phoenix. Em Amantes, Gray substitui a criminalidade pelo amor. Mas a intensidade é a mesma. E a família continua sendo o único alicerce que nos mantêm de pé. Na visão de Gray, os pais podem imaginar o futuro ideal para seus filhos, mas, no fim, aceitarão o que eles escolherem. É só prestar atenção na cena do diálogo na escada entre Leonard e sua mãe, interpretada por Isabella Rossellini, que está fabulosa.

Amantes é o filme definitivo da década para uma geração que vive procurando nas telas do cinema por situações que possam representar suas desilusões e responder algumas perguntas lançadas pelo coração. Muitos, por exemplo, abraçam Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças, de Michel Gondry, e Encontros e Desencontros, de Sofia Coppola. Só que James Gray recorre ao cinema clássico para contar não uma história de amor, mas um filme sobre o amor nos dias de hoje. Longe do moderno, sóbrio e fazendo bom uso de tomadas lentas e o som do vento para indicar as portas abertas para o protagonista, Gray mostra que o amor faz sangrar o coração, enquanto o romantismo corrói a alma.

Amantes (Two Lovers, 2009)
Direção: James Gray
Roteiro: James Gray e Ric Menello
Elenco: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Isabella Rossellini, Moni Moshonov, Elias Koteas e Bob Ari

Fechamento de Agosto

2009-08-31T22:40:00.016-03:00

Pau pra Toda Obra
Peter Jackson e Steven Spielberg estão em todas

Futuro Perfeito
Ridley Scott e Leonardo DiCaprio preparam a adaptação de "Admirável Mundo Novo"

Novas Diretrizes em Tempos de Gripe Suína
O que fazer para a gripe não te pegar quando ir ao cinema não é um passatempo, mas um vício?

Mamãe, Por que Meu Brinquedo Ainda Não Virou Filme?
"G.I.Joe", "Transformers"... Tudo é possível em Hollywood

G.I.Joe - A Origem de Cobra
Não é brinquedo não. É bomba!

A Bela e Criativa Campanha de Surrogates
Se o filme estrelado por Bruce Willis tiver a mesma força de seus pôsteres, prepare-se para uma ótima ficção científica

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Lista contempla as maiores produções do gênero no mês da estreia de "Arraste-me Para o Inferno"

Arraste-me Para o Inferno
Neste filmaço do gênero, o diretor Sam Raimi vê medo na luz e humor na escuridão

Brüno
Sacha Baron Cohen não supera originalidade de "Borat", mas ainda faz rir (e muito)

Se Beber, Não Case
A melhor comédia do ano

John Hughes, O Rei das Comédias dos Anos 80
Homenagem ao diretor de "Curtindo a Vida Adoidado" e "Clube dos Cinco"

Até grandes filmes chegam antes em DVD
"The Hurt Locker" (ou "Guerra ao Terror"), um dos filmes mais elogiados do ano, ganha cartão vermelho nos cinemas brasileiros e vai mais cedo para as prateleiras das locadoras

Guerra ao Terror
Faz "Caçadores de Emoção" parecer um filme infantilóide de Robert Rodriguez

Trailers: Avatar, Legion, Inception e The Men Who Stare at Goats

Edição anterior

Julho

John Hughes, o Rei das Comédias dos Anos 80

2009-08-31T15:16:00.022-03:00

Homenagem do HOLLYWOODIANO, e outros blogs legais de cinema,
ao diretor falecido no início de agosto

Os anos 80 podem ter sido o maior barato, mas não foram fáceis. Se você viveu intensamente aquela época de roupas coloridas, penteados esquisitos e maquiagens cafonas, certamente viu (e compreendeu) os filmes do diretor, produtor, roteirista - e algumas vezes ator e compositor - John Hughes. Falecido no último dia 06 de agosto, o cineasta tentou traduzir as mudanças da década de 80 para pais e filhos, afetados por um período agressivo de transição política e cultural.

Foi a época em que o capitalismo dominou os países em desenvolvimento, inaugurando a cultura voltada para o consumo. Por isso mesmo, a geração revolucionária das décadas passadas enfrentou uma dificuldade danada em educar os próprios filhos, alvos da revanche do governo contra os arquitetos dos protestos dos 60 e 70. A vingança é um prato que se come frio e pais com seus idealismos viram seus filhos crescerem alienados e confusos com a chegada dos videogames e os computadores. Houve muita informação para uma geração ainda na idade da pedra do raciocínio tecnológico.

Passar adiante foi uma dificuldade para os jovens da época. Os pais, que entendiam tudo isso muito menos que seus filhos, só sabiam cobrar responsabilidade e comportamento com seus métodos já ultrapassados. No meio de toda essa loucura, o jovem só queria ver o tempo passar, ouvir sua música, namorar, curtir a vida adoidado e se desgrudar da realidade.

Mas filmes como Gatinhas e Gatões (1984), Clube dos Cinco (1985) e Curtindo a Vida Adoidado (1986) tentaram explicar ao jovem o que estava acontecendo. O autor/diretor John Hughes pensou em fazer filmes SOBRE adolescentes e não PARA adolescentes. O cineasta mostrou que entendia o jovem e como deveria ser o seu papel no mundo ao analisar seu comportamento em temas como amor, sexo, educação, trabalho, família e a busca pela felicidade (de preferência, antes que a vida adulta chegue).

E como é impossível entender o jovem sem olhar para a família, Hughes fez filmes como Antes Só do que Mal Acompanhado (1987) e Quem Vê Cara Não Vê Coração (1989). Para o cineasta, a família pode ser formada por parentes, claro. Mas, sobretudo, por amigos. E não há nada como um amigo de verdade para dar a você uma sensação incondicional de conforto e compreensão.

Entre o drama e a comédia, Hughes desvendou a América dos anos 80. Tentou unir pais, filhos e amigos. Quem não pegou isso na época, ainda tem tempo para rever a filmografia do cineasta, que fez muita gente que eu conheço gostar de cinema. E sou um deles.

Abaixo, veja alguns testemunhos de fãs do rei das comédias da década de 80. São visões particulares e emocionantes de amigos deste blog, que reafirmam: sem dúvida nenhuma, seja como diretor, produtor ou roteirista, John Hughes foi um dos mestres que definiu uma geração.

Otavio Almeida / Hollywoodiano

ANTES SÓ DO QUE MAL ACOMPANHADO
(Direção, produção e roteiro de John Hughes)

Pedro Henrique / Tudo é Crítica

As idiossincrasias dos ianques transformadas em divertido filme de comédia. Não há antagonismos, tampouco herói ou vilão. John Hughes fez um filme que explora a solidão humana, mas o faz com muito bom humor e propriedade, afinal ele era o filósofo da puberdade. Antes Só do que Mal Acompanhado é aquele tipo de filme que nos faz lembrar do porque vamos ao cinema.

CLUBE DOS CINCO
(Direção, produção e roteiro de John Hughes)

Denis Torres / Cinemaníaco

Em Clube dos Cinco, os jovens são vistos como eles são: problemáticos e conflituosos. Há pouca ou quase nenhuma idealização do chamado "típico jovem americano". O que contribuiu imensamente para o sucesso deste filme foi a química perfeita entre os cinco atores principais. Porém, nenhum deles teve uma carreira promissora, exceto por Emilio Estevez. Clube dos Cinco foi feito com sinceridade, abertura e sem o selo de politicamente correto. Hoje, até se fazem filmes mais abusados, mas não há uma preocupação com o lado psicológico dos jovens. A música do Simple Minds, Don´t You Forget About Me, fecha com chave de ouro todo o clima mágico e nostálgico que o filme proporciona.

CURTINDO A VIDA ADOIDADO
(Direção, produção e roteiro de John Hughes)

Cassiano Sairaf / Museu do Cinema

A vida passa muito depressa. Não devemos nos levar tão a sério. Existem dois tipos de pessoas nesta vida: aqueles que fazem acontecer e aqueles que perseguem os que fazem acontecer. Qual você quer ser? Nunca se vai longe demais. Nenhum problema é tão grande quanto nossa capacidade de se divertir. Se não pararmos de vez em quando para curti-la, a vida escapa de nossas mãos.

ESQUECERAM DE MIM
(Produção e roteiro de John Hughes)

Vinícius Pereira / Blog do Vinicius

Muitos podem se perguntar como um filme tão ingênuo como Esqueceram de Mim faz tanto sucesso até hoje, mas a resposta não é tão difícil de ser encontrada: são poucas as produções que conseguem manter a magia mesmo após inúmeras revisões. Hughes, que produziu e roteirizou o longa, fez desse filme um dos clássicos da época do Natal numa trama que mostra como um garoto consegue se defender sozinho de dois ladrões quando é acidentalmente deixado sozinho em casa durante o feriado. Uma história simples, mas que Hughes desenvolveu com a paixão de um realizador que sabia como atingir de forma perfeita todos os públicos possíveis.

FÉRIAS FRUSTRADAS
(Roteiro de John Hughes)

Kamila Azevedo / Cinéfila Por Natureza

Dos muitos filmes realizados por John Hughes que tinham a cara da Sessão da Tarde, poucos são uma diversão bobinha tão de qualidade quanto os longas da série Férias Frustradas. Apesar da falta de variabilidade do roteiro, que seguia sempre a família do personagem interpretado por Chevy Chase em busca de férias tão meticulosamente planejadas, mas que sempre acabavam... frustradas, o filme possui um carisma próprio e um charme todo peculiar. O segredo para o sucesso com o público: a capacidade de Hughes de criar situações com as quais podemos nos identificar. E é impossível não ficar torcendo, no final, para que tudo dê certo.

MULHER NOTA 1000
(Direção e roteiro de John Hughes)

Fabio Rockenbach / Cinefilia

John Hughes, alma de menino preso em corpo de adulto, tinha a peculiar capacidade de falar direto ao seu público sem ceder a histrionismos visuais que tanto marcaram a comédia dos anos 80. A trama de Mulher Nota 1000 é tão esdrúxula que se torna um banquete para os sentidos, desligados da sempre rígida realidade. Nerds usando sutiã na cabeça e espinhas na cara tendo, de repente, um mulherão perfeito, criado à base de uma seleção rigorosa nas revistas de mulher pelada escondidas embaixo da cama ou dentro da gaveta? É o tipo de comédia que só cabe em uma época específica, aquela em que Hughes falou direto aos anseios, hábitos e desejos dos adolescentes. Foi o paizão deles. Estamos órfãos.

Assista ao trailer de The Men Who Stare at Goats

2009-08-28T11:28:00.008-03:00

George Clooney e Ewan McGregor estrelam este filme promissor

Está na rede o trailer de The Men Who Stare at Goats, adaptação do livro do jornalista britânico Jon Ronson sobre uma divisão do exército americano chamada First Earth Battalion, que, em 1979, teria recrutado pessoas com poderes especiais. É mais ou menos como a famosa escola do Professor Xavier. Só que o filme e o livro alegam que tudo isso aconteceu de "verdade".

Em The Men Who Stare at Goats, Lyn Cassady (George Clooney), um desses X-Men (ou guerreiro jedi, como ele diz no trailer), conta a sua fantástica história ao repórter Bob Wilton (Ewan McGregor). A direção é de Grant Heslov, roteirista e produtor de Boa Noite e Boa Sorte. Com estreia marcada para 6 de novembro nos EUA, o filme ainda tem Kevin Spacey, Jeff Bridges e J.K. Simmons no elenco. Veja o trailer abaixo.

Novos pôsteres de 2012

2009-08-27T19:14:00.009-03:00

O diretor Roland Emmerich pode ser um picareta,
mas sabe como chamar a nossa atenção

Será que Roland Emmerich (Independence Day, Godzilla,
O Dia Depois de Amanhã) esgotará o assunto "catástrofes" após 2012?

Você sabia que 2012 tem atores como John Cusack no elenco?
Ora, o que estou dizendo? Quem se importa?

Cristo... Pelo menos, Roland Emmerich vai acabar
com o crime organizado e a diretoria do Flamengo.

Com John Cusack, Woody Harrelson, Amanda Peet, Chiwetel Ejiofor, Danny Glover, Thandie Newton, Oliver Platt e Thomas McCarthy, 2012 estreia no dia 13 de novembro nos cinemas. Sim, de 2009.

The Hurt Locker

2009-08-26T11:38:00.012-03:00

Sob qualquer ponto de vista, The Hurt Locker (2009) é o melhor filme já feito sobre a Guerra do Iraque. Mas isso chega a ser redundante, afinal não existem tantas produções assim sobre um conflito tão recente, que os próprios americanos ainda estão digerindo. A diretora Kathryn Bigelow, então, concentrou-se nas pessoas que convivem com o horror da guerra diariamente e não no horror propriamente dito.

Não que o filme seja visualmente contido, afinal The Hurt Locker é um esforço e tanto de uma surpreendente Kathryn Bigelow (Caçadores de Emoção, Estranhos Prazeres, K-19: The Widowmaker) para chamar a atenção do povão, que não vê a CNN, com um mix visceral de ação e suspense, ilustrando, na medida do possível, a dura realidade dos soldados americanos no Iraque.

Bigelow captura a essência do combate, assim como suas complicações morais e a influência disso tudo na vida de um soldado. Mas também dá um show para quem conhece a guerra pelos videogames. É um casamento perfeito entre os melhores recursos oferecidos por Hollywood e as influências do estilo documentarista. O espectador se sente no Iraque graças a uma câmera dominada pela tensão, mas que também conta com a fotografia queimada pelo sol de Barry Ackroyd e a montagem mais competente do ano, assinada por Chris Innis e Bob Murawski. É realidade, mas não deixa de ser cinema.

Porém, o terreno não é o que mais importa para a diretora. The Hurt Locker é, principalmente, um fascinante estudo de personagens, podendo ser visto como um filme sobre vícios e viciados. Bom, pelo menos UM viciado. O Sargento William James (Jeremy Renner, em atuação digna de indicação ao Oscar) está no Iraque para desarmar bombas. Ele tem o pior trabalho do mundo, mas parece amar o que faz. Está certo que alguém precisa cortar os fios e não existe ninguém melhor do que ele. Mas pelas palavras de Chris Hedges, ex-correspondente de guerra do The New York Times, que abrem o filme, o Sargento James é mesmo viciado na adrenalina do combate. Só não pense que sua personalidade é escancarada na tela por Kathryn Bigelow e Jeremy Renner. Nada é óbvio em The Hurt Locker.

Se a maioria quer seguir as regras e voltar o quanto antes para casa, James não consegue ficar longe do inferno. Do contrário, sua vida não tem sentido. Então, será que estamos falando de vício ou amor? E se ele realmente ama desarmar bombas? Pode ser que The Hurt Locker questione se há uma interligação entre amor, desejo, loucura, sofrimento e vício em algum lugar dentro do ser humano. Mas como eu disse, nada é óbvio neste filme.

Minha visão pessoal? The Hurt Locker só tem pose de diferente. O Sargento James ama a sua família, mas jamais trairá seu verdadeiro "eu". São demonstrações da razão da existência do homem na Terra. Por mais que as pessoas não compreendam seus métodos, James, assim como todos nós, está aqui para ser feliz. Sim, The Hurt Locker não deixa de ser tudo o que eu escrevi acima. Mas, particularmente, vejo o filme como uma ode original à procura pela felicidade e não exatamente sobre os traumas que a guerra causa no homem.

O ótimo roteiro de Mark Boal, repórter de guerra que também escreveu No Vale das Sombras (outra análise hollywoodiana sobre o Iraque), pode jogar com a experiência de quem esteve lá. Mas The Hurt Locker busca originalidade na abordagem de um dos temas mais adorados pelo cinemão: a felicidade a qualquer preço. Pode trair "a volta para casa" e "a importância da família", outras duas vertentes da indústria, mas não deixa de ser correto. E que mal há nisso? The Hurt Locker chega onde Hollywood quer, mas, pelo menos, pega uma outra estrada.

E existe algo mais clássico do que uma trilha sonora marcante? A composição melancólica de Marco Beltrami e Buck Sanders, que surge nos raros momentos de silêncio, fica para o espectador, como a guerra fica para o soldado. The Hurt Locker é como a droga. Dá aquela adrenalina no começo, mas logo vem o soco no estômago e a sensação de depressão. E, estranhamente, você não vê a hora de repetir a dose. Para Hollywood, não há nada melhor do que unir arte com ambições comerciais.

Obs: "The Hurt Locker" foi lançado diretamente em DVD no Brasil, pela Imagem Filmes, com o título "Guerra ao Terror".

The Hurt Locker (2009)
Direção: Kathryn Bigelow
Roteiro: Mark Boal
Elenco: Jeremy Renner, Anthony Mackin, Brian Geraghty, Christian Camargo, David Morse, Ralph Fiennes, Guy Pearce e Evangeline Lilly

O triste destino de The Hurt Locker no Brasil

2009-08-25T12:09:00.012-03:00

Um dos filmes mais elogiados do ano pela crítica americana
está nas locadoras do País desde abril. E perguntamos: Você sabia disso?

O Brasil não é uma bagunça só na política e no futebol. Olha só essa: Uma das produções mais prestigiadas pela crítica americana neste ano foi lançada aqui diretamente em DVD pela Imagem Filmes. Trata-se de The Hurt Locker, longa sobre um grupo de soldados ianques na Guerra do Iraque. Quer saber o que é pior? O filme está nas prateleiras das locadoras do País desde abril. Quer mais? The Hurt Locker tem a maior nota do ano no site Metacritic, que reúne as opiniões dos principais críticos americanos.

Há desculpas para isso? E de quem é a culpa? Para começo de conversa, vários fatores explicam o lançamento de um filme em DVD antes mesmo de sua exibição nos cinemas. Muitas vezes, os estúdios não sabem como vender seus produtos. Isso geralmente acontece quando uma produção é obviamente cult, sendo direcionada a um público específico, algo que joga no lixo qualquer ambição comercial do estúdio. Ou então, o filme tem atores desconhecidos pelo público local, como foi o caso do britânico Simon Pegg na época de Chumbo Grosso e Todo Mundo Quase Morto. Em outras situações, o filme é uma bomba mesmo e ninguém quer segurar a bucha.

Mas o buraco é mais embaixo e nem sempre a verdade chega ao público. Grande parcela de culpa deve ser atribuída a importantes exibidores do País, que simplesmente assistem a um filme e não gostam. Sério. É uma bobagem que acaba decretando o destino de uma produção no Brasil: O cinema ou as locadoras.

No caso de The Hurt Locker, alegar que o filme não tem ator famoso não cola, afinal Guy Pearce e Ralph Fiennes estão no elenco. Até a diretora é conhecida: Kathryn Bigelow, que fez Caçadores de Emoção, Estranhos Prazeres e K-19: The Widowmaker. Dizer que a Guerra do Iraque não leva o público brasileiro aos cinemas também seria inaceitável. Sem falar que o filme ainda tem ingredientes de sobra para agradar à geração do videogame. Não queremos pedir muito, mas uma pequena pesquisa e um mínimo de conhecimento de mercado denunciariam a importância de The Hurt Locker. Claro que ainda é cedo para falar em Oscar, Globo de Ouro e prêmios da crítica, mas seria engraçado - para não dizer outra coisa - ver um filme lançado diretamente em DVD indicado nas principais categorias.

Mas o que será que impediu a estreia de The Hurt Locker nos cinemas brasileiros? Bug? Falta de conhecimento a respeito do produto distribuido? Incompetência? Falta de pesquisa? Preguiça? Enfim, não há desculpas. O negócio é alugar Guerra ao Terror (sim, este é o título nacional para The Hurt Locker) ainda nesta semana. Vai que retiram o DVD das locadoras. Nesse país, tudo é possível.

Veja o teaser do novo filme de Christopher Nolan

2009-08-24T13:58:00.005-03:00

A misteriosa ficção científica "Inception" é o primeiro filme
assinado pelo diretor após o sucesso de "O Cavaleiro das Trevas"

Estranho, não? Mas, como estratégia de marketing, o teaser de Inception parece muito mais intrigante que a primeira prévia de Avatar, que dominou a rede nos últimos dias.

Com direção de Christopher Nolan (Batman Begins, O Grande Truque, Batman - O Cavaleiro das Trevas), Inception tem Leonardo DiCaprio, Marion Cotillard, Ellen Page, Cillian Murphy, Joseph Gordon-Levitt, Ken Watanabe e, claro, Michael Caine no elenco. A estreia é prevista para o dia 16 de julho de 2010 e, segundo a Warner, o filme se chamará A Origem no Brasil.

Se Beber, Não Case

2009-08-21T11:48:00.009-03:00

Minha intenção não é atacar Judd Apatow, taxado de rei da comédia atual, graças a filmes como O Virgem de 40 Anos e Ligeiramente Grávidos, mas é bom começar a prestar mais atenção no diretor Todd Phillips (Caindo na Estrada, Dias Incríveis), que assina a melhor comédia do ano: Se Beber, Não Case, título nacional esdrúxulo para o original The Hangover (A Ressaca).

A comparação não é mera coincidência, afinal os dois cineastas contam histórias divertidíssimas que tratam de situações dramáticas e cômicas ressaltando a importância da amizade no universo macho. Mas enquanto Apatow é da turma hollywoodiana que tenta mostrar (e provar) uma inteligência forçada e, por isso mesmo, exagerada em cada diálogo ou cena, Phillips parece mais "desencanado" e focado na realidade. E acredite: o nosso dia a dia está cheio de situações fantásticas e (por que não?) exageradas.

Sabendo disso, Todd Phillips parte de um roteiro bem amarrado de Jon Lucas e Scott Moore para narrar, com extrema sinceridade, a viagem de quatro amigos - Phil (Bradley Cooper), Stu (Ed Helms), Alan (Zach Galifianakis) e o noivo, Doug (Justin Bartha) - a Las Vegas para celebrar uma inesquecível despedida de solteiro. Felizmente, o humor não brota necessariamente de diálogos preparados, mas da naturalidade do quarteto, que logo vira trio.

Dois dias antes do casamento de Doug, os outros três amigos perdem o noivo de vista após uma épica noite de bebedeira na cidade do pecado. Eles acordam numa suíte do luxuoso e famoso Caesars Palace na companhia de uma galinha, um tigre e um bebê, sendo que Stu percebe que falta um dente em sua boca. A partir deste momento, o trio corre contra o tempo para reconstituir cada passo da noite anterior e, claro, encontrar Doug antes que sua noiva tenha um ataque de nervos. Com surpresas que surgem quando você menos espera, Todd Phillips, Jon Lucas e Scott Moore respondem a todas as perguntas - exceto uma, que (você verá) não tem a mínima importância - e ainda aproveitam os créditos finais para isso. Uma observação negativa direcionada para a distribuidora do filme no Brasil: os sensacionais créditos que encerram Se Beber, Não Case foram censurados. Você notará. Mas será que a ditadura (sem trocadilhos) voltou?

Enfim, além do roteiro bem conduzido pelo diretor, Se Beber, Não Case não poderia ter sido mais feliz numa inesperada escolha de elenco. Note que não temos as caras de sempre de Ben Stiller, Owen Wilson, Seth Rogen, Jim Carrey, Adam Sandler, Will Farrell e tantos outros nomes que são figurinhas fáceis nesse tipo de filme. Além de rostos novos, os atores principais de Se Beber, Não Case atuam como se fossem astros que realmente valem o meu e o seu dinheiro.

Bradley Cooper (Phil), um dos maiores galãs coadjuvantes da atualidade (Ele Não Está Tão a Fim de Você, Sim Senhor, Penetras Bons de Bico), aproveita aqui a sua grande chance para garantir um lugar ao sol de Hollywood. Ed Helms (Stu) será reconhecido pelos fãs da (ótima) série The Office. Com ou sem dente, ele dá um show como o cara mais certinho do grupo. Justin Bartha (Doug) foi visto nos dois filmes de A Lenda do Tesouro Perdido, debaixo da sombra de Nicolas Cage. Por razões óbvias, ele aparece pouco, mas não deixa de ter seus momentos. Porém, o nome mais surpreendente é o do gordinho barbudo Zach Galifianakis (Alan), que, sem dúvida, será um dos melhores atores coadjuvantes na lista de fim de ano aqui do blog. Mas com aquela barba, juro que jamais identifiquei que Zach era um dos nomes do elenco da série Tru Calling e do filme Jogo de Amor em Las Vegas, protagonizado por Ashton Kutcher e Cameron Diaz. Quem diria que ele teria um timing simplesmente perfeito para comédia? E quando você apostaria que um filme como Se Beber, Não Case terminaria o ano como um dos maiores sucessos de bilheteria da indústria?

Este é outro ponto que diferencia Se Beber, Não Case do lugar comum: a ausência total de adolescentes na linha de frente do filme. Isso quando todos nós sabemos que o público-alvo de Hollywood é teen, afinal são eles que enriquecem os estúdios. Se Beber, Não Case é uma jornada noite adentro de quatro adultos colocando para fora sonhos que jamais seriam concretizados ao lado de suas esposas ou namoradas. É filme de macho, algo que só homem entende.

Por vezes, o humor pode ser até grosseiro, mas não há espaços para preconceitos, afinal Se Beber, Não Case é conversa de homem para homem. Assim como Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Kristin Davis e Cynthia Nixon curtem a vida adoidadas de forma intensa e independente, Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis e Justin Bartha fazem de Se Beber, Não Case o Sex and the City masculino. Sem sexo, mas com ressaca. E... Mike Tyson.

Para encerrar, Todd Phillips mostra que também sabe selecionar uma boa trilha para seus filmes. Como poucos diretores, prova que a música certa na hora certa faz toda a diferença. Repare no final, durante uma animada festa, o que a bandinha faz com Candy Shop, de 50 Cent. É de rachar o bico, mas, ao mesmo tempo, revela a intenção do diretor: os brutos também amam, mas continuam brutos.

Se Beber, Não Case (The Hangover, 2009)

Direção: Todd Phillips
Roteiro: Jon Lucas e Scott Moore

Elenco: Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Justin Bartha, Heather Graham, Ken Jeong e Mike Tyson

Trailer e novas imagens de Avatar

2009-08-20T11:26:00.011-03:00

Confira novas fotos e o tão esperado trailer do novo filme de James Cameron

Mergulho no céu de Pandora

Wolverine não é o responsável por essas cicatrizes

Giovanni Ribisi e Sigourney Weaver esperam pelo trailer

Sam Worthington antes da aventura começar

Michelle Rodriguez não aguenta mais ver fotos

Agora sim. Veja o primeiro trailer de Avatar aqui no Hollywoodiano:

Brüno

2009-08-19T11:57:00.010-03:00

Quando o falso documentário Borat estreou em 2006, o mundo inteiro foi surpreendido pelo ator inglês Sacha Baron Cohen. O personagem era conhecido por meia dúzia de fãs de seu programa de TV Da Ali G Show, mas a estratégia de misturar realidade e ficção com altas doses de humor agressivo na tela do cinema, certamente, atingiu um número mais abrangente de "consumidores".

Imagine, então, ver um filme como Borat, em plena Era Bush, tendo a audácia de criticar o presidente dos EUA, seu governo, e o american way of life. Como grande parte dos americanos desaprovava ações e reações de Bush naquela época, o povo riu de seus próprios costumes e preconceitos, comprando a brincadeira com muito prazer. E assim o mundo aprovou Sacha Baron Cohen. Bom, pelo menos, a maioria.

Na verdade, Hollywood compreendeu sua importância para o momento e, apesar das opiniões dos (vários) detratores, Cohen chegou para ficar. Três anos depois, ele resolveu apostar na mesma fórmula de seu cartão de visita, mas com outro personagem de Da Ali G Show, o fashionista austríaco Brüno (Brüno, 2009). Embora seja bem engraçado, o filme perde feio numa comparação inevitável com Borat.

Entenda: Brüno está longe de ser ruim, mas a sensação de originalidade, o fator surpresa, claro, não existe mais. Além disso, há um aspecto que atrapalha. O problema não é ser preconceituoso, afinal ninguém aguenta mais o politicamente correto (e o fair play, diga-se de passagem), mas ridicularizar o universo gay nos dias de hoje, convenhamos, já é piada velha. Talvez por isso que Sacha Baron Cohen, também autor do roteiro, e o diretor Larry Charles apostem em cenas (hilariantes) de gosto duvidoso numa escala ainda maior que Borat, que por sua vez, tem um poder crítico mais forte e ousado. Enquanto o filme do repórter do Cazaquistão sacudiu a Era Bush na hora certa - como Michael Moore também fez em Fahrenheit 11 de Setembro, mas na hora errada -, Brüno ataca a obsessão pela fama, que não deixa de ser uma discussão atual. Porém, sinceramente, não é a primeira vez que vemos isso na telona. Mas graças ao talento de Sacha Baron Cohen para provocar e divertir, Brüno funciona, mesmo sem o equilíbro perfeito de Borat entre a crítica e a grosseria. E como o filme é bem curto (cerca de 1h20), não dá tempo de reclamar.

Brüno começa com imagens típicas de documentário, mas, diferente de Borat, não se assume como tal - até o roteiro parece mais redondinho. Famoso por apresentar um programa de moda na TV, Brüno (Sacha Baron Cohen) vira persona non grata no mundo fashion do continente europeu ao pagar um mico gigantesco numa edição do Milan Fashion Week. Abandonado pelo namorado pigmeu e afastado à força dos holofotes, ele tenta a sorte nos EUA, terra das oportunidades (e das celebridades com registro em carteira). Se Paris Hilton conseguiu, por que não Brüno?

Sua jornada rumo à fama é um prato cheio para Cohen destilar veneno. Em seus atos "inocentes", lembramos de papagaiadas de Tom Cruise, Angelina Jolie, Madonna, Pamela Anderson, Paris Hilton, Milli Vanilli... e a ladeira só desce. Prepare-se para viajar entre situações cômicas e doentias com Paula Abdul sentando em mexicanos, além de um ridículo nu frontal masculino, swingers party, sexo oral espírita, transas sadomasoquistas, videoclipe estilo We Are the World e brincadeiras com o bom (e o mau) gosto dos diferentes perfis gays.

Como em Borat, a sacada está em deixar o público voyeur observar a reação de cada pessoa abordada por Brüno. Tentar desvendar o que foi combinado ou não é o maior barato. E não adianta sair do cinema reclamando do humor proposto por Sacha Baron Cohen. Ou será que você ainda não sabe quem ele é? Se estivéssemos em 2006, eu até aceitaria essa desculpa. Agora, quem desdenha, quer comprar.

Apesar da leve brisa de decepção na saída do cinema, não dá para ficar sério diante de um filme que traz Harrison Ford dizendo FUCK OFF ao protagonista numa cena que termina com a exibição de um pinto dançante e falante. Quase não sobrevivi de tanto rir.

Brüno (Brüno, 2009)
Direção: Larry Charles
Roteiro: Sacha Baron Cohen, Anthony Hines, Dan Mazer e Jeff Schaffer (Baseado em personagem criado por Sacha Baron Cohen para o programa de TV Da Ali G Show)
Elenco: Sacha Baron Cohen, Gustav Hammarsten e Clifford Bañagale

Arraste-me Para o Inferno

2009-08-18T12:10:00.016-03:00

Sam Raimi se deu bem com os filmes da série Homem-Aranha, mas o diretor nasceu para fazer terror gore com sangue, vômitos, bocas babadas, dentaduras nojentas, cabras falantes, bigornas, encostos, bruxas, possessões, luzes, sombras, sons agonizantes e outros elementos facilmente chocantes do gênero. Raimi consegue ser nervoso ao extremo e, ao mesmo tempo, mantém um habilidoso senso de humor reforçado por movimentos de câmera rápidos e a troca incessante de planos e contraplanos, além de contar com uma trilha à moda antiga ensurdecedora composta por Lalo Schfrin. Assim é Arraste-me Para o Inferno (Drag me to Hell, 2009), terror de verdade, que prova que Sam Raimi não pode (e não merece) ser um eterno escravo de produtores e estúdios interessados em franquias bilionárias. Em outras palavras: Ele é um excelente diretor, que tem o direito de experimentar coisas novas, mas que precisa voltar sempre que possível ao seu território favorito.

No filme, Christine Brown (Alison Lohman, ótima), candidata à vaga de gerente de crédito bancário, nega mais um empréstimo à estranha Sra. Sylvia Ganush (Lorna Raver, fabulosa). A moça, claro, não sabia que a velha era uma bruxa cigana. Muito menos que seria alvo de uma maldição da desgraçada: Durante três dias, Christine será atormentada por um demônio chamado Lâmia. Logo depois, será arrastada para o inferno. Simples assim.

Quem conhece as origens do diretor vai reparar em sua assinatura nas cenas mais impressionantes do longa, que mesclam CGI e trucagens básicas. Saudosistas podem reclamar do uso de computação gráfica em alguns momentos, mas será que é problema fazer um bom filme de terror com um orçamento generoso? Aposto que Sam Raimi queria essa grana quando rodou Evil Dead no início dos anos 80.

Deixando o terror de lado (se isso é possível), há um detalhe que me chamou a atenção na trama de Arraste-me Para o Inferno. Em tempos de crise financeira, será que a maldição imposta pela Sra. Ganush representa a vingança do povo? O capitalismo pode nos levar para o inferno? Estamos numa época em que a esmagadora maioria das pessoas é intolerante, como a Sra. Ganush, e individualista, como Christine. A personagem interpretada brilhantemente por Alison Lohman, no entanto, não deve ser considerada como a vilã da história. Acredito que ela é uma vítima do sistema que todos nós conhecemos.

Lá no fundo, Christine é uma boa pessoa, mas que, por cobiça, toma uma decisão que a beneficia, mas que prejudica a Sra. Ganush. Por outro lado, a velha coroca não quer saber se o chefe de Christine é o grande culpado. Muito menos avalia as ramificações do corporativismo para identificar o responsável por sua situação - sendo que ela mesma tem uma parcela de culpa no cartório. Ao rogar praga sem dó nem piedade à menina, a Sra. Ganush representa a parte do povo que não compreende o sistema e aponta seus bodes expiatórios. Na verdade, a intolerância e o individualismo andam de mãos dadas em nossa sociedade e todo mundo teme cruzar com uma Sra. Ganush pelo caminho. São pequenos devaneios, claro. Acima de qualquer coisa, acredito que o filme foi feito para divertir o público. E Sam Raimi é bem-sucedido neste ponto.

Isso não quer dizer que Arraste-me Para o Inferno estimule Hollywood a investir novamente neste tipo de filme ainda incompreensível para a geração atual. Por incrível que pareça, não foi feito para o povão, mas para cinéfilos que admiram qualquer gênero da sétima arte. Quem tem memória curta, pode reclamar da ausência de cacoetes do cinemão de horror nos últimos anos, como meninas de cabelos escuros cobrindo o rosto, reviravoltas mirabolantes de roteiro no final do filme ou violência sádica. Arraste-me Para o Inferno é nada mais, nada menos que uma viagem no tempo dentro do gênero. É terror como se fazia nos anos 80, muito antes de Hollywood ficar sem ideias e descobrir os exemplares japoneses, além de distorcer longas como O Silêncio dos Inocentes e Seven - abandonando o psicológico e apostando no sangue e na carne - em busca do torture porn.

Raimi sabe que o terror verdadeiro vem do desconhecido ou do sobrenatural. Como poucos, consegue extrair comédia do horror sem jamais cair no ridículo. Digamos, então, que ele seja um pintor capaz de extrair medo da luz e humor da escuridão. Mas Raimi também é um exímio contador de histórias e acerta ao colocar o espectador ao lado de Christine. Acompanhar sua jornada é viciante. Dá vontade de repetir a dose por duas, três ou quatro vezes. Em DVD, as cenas memoráveis serão revistas até gastar o disco.

É aquele filme que faz desaparecer o olhar de crítico para dar lugar ao olhar de fã. E isso é um elogio, afinal, quantas produções, hoje em dia, têm esse poder? Como bom entendedor de cinema, o diretor sabia o que estava fazendo. De quebra, ainda entregou um final espetacular, que jamais será esquecido. Só espero que ele explore, cada vez mais, a sua assinatura. São por essas e outras razões, embora eu admire MUITO Homem-Aranha 1 e 2 (o 3 nem o diretor gosta), que rezo para Sam Raimi não ser arrastado para o inferno de Hollywood.

Arraste-me Para o Inferno (Drag me to Hell, 2009)
Direção: Sam Raimi
Roteiro: Sam Raimi e Ivan Raimi
Elenco: Alison Lohman, Justin Long, Lorna Raver, Dileep Rao, David Paymer, Reggie Lee e Adriana Barraza

E LEIA TAMBÉM:

"OS 10 MELHORES FILMES DE TERROR"

Antes de "Arraste-me Para o Inferno", claro.

G.I.Joe - A Origem de Cobra

2009-08-17T12:35:00.010-03:00

Olha, eu acho que não cresci ranzinza. Lembro-me com carinho de belas produções made in Hollywood com a única intenção de divertir o público. Esses filmes são constantemente citados aqui no blog e você deve estar careca de saber quais são os títulos. Portanto, não serei repetitivo ao citá-los. Mas houve uma época em que os filmes saíam dos sonhos que marcaram a infância de bons produtores, roteiristas e diretores. Todo mundo queria ganhar dinheiro, claro, mas eram filmes feitos com coração. É por isso que ninguém saía do cinema lembrando apenas das cenas de ação ou dessa ou aquela fala escrita para dar um alívio cômico no meio de tanta barulheira. O que ficava era o conjunto. Algo que marcava as nossas vidas para sempre.

Veja, por exemplo, o caso de G.I.Joe - A Origem de Cobra (G.I.Joe - The Rise of Cobra, 2009). Tem ação pra cacete, efeitos mirabolantes, mas lá pela meia hora de filme, você nem lembra que está vendo uma "adaptação" dos sensacionais bonequinhos oitentistas da Hasbro. Aliás, muita gente deve até esquecer que há algo para ver na tela, além de cenas de ação que parecem retiradas de games de última geração. Na hora, até que funciona. Mas será que, dias depois, um produto desses permanece na cabeça de alguém? Pode não ficar como cinema, mas Hollywood sabe o que faz.

Antes de explicar, tenho uma pergunta: Será que é só comigo ou você também acha que os filmes de entretenimento estão cada vez mais parecidos com desenhos animados? Falo isso no mau sentido mesmo, até porque temos grandes animações desde que me conheço por gente. E um bom desenho animado, pode notar, nunca é exclusividade do público infantil. Antigamente, acredito eu, esses filmes estimulavam a criança dentro de cada adulto. Estimulavam a nostalgia e a imaginação. Para as crianças, seus heróis das telas personificavam tudo o que ainda gostariam de fazer na vida. Antes, os estúdios tentavam adivinhar exatamente o que o público queria ver. Hoje, coisas como G.I.Joe - A Origem de Cobra, são resultados frios de várias discussões entre pessoas que fazem cinema para lucrar. Para o público-alvo, não fica nada. Pelo contrário, ele só perde tempo e dinheiro. Aliás, este último ingrediente verde é o que interessa.

Para explicar, devo admitir: Caímos direitinho nessa. Antes, os estúdios corriam atrás da gente. Hoje, nós corremos atrás deles. A situação foi invertida. Antes, a venda de bonequinhos inspiravam os estúdios a criarem filmes que representassem os nossos sonhos para roubar o público de casa e mostrar que o cinema também é um lugar para voltar a ser criança. Hoje, esse tipo de filme é parte de um plano maquiavélico da indústria do entretenimento para forçar o cérebro a reconhecer o que é bom e divertido sem que ninguém tenha capacidade de escolha ou opinião própria. Funciona assim: Entra e sai do cinema, depois, como próximo passo da cadeia evolutiva, passa na loja para comprar o brinquedo promovido pelo filme. Ou vice-versa. Quem trabalha com filmes está conectado com profissionais da música, da TV, dos games, dos quadrinhos e dos fabricantes de bonecos e outros brinquedos. É a troca de mercadorias por trabalho. Cinema virou escambo.

É claro que o diretor Stephen Sommers, que fez A Múmia e Van Helsing, não é um visionário. Muito menos admitirá a existência dessa louca teoria da conspiração. E a culpa não é toda dele. O cara é um operário padrão, que faz o que o estúdio quer. É claro que temos exceções neste meio, mas Stephen Sommers é a regra. E não dá para reclamar do homem que fez os filmes citados acima, certo? Ele é apenas mais uma peça na arquitetura da destruição de nosso livre arbítrio cultural.

G.I.Joe, o filme e não os bonecos (coitados), tem um fiapo de história com diálogos esquecíveis, que só estão lá para preencher a minutagem ideal para a divisão de sessões de cinema em qualquer sala de exibição do mundo: Duas horas. A lavagem cerebral é construída em cima de três sequências de ação que intercalam as curtas passagens do roteiro dedicadas à trama. Uma delas acontece em Paris e põe a Torre Eiffel abaixo. Ei, pelo menos deixaram Nova York em paz. A sequência foi concebida para ser a melhor do longa. De fato, é uma correria danada com os heróis saltando mísseis, carros em movimento e atravessando trens à toda velocidade. Não dá tempo pra raciocinar. Tudo é trabalhado de forma minuciosa para capturar meninos que idolatram Ben 10 e Clone Wars, dois desenhos de audiência monstruosa nos dias atuais, que não passam de reciclagens de todo o lixo cultural, que em um belo dia, devidamente separado, serviu para alguma coisa.

Neste sistema, dificilmente serei ouvido. Mas alerto: É melhor ficar em casa e jogar Halo ou Gears of War, games que oferecem uma interatividade muito maior entre o público e a ação criada. E, ao contrário de G.I.Joe, possuem roteiros muito bem trabalhados. Você não acredita em games? Então brinque com seu filho, sobrinho ou irmãozinho com sua nostálgica coleção de bonequinhos. Aposto que vocês construirão um enredo mais interessante e empolgante. Sairá mais barato e ainda sobrará dinheiro para alugar um DVD de qualquer clássico dos anos 80 produzido por Steven Spielberg, que realmente mereça ser mostrado ao seu pequeno herdeiro.

G.I.Joe - A Origem de Cobra (G.I.Joe - The Rise of Cobra, 2009)
Direção: Stephen Sommers
Roteiro: Stuart Beattie, David Elliot, Paul Lovett, Michael Gordon e Stephen Sommers (Baseado nos bonecos da Hasbro)
Elenco: Dennis Quaid, Channing Tatum, Sienna Miller, Marlon Wayans, Joseph Gordon-Levitt, Ray Park, Christopher Eccleston, Brendan Fraser, Rachel Nichols, Jonathan Pryce, Arnold Vosloo e Adewale Akinnuoye Agba

Os 10 melhores filmes de terror

2009-08-14T17:32:00.021-03:00

Pronto para encarar a estreia de "Arraste-me Para o Inferno"?

Antes, relembre os maiores filmes de terror de todos os tempos.

1 - O Exorcista (1973), de William Friedkin

Todo mundo tem medo deste filme. Mesmo com seus efeitos visuais do início da década de 70, O Exorcista jamais envelheceu. E a maioria ainda lembra que é o filme de terror sobre a menina (Linda Blair) possuída pelo Demônio e o drama de sua mãe (Ellen Burstyn) tentando salvá-la. Desesperada, ela pede ajuda ao Padre Karras (Jason Miller). Mas tente ver por este lado: O roteiro de William Peter Blatty, baseado em seu livro, é focado em Karras, um homem dividido entre o Céu e a Terra, que resolve ajudar a mãe de uma menina que foi abraçada pelo capeta. O filme é sobre o padre, afinal o título é O Exorcista. Deste ponto de vista, o clássico de William Friedkin (Operação França) é brilhante como cinema e tem um dos melhores roteiros já feitos. Mas você também pode ficar a vontade para ver O Exorcista como o filme da menina possuída, claro. Numa coisa, todos concordam: É o favorito de nove entre dez cinéfilos quando o assunto é terror.

2- O Iluminado (1980), de Stanley Kubrick

Stephen King odeia esta adaptação de Stanley Kubrick para um de seus livros mais famosos. Mas os cinéfilos idolatram este que é um dos filmes mais assustadores de todos os tempos. Para a garotada que vai ao cinema hoje em dia, O Iluminado pode parecer incompreensível no que diz respeito ao culto de adoração que existe ao seu redor. Kubrick não constriu uma obra carregada de sustos fáceis. O maior de todos os horrores está guardado na mente humana. E quando isso vem à tona, as barreiras entre a loucura e a sanidade se perdem entre machados, corredores vazios de um hotel no meio do nada e, principalmente, os berros ensurdecedores de Shelley Duvall. O pior é que ninguém, além da plateia, pode ouvi-la. Stephen King pode ser um grande escritor, mas não entende nada de cinema.

3- A Profecia (1976), de Richard Donner

Pais de primeira viagem não esquecem jamais esta experiência. Mas o que fazer quando algumas pessoas tentam convencê-lo de que seu pequeno herdeiro é ninguém mais, ninguém menos que o filho do Diabo? Por mais que você acredite na verdade, o mais difícil é aceitá-la. Contra a própria vontade, lá no fundo, você sabe que precisa impedir que a criança cumpra o seu destino. E este é o dilema aterrorizante de Gregory Peck, em A Profecia, o melhor filme de Richard Donner, diretor de grandes sucessos como Superman, Os Goonies e a série Máquina Mortífera. O mal representado pelo rostinho inocente de uma criança é uma ideia, no mínimo, abominável. Mas que, graças a Deus, deu certo. Ajuda muito ver o filme com o volume bem alto para curtir os sustos e os arrepios provocados pela trilha do maestro Jerry Goldsmith, que, claro, levou o Oscar.

4- O Bebê de Rosemary (1968), de Roman Polanski

O Bebê de Rosemary deveria ser visto por todo diretor e roteirista antes de filmar ou escrever qualquer exemplar do gênero. Roman Polanski ensina (ou lembra) que o frio na espinha e a sensação de medo vêm do desconhecido. Se você não vê, o medo aumenta. É a voz que vem do fim do corredor e você não sabe de quem é. É o barulho do vento que vem debaixo da porta. São aqueles passos no andar de cima. Medos básicos, que nascem em nosso inconsciente enquanto somos crianças. A platéia não precisa ver, mas sentir. (Leia a crítica completa aqui).

5- Poltergeist: O Fenômeno (1982), de Tobe Hooper

Lembro que não consegui dormir direito quando assisti ao filme pela primeira vez. Ok, eu era uma criança, então dê um desconto. Mas achei que os espíritos me puxariam para a TV ou que os brinquedos no meu quarto ganhariam vida e me arrastariam para debaixo da cama. Depois de Poltergeist, o cinema nunca mais acertou no quesito casa mal-assombrada. O filme foi dirigido por Tobe Hooper, de O Massacre da Serra Elétrica. Diz a lenda que ele se desentendeu com o produtor Steven Spielberg e perdeu a briga. Muitos alegam que Steven assumiu o controle da produção e ainda acrescentou um final alternativo. em relação ao roteiro original. Mesmo assim, Poltergeist impressionou e marcou época. Numa de suas raras declarações, o grande Stanley Kubrick disse que filmes de terror com espíritos ou assombrações significam otimismo, afinal é a esperança de que há vida após a morte. Steven parece compartilhar dessa idéia.

6- Um Lobisomem Americano em Londres (1981), de John Landis

Existem bons filmes de lobisomem como Grito de Horror e Bala de Prata, mas nenhum deles teve o impacto de Um Lobisomem Americano em Londres. Fazer filmes de terror é uma arte. Imagine então equilibrar terror e comédia sem cair no ridículo e, acima de tudo, manter a proposta de assustar. É o que John Landis fez neste clássico moderno em que dois amigos americanos são atacados por um lobo na Inglaterra. Um deles morre. O outro sobrevive somente para sofrer uma lenta e dolorosa transformação à luz do luar. A cena em que o ator David Naughton vira lobisomem impressiona até hoje. É de deixar o queixo no chão. Trata-se de um trabalho magnífico de Rick Baker, que faturou o merecido Oscar de Melhor Maquiagem. Não há computador que supere este milagre do cinema.

7- A Morte do Demônio (1981), de Sam Raimi

O primeiro (e melhor) filme da trilogia Evil Dead, de Sam Raimi, infelizmente, envelheceu. A geração de hoje, que adora A Bruxa de Blair, deve ter uma série de dificuldades para apreciar este filme de baixíssimo orçamento extremamente criativo em seus movimentos de câmera. Mas para quem veio dos anos 80 (ou antes), Evil Dead permanece tenso, nojento e engraçado. É filme de horror de primeira qualidade com sangue, vísceras e gosma, mesmo com efeitos, maquiagem e outros truques para lá de datados. Evil Dead revelou o diretor Sam Raimi, que ainda faria os filmes do Homem-Aranha e Arraste-me Para o Inferno. De quebra, Evil Dead contou com um certo Joel Coen trabalhando como editor-assistente.

8- A Hora do Espanto (1985), de Tom Holland

O diretor Tom Holland fez A Hora do Espanto e, três anos depois, Brinquedo Assassino (Sim, o primeiro é muito bom), mas logo desapareceu do mapa. Se você tiver notícias dele, por favor, avise este blogueiro. E com todo o respeito a clássicos estrelados por Bela Lugosi, Christopher Lee e dirigidos por Murnau, Herzog e Coppola, A Hora do Espanto é o melhor filme de vampiro já feito. Na onda de Um Lobisomem Americano em Londres e A Morte do Demônio, este filme é mais um ótimo exemplar do "terrir", uma mistura de terror e comédia. Além disso, A Hora do Espanto é uma criativa homenagem aos filmes de vampiro, mas tem personalidade e originalidade de sobra para ser facilmente reverenciado como uma das melhores produções dos anos 80.

9- A Noite dos Mortos Vivos (1968), de George A. Romero

Com este clássico, o diretor George A. Romero inventou o gênero "filme de zumbi". Ok, próximo.

10- A Hora do Pesadelo (1984), de Wes Craven

Desde pequenos que sofremos com pesadelos. Mamãe e papai cansaram de nos ensinar que eram apenas sonhos ruins. Agora, imagine se um cara de aparência repugnante com um chapéu feio e fedido, além de uma camisa velha da Portuguesa e uma horripilante luva na mão direita com navalhas no lugar de unhas resolvesse perseguir você em todos os seus pesadelos. Pior: Se ele te mata no sonho, você morre na vida real. É uma ideia claustrofóbica e tenebrosa, não? O diretor Wes Craven soube transformá-la em filme e criou um ícone da cultura pop: Freddy Krueger.

Primeira foto de Avatar

2009-08-14T16:49:00.007-03:00

Sam Worthington ilustra a primeira imagem retirada do novo filme de James Cameron

Avatar é o filme mais esperado do ano por quase todos os cinéfilos. Depois de revelar algumas artes conceituais, a Fox liberou a primeira imagem do filme, que traz Sam Worthington ao lado de seu... avatar.

O filme ainda vai dar muito o que falar até sua estreia mundial no dia 18 de dezembro. Mas, bem antes disso, na próxima sexta-feira, dia 21 de agosto, teremos o tão esperado Avatar Day. Será a data em que vários cinemas do mundo exibirão 16 minutos do longa em 3D.

No Brasil, ingressos gratuitos serão sorteados pelo Telecine e o Clube UOL. Em São Paulo, fique ligado no site da Rádio Mix FM. Neste mesmo dia, o trailer será liberado para a internet.

Veja o trailer de cinco minutos de Legion

2009-08-13T00:05:00.011-03:00

Atenção: Prévia do filme, que estreia em 2010 no Brasil, não é recomendada para crianças

Legion, filme que marca a estreia na direção de Scott Stewart, um dos responsáveis pelos efeitos visuais de Sin City, Piratas do Caribe e Duro de Matar 4.0, ganhou uma prévia de cinco minutos. Sim, eu disse cinco minutos. Mas antes que você assista ao vídeo já exibido na Comic-Con deste ano, o blog avisa: Crianças, já pra cama. Isso não é para os seus olhos inocentes. Ok?

Em Legion, Deus não aguenta mais ver o homem andando pela Terra e prepara o apocalipse. Nossa única esperança é o arcanjo Michael (Paul Bettany), que bate, atira e arrebenta.

Dennis Quaid, Tyrese Gibson, Jon Tenney, Charles S. Dutton, Lucas Black, Kate Walsh, Adrianne Palicki, Kevin Durand e Willa Holland também estão no filme. O roteiro leva a assinatura de Peter Schink e do diretor Scott Stewart.

Abaixo, confira o trailer barra pesada, que, polêmicas à parte, traz um bom equilíbrio de ação e terror. Preste atenção na sequência da velhinha na lanchonete. Sinistro demais.

Só uma coisa: Aquele policial que ameaça Paul Bettany no trailer não parece um agente da Matrix? Hmm... Legion estreia no dia 22 de janeiro nos EUA. No Brasil, somente em 26 de março.

E agora, Brüno?

2009-08-11T22:34:00.006-03:00

"Brüno" estreia nesta sexta-feira com cortes em duas cenas. E nós reclamamos.

Recentemente, a Playarte esquartejou a cópia de Halloween - O Início para seu lançamento nos cinemas brasileiros com 26 minutos a menos em relação à versão exibida nos EUA. Agora é a vez de Brüno, nova comédia com Sacha Baron Cohen, o criador de Borat, que estreia nesta sexta no Brasil. Mas não culpem a Sony.

O próprio comediante pediu pequenas edições na versão que chegou aos cinemas da Austrália, com (quase) um minuto a menos comparado ao corte original em cartaz nos EUA. Cohen, no entanto, tomou a mesma decisão para a distribuição de Brüno no Brasil.

Aqui, não poderemos ver alguns segundos da sodomia entre Brüno e seu assistente no início do filme. A outra cena tesourada apresenta o modelo austríaco degustando um sanduíche numa swing party.

Pelo jeito não é nada comparado ao que fizeram com o Halloween de Rob Zombie. E, claro, passa bem longe da censura tirana que imperou até os anos 80 retalhando diversos filmes em suas versões para a tela grande.

Vale lembrar que Brüno já chegou aos EUA com uma cena cortada. Foi retirada do longa a tão comentada brincadeira com La Toya Jackson, que citava seu irmão, Michael, falecido no final de junho. Com a morte do Rei do Pop, a piada ficou mesmo fora de contexto, desatualizada. Então, não houve problema.

Com quase 60 segundos de cortes, Brüno estreia nesta sexta-feira nos cinemas brasileiros. Esperamos, pelo menos, que o DVD chegue com o Director's Cut.

Novas diretrizes em tempos de gripe suína

2009-08-10T14:56:00.010-03:00

Se correr, o bicho pega. Se ficar, o bicho come. O que fazer para a gripe suína
não te pegar quando ir ao cinema não é simplesmente um passatempo, mas um vício?

Todos conhecem o tamanho do estrago que a gripe suína está fazendo pelo mundo. Nas últimas semanas, ouvi da boca de vários mortais que realmente há um certo boicote às salas de cinema sujeitas a espirros e tosses. Descartando a possível hipótese que permite uma chance miseravelmente ridícula de uma sala de multiplex lotar com a presença de pessoas 100% saudáveis, o problema engloba TODOS os cinemas.

Isso porque sites e jornais, além de emissoras de rádio e TV trazem informações e balanços diários das baixas provocadas pelo "marvado" vírus H1N1 no país e no resto do planeta. Uma das consequências diretas alertadas por médicos e outros estudiosos ligados à saúde é o apelo à população de que cada alma viva fique longe de locais fechados, que habitualmente recebam uma grande circulação de pessoas. Mas será que isso está realmente funcionando? Uma coisa é certa: O nível provocado pela maioria das produções em cartaz ajuda o povo a manter a boa saúde.

Mesmo com a prorrogação das férias escolares por causa da gripe suína, as filas diminuiram no último final de semana. De acordo com o site Filme B, o público caiu cerca de 24% em relação ao mesmo período em 2008. A renda, no entanto, despencou em 17%. Tirando um ou outro filme, claro, o melhor a se fazer é ficar em casa e alugar um DVD.

Mas cinéfilo é bicho teimoso, eu sei bem disso. E como ninguém quer arriscar a vida de ninguém, tem aquela pessoa que deixa os filhos com a sogra e vai ao cinema. É como um torcedor fanático, que mesmo sabendo da violência dentro (e fora) dos estádios, deixa de comprar o famoso leitinho da criança para acompanhar o time do coração. Tendo isso em vista, por que, então, não reduzem o preço dos ingressos? Em tempos de gripe suína, ainda tem cinema em São Paulo que tem a cara de pau de cobrar mais de R$20,00, sendo que passa o mesmo filme numa cidadezinha como Mauá, no Grande ABC, que, não ria, tem boas salas de cinema. Só porque o nível econômico do frequentador habitual deste tipo de shopping pode pagar muito mais para ver um mero filme, não quer dizer que essa pessoa é burra. Como se não bastasse, há um outro cinema em São Paulo que se orgulha de cobrar mais de R$40,00 numa sala VIP, que transforma a poltrona em cama e só falta abanar o rabinho. Agora, pergunto: Será que esses cinemas oferecem seguro contra a gripe suína?

Mas, ok, isso é complicado. Envolve vários tipos de contas e custos. Sem falar que funcionários são pagos etc, etc. Aliás, os cinemas não estão fechados (ainda) e as pessoam continuam saindo de suas casas para ver A Era do Gelo 3, que faz uma carreira extraordinária no Brasil, assim como Harry Potter e o Enigma do Príncipe. Nos EUA, os números comprovam que a estreia de G.I. Joe representou uma das melhores aberturas de todos os tempos para o começo do mês de agosto, que geralmente é bem fraco.

Se não dá pra evitar os filmes (e piratear é uma coisa feia), o que o cinéfilo deve fazer? Aqui vão algumas diretrizes em tempos de gripe suína:

Compre o ingresso com cartão de crédito. Dinheiro é sujo. Em todos os sentidos.

Deixe as crianças com amigos ou familiares. Exija que as babysitters mostrem um bom filme aos seus filhos para que a lição de casa e a preparação cinéfila a longo prazo seja bem feita.

Não compre pipoca ou água ou refrigerante. Nada que exercite sua boca.

Da mesma forma, não "namore" no cinema. Em tempos de gripe suína, isso é over.

Leve o álcool em gel - dizem que existe, mas não achei em farmácia alguma -, passe-o nas mãos e não fique cutucando os braços da poltrona.

Espere as luzes se apagarem, tire a máscara cirúrgica - eu sei que você tem uma - da bolsa e coloque-a de forma correta na região que cobre o nariz e a boca. Dois pontos: Assim você evita o mico. E também não causa pânico na plateia, que pode se assustar ao ver o cidadão entrar na sala com uma máscara em tempos de gripe suína.

Se estiver resfriado, por favor, não vá ao cinema nem sob tortura. Se não puder perder o filme, tome uma injeção na testa para melhorar o mais rápido possível, mas, caso contrário, não vá ao cinema.

Ninguém quer ver os cinemas fechados por causa da gripe suína, então corte a mesada dos adolescentes, que só frequentam shoppings para azarar e ver filmes de ação, terror e comédia imbecil.

Deixe o celular desligado. Não sei bem porque coloquei isso, mas não custa lembrar que educação é o mínimo que podemos esperar de uma pessoa saudável.

Mamãe, por que meu brinquedo ainda não virou filme?

2009-08-07T11:47:00.025-03:00

Com a estreia de "G.I. Joe", o blog dá dicas aos estúdios
de Hollywood sobre possíveis adaptações de brinquedinhos

G.I. Joe, Transformers... Como Hollywood está carente de ideias, resolvemos dar uma mãozinha aos estúdios na atual onda de "adaptações para o cinema de bonequinhos e outros brinquedos".

Dê uma olhada na lista abaixo. Ah, Banco Imobiliário ficou de fora, afinal Ridley Scott anda considerando o jogo de tabuleiro como um de seus próximos projetos. É sério.

PLAYMOBIL

Numa adaptação com figurinos e atuações ridículas ao estilo Os Flintstones em Viva Rock Vegas, Shia LaBeouf é um jovem marinheiro, enquanto Ryan Reynolds é um piloto em plena Segunda Guerra Mundial - amigos separados pelos uniformes, mas que amam a mesma garota: Scarlett Johansson. Todo mundo com seus devidos cabelinhos e mãos Playmobil. A atriz, no entanto, teria aquela famosa saia virada pra frente. O roteiro permite a utilização de vários cenários da imensa coleção Playmobil. A direção é de Michael Bay, que tenta acertar onde errou em Pearl Harbor.

LEGO

Animação dirigida por Robert Zemeckis em 3-D e motion capture sobre uma cidade Lego atacada por gigantescos robôs Lego, que detonam prédios Lego, carros Lego e pessoas Lego. Shia LaBeouf é o vocalista de uma banda de garagem Lego. Scarlett Johansson é a sua namorada, que trabalha numa lanchonete Lego. Enquanto ensaia com a banda, LaBeouf é surpreendido pelos robozões Lego. O baterista morre, claro, e fica em pedaços. Mas nosso herói sobrevive e tenta encontrar sua amada. Para isso, precisa atravessar milhas de peças Lego, antes que os cenários fiquem espalhados por todos os cantos.

MEU QUERIDO PÔNEI

Animação da Disney com direção de Rob Minkoff (O Rei Leão, Stuart Little), que tenta resgatar os desenhos musicais que reinaram até meados dos anos 90. Na trama, dois intrépidos pôneis (vozes de Sam Worthington e... Shia LaBeouf) cruzam o oeste americano debaixo de um sol escaldante para resgatar o bebê pônei da Égua Rainha (voz de Scarlett Johansson) sequestrado pela Bruxa pônei (voz de Reese Witherspoon). A canção original "I've Always Wanted to be a Pony" tem a assinatura de Andrew Lloyd Webber. A interpretação vem de um dueto com Elton John e Celine Dion.

MURPHY

Joe Johnston (Querida, Encolhi as Crianças) dirige esta fantástica aventura sobre Murphy, um gorila retardado que só sabe gritar "Ó! Ó! Ó! Ó!". Reese Witherspoon é uma "encantadora de gorilas", que vai ao coração da África ajudá-lo a gritar como um rei das selvas. Lá, Murphy protegerá sua nova amiga contra o ataque de canibais liderados por Shia LaBeouf, um americano frustrado com a força aérea dos EUA, que jamais o resgatou do local.

MÃEZINHA

Scarlett Johansson interpreta uma mãe possessiva em depressão pós-parto. Shia LaBeouf é o seu marido, que tem um caso com a vizinha interpretada por Reese Witherspoon, que, por sua vez, vive com Sam Worthington, que tem um caso com... Scarlett Johansson. Inclusive, ele pode ser o verdadeiro pai da criança. Clima pesadíssimo com direção de Todd Field, de Pecados Íntimos.

FOFOLETE

Sonho antigo de Charlie Kaufman, Fofolete chega às telas com a história de duas bonequinhas de pano: Scarlett Johansson e Reese Witherspoon. Vivendo naquela caixinha básica como parte da coleção de um jovem homossexual interpretado por Shia LaBeouf, a boneca Scarlett foge da realidade ao se imaginar como uma mulher de verdade, que tem um romance com Sam Worthington. Em sua "viagem", no entanto, ela é perseguida pela boneca fofolete de Reese Witherspoon em tamanho real e com maquiagem estilo bruxa de Drag Me To Hell. Kaufman dirige e assina o roteiro.

AUTORAMA

Frustrado com o projeto sobre a vida de Ayrton Senna, que não sai do papel, o astro Antonio Banderas resolveu levar este brinquedo bacana às telas. Para isso, o ex-ator preferido de Pedro Almodóvar convidou o chapa Robert Rodriguez para dirigir e utilizar os mesmos efeitos visuais toscos da série Pequenos Espiões. Banderas é um piloto de Fórmula 1 que sofre um terrível acidente. Confinado em um hospital, ele faz amizade com um paciente interpretado por Shia LaBeouf. No lugar, eles passam o tempo brincando de autorama, que vira a sensação entre os pacientes, que se imaginam dentro dos carrinhos em alta velocidade. Daí os efeitos visuais... Entendeu? E em 3-D. Sam Worthington tem participação especial como um paciente suicida, enquanto Ryan Reynolds é o diretor do hospital. Scarlett Johansson é uma enfermeira grávida.

PULA PIRATA

Após matar o filho do rei (Shia LaBeouf) em um duelo, jovem pirata (Ryan Reynolds) é aprisionado em um barril nojento. Lá, ele é torturado por espadas, enquanto pensa na namorada (Scarlett Johansson). O estúdio quis amenizar as cenas de tortura para não pegar uma censura de 18 anos. Mas o diretor Mel Gibson não abriu mão da violência, segundo ele, real e necessária.

FALCON

Sam Worthington (de barba, claro) é Falcon, marine que retorna para casa após uma árdua missão. Quando chega em sua penthouse, descobre que sua esposa grávida (Scarlett Johansson) foi sequestrada por seu ex-capitão (Chuck Norris, em seu grande retorno às telas). Ryan Reynolds é o braço direito do vilão - aquele que morre antes da luta final entre Worthington e Norris. Direção de John Woo.

GELECA

Louis Leterrier (O Incrível Hulk, Fúria de Titãs) dirige mais uma versão de A Bolha. Na onda das adaptações de brinquedos, o estúdio exigiu no contrato que o inimigo fosse a clássica "Geleca". Desta vez, Shia LaBeouf assume o papel que foi de Steve McQueen no filme de 1958. Sam Worthington é um militar que tenta capturar o monstro. Ryan Reynolds morre no início do filme ao presentear o filho com a geleca na festa de aniversário do menino. Sua esposa, Reese Witherspoon, foge com o garoto pelas ruas e ganha a companhia de uma cientista grávida (Scarlett Johansson).

In Memoriam

2009-08-06T18:36:00.006-03:00

John Hughes
(1950-2009)

Descanse em paz, Sr. Hughes. E obrigado por Curtindo a Vida Adoidado e Antes Só do que Mal Acompanhado, dois filmes que estão na minha lista dos melhores de todos os tempos.

Obs: Este blog não será mais atualizado hoje. A homenagem a John Hughes, gênio máximo das comédias dos anos 80, será feita em breve.

O futuro a Ridley Scott pertence

2009-08-06T16:09:00.006-03:00

Com "Admirável Mundo Novo" e a prequel de "Alien", diretor de "Blade Runner"
retorna ao gênero que o consagrou. Leonardo DiCaprio será seu ator e produtor.

Confesso que andava pedindo a Deus para que Ridley Scott retornasse à ficção científica, gênero em que reinou com dois clássicos: Em 1979, com Alien - O Oitavo Passageiro e, em 1982, com Blade Runner - O Caçador de Andróides. Demorou, mas acho que minhas preces foram atendidas. Apesar de estar atolado em vários projetos, incluindo a nova versão de Robin Hood, Ridley Scott já havia se comprometido com a prequel de Alien na semana passada e, como se não bastasse, anunciou hoje sua adaptação de Admirável Mundo Novo, obra-prima literária de Aldous Huxley, publicada na década de 30.

Leonardo DiCaprio, que trabalhou com o diretor no mediano Rede de Mentiras, será o astro do filme. Além disso, assume o papel de produtor. Good for you, Leo! Aliás, paro um segundo para aplaudir o guri favorito de Martin Scorsese. Muitos desdenharam de seu potencial quando as garotinhas gritaram histericamente por sua juventude, que rivalizou com os Beatles e Sandy & Júnior, na época de Romeu + Julieta, de Baz Luhrmann, e principalmente Titanic, de James Cameron. Mas de lá para cá, Leo só escolheu filmão. Ou, pelo menos, projetão. Muitos deram certo - basta lembrar de seus trabalhos com Marty, além de Prenda-Me Se For Capaz, de Steven Spielberg, e Foi Apenas um Sonho, de Sam Mendes. Foram experiências que certamente contribuiram para a evolução de Leo como ator, bem como seu interesse pela sétima arte. Atualmente, ele filma Inception, ficção científica dirigida por Christopher "The Dark Knight" Nolan.

Isso prova que o livro de Aldous Huxley está em boas mãos. A história de Bernard (provavelmente o papel de Leonardo DiCaprio), que desafia o sistema no controle de uma sociedade futurista, já ganhou um filme para a TV nos anos 80 e uma música do Iron Maiden, Brave New World, que também é o nome do álbum lançado pela banda em 2000.

Admirável Mundo Novo, de Ridley Scott, ainda não tem previsão de estreia, mas fique ligado aqui no blog para novidades em relação à produção. O roteiro será de Farhad Safinia, de Apocalypto.

Zumbis não são páreos para Woody Harrelson

2009-08-06T14:49:00.010-03:00

Tirem as crianças da sala, porque o ator não deixa morto vivo
algum de pé no novo trailer de "Zombieland"

As prévias desta comédia estão cada vez melhores. Zombieland está com jeito de se tornar um inesquecível filme de zumbi. E o último trailer (veja abaixo) é de matar - com o perdão do trocadilho -, afinal este é o clima do longa dirigido pelo estreante Ruben Fleischer.

Após O Povo Contra Larry Flynt, Woody Harrelson tem outra grande chance para ser imortalizado no cinema. Em Zombieland, ele é Tallahassee. Sim, eu disse TALLAHASEE. Tudo a ver com essa figura. Enfim, o sujeito não sente medo de coisa alguma e vive num mundo dominado por zumbis imbecis. Na mira deste intrépido caipira, que ainda recebe a ajuda de Jesse Eisenberg, de A Lula e a Baleia, Emma Stone, de Superbad, e Abigail Breslin, a nossa Pequena Miss Sunshine, os mortos vivos não têm a mínima chance.

Você pode considerar heresia, mas desde já começo minha campanha para Woody Harrelson no Oscar. Zombieland estreia nos EUA em 9 de outubro. No Brasil, só em 4 de dezembro.

Pau pra toda obra

2009-08-05T14:50:00.009-03:00

Mestres do entretenimento nos últimos anos, Peter Jackson e Steven Spielberg

sustentam suas marcas no cinema da próxima década

ATENÇÃO! GÊNIOS TRABALHANDO!

Já reparou que os nomes dos cineastas Peter Jackson e Steven Spielberg estão envolvidos em quase todos os grandes projetos que tomarão as telonas de assalto nos próximos anos? Vejo isso com bons olhos, afinal eles não estarão aqui para sempre. Se Spielberg influenciou muita gente dentro e fora do cinema, acredito que Peter Jackson é um dos caras que pode dar continuidade ao legado de Hollywood no que diz respeito ao estilo "dream maker".

Há mais de 30 anos que temos o americano Steven Spielberg como o principal nome ligado à diversão dentro de uma sala de cinema desde que Walt Disney passou por este mundo cruel. Deixo até você parar e pensar numa marca tão forte entre crianças e adultos quanto a de Spielberg durante as três últimas décadas. Sei, George Lucas. Mas Star Wars é maior que seu criador. Vai, continue, eu espero. Não? Ok, vamos continuar.

Spielberg quis provar a si próprio (e ao planeta) que poderia ser adulto como qualquer um e fez A Cor Púrpura, A Lista de Schindler, O Resgate do Soldado Ryan, Amistad, Munique, entre outros. Coisa de jovem. Mas do meu primo de oito até minha avó de oitenta, todo mundo sabe que ele nasceu para filmar histórias com um pezinho na fantasia. Vide E.T. e as aventuras de Indiana Jones, além de sua contribuição como produtor em Fievel, De Volta Para o Futuro, O Enigma da Pirâmide, Gremlins e Os Goonies. Você conhece Steven Spielberg.

Alguns acham que ele não fez tanto por este século quanto no anterior. Mas além de diretor, Spielberg foi homem de negócios. Abriu e administrou mais um estúdio para a indústria, a Dreamworks. Girou o capital e trouxe novos cineastas como Sam Mendes, que faturou o primeiro Oscar de Melhor Filme para o seu estúdio, por Beleza Americana. Mas isso foi em 1999. Em 2000, aprovou Ridley Scott, que andava por baixo, para dirigir Gladiador, que rendeu mais um Oscar para a Dreamworks - o estúdio seria tricampeão no ano seguinte com Uma Mente Brilhante.

Como diretor, nesta década, Spielberg foi grande. Seria injusto negar. Particularmente, coloco A.I. - Inteligência Artificial entre as melhores coisas que vi nos últimos anos. Também adoro Minority Report, Prenda-Me Se For Capaz, O Terminal e Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal. Só não simpatizo tanto com Munique, embora obviamente seja um excelente filme. Produziu Transformers I e II, que bem ou mal fizeram um dinheirão. De quebra, ainda pensa na evolução da TV ao se dedicar a minisséries como Taken, Band of Brothers e a nova The Pacific. Atualmente está envolvido com a pós-produção da primeira parte de As Aventuras de Tintin, adaptação para o cinema dos quadrinhos de Hergé, que tem produção de Peter Jackson. Este, aliás, será o diretor do segundo da série. Spielberg passará para a função de produtor e a parceria entre os dois não acontece por acaso.

Nesta década, o neozelandês Peter Jackson ganhou a sorte grande ao bater o pé para levar a trilogia O Senhor dos Anéis, de J.R.R. Tolkien, aos cinemas. Com o sucesso, recebeu carta branca para rodar um remake decente (e espetacular) de King Kong, seu filme favorito (o de 1933, claro). Agora, prepara o lançamento de Um Olhar do Paraíso para a Dreamworks, diga-se de passagem. O filme estreia no fim do ano nos EUA e em janeiro no Brasil.

Somente em 2009, Peter Jackson esteve envolvido com a produção da ficção científica Distrito 9, além da direção de Um Olhar do Paraíso e o roteiro de O Hobbit, que logo estará finalizado. Guillermo Del Toro será o diretor. Jackson também produzirá o filme, que será dividido em duas partes com estreias prometidas para 2011 e 2012 respectivamente. E ele ainda não desistiu das adaptações da série de livros Temeraire e do game Halo.

Mas será que Hollywood vê Peter Jackson como o "sucessor" de Steven Spielberg? É uma hipótese a ser considerada. Ainda mais se As Aventuras de Tintin der certo. Vão adorar estampar tablóides de sites sensacionalistas com esse rótulo furado de "Novo Spielberg". Incrível como o jornalismo que chega ao público se prende a bobagens como esta. Mas não existe isso. Um ajuda o outro. Um influencia o outro. Eles podem ser amigos e acreditar num tipo de cinema que outros não acreditam e... só. O importante nisso tudo é compreender que Peter Jackson é capaz de manter a boa qualidade do cinema de entretenimento imaginado por Steven Spielberg anos atrás. Isso quando tem muita gente, que só quer saber de fazer dinheiro, se esforçando para jogar os filmes divertidos na privada.

Steven Spielberg e Peter Jackson não estão pensando somente em seus bolsos. Mais do que diretores, eles são visionários. Projetam o cinema do futuro. Podem até explorar os limites da tecnologia, mas não esquecem como se conta uma história. Torço por eles. E pelos jovens diretores que os admiram.

Veja o lindo trailer de Um Olhar do Paraíso

2009-08-04T16:35:00.007-03:00

Novo filme de Peter Jackson chega ao Brasil em janeiro

Saiu o trailer de Um Olhar do Paraíso, novo filme de Peter Jackson (O Senhor dos Anéis, King Kong). Parece que o diretor caprichou na caracterização de cada personagem e, claro, no visual que dá vida, movimento e cores às páginas do livro The Lovely Bones, de Alice Sebold, que no Brasil chama-se Uma Vida Interrompida - Memórias de um Anjo Assassinado.

É a história de Susan Salmon (Saoirse Ronan), que chega ao Céu após ser estuprada e assassinada pelo vizinho (Stanley Tucci). Lá de cima (ou bem de perto), a garota observa sua família, que ainda chora sua morte, assim como amigos e o próprio algoz. O elenco ainda tem Rachel Weisz, Susan Sarandon e Mark Wahlberg. Veja o trailer abaixo.

Um Olhar do Paraíso estreia dia 22 de janeiro de 2010 nos cinemas brasileiros.

Virtual Self Industries lança campanha publicitária

2009-08-04T11:39:00.011-03:00

Modelos cibernéticos ilustram as seis novas propagandas da companhia

Calma, o blog não foi vendido, nem entrou no ramo publicitário. As seis peças destacadas neste post pertencem à campanha de divulgação do filme Surrogates, ficção científica estrelada por Bruce Willis. A trama se passa em 2054, quando grande parte da humanidade descansa de suas obrigações domésticas e profissionais, enquanto suas réplicas perfeitas - fabricadas pela tal Virtual Self Industries - fazem todo o trabalho chato diariamente.

Mas este "futuro dos sonhos" está ameaçado por um terrorista, que começa a matar os andróides que encontra pelo caminho. Bruce Willis entra na jogada para impedi-lo. Ele tem a ajuda de sua cópia perfeita, que faz seu trabalho como policial. Enquanto o folgadão acompanha o caso à distância, seu replicante encara a investigação nas ruas.

O roteiro de Michael Ferris e John Brancanato (O Exterminador do Futuro 3) é inspirado na HQ de Robert Venditti e Brett Weldele, publicada em 2005 nos EUA.

Hmm... Não sei... Mas não parece a mesma ideia que ilustrou uma das campanhas de Terminator: The Sarah Connor Chronicles, com a gatinha Summer Glau?

Surrogates tem direção de Jonathan Mostow (U-571, O Exterminador do Futuro 3) e além de Bruce Willis, o elenco é formado por Ving Rhames, Radha Mitchell, Rosamund Pike e Ned Vaughan.

O filme chega ao Brasil no dia 16 de outubro. Se ainda não viu o trailer, clique aqui.

Fechamento de Julho

2009-08-03T11:08:00.020-03:00

10 Grandes Filmes sobre o Espírito do Rock
Lista relembra um "gênero involuntário" do cinema no Dia Mundial do Rock

Ryan Reynolds é o Lanterna Verde
Ator de "A Proposta" é escolhido para viver o herói nas telas

Sandra Bullock Ainda Bate um Bolão
Estrela retorna às comédias românticas em "A Proposta"

A Proposta
Sandra Bullock e Ryan Reynolds garantem duas horas de ótima diversão

Harry Potter... Até Aqui
Breve análise dos cinco filmes da série antes da estreia de "O Enigma do Príncipe"

Harry Potter e o Enigma do Príncipe
Por que este é o filme mais fraco da série?

Os Destaques da Comic-Con 2009
"Avatar" foi uma das principais atrações da maior feira nerd do planeta

O Cinema Faz as Malas Para Veneza e Toronto
Os destaques dos dois festivais que rolam em setembro

10 Anos sem Stanley Kubrick
Homenagem a um dos maiores cineastas do século passado

Johnny Depp é o Cara
Os cinco grandes momentos do astro de "Inimigos Públicos"

Inimigos Públicos
Um dos melhores filmes do ano

Ridley Scott vai dirigir prequel de Alien - O Oitavo Passageiro
Ok, mas isso é bom ou ruim?

A Era do Gelo 3

Carlos Saldanha entrega aventura que fala a língua de crianças de todas as idades

Os Indicados ao Emmy Awards
"30 Rock" lidera com 22 indicações

A Academia Indica, Nós Comentamos (e Torcemos)

Comentários sobre as indicações ao Emmy Awards

Inimigos Públicos

2009-07-31T15:58:00.014-03:00

Esqueça Fogo Contra Fogo, o épico policial de Michael Mann que coloca Al Pacino Vs. Robert De Niro em lados opostos da lei. Pelo menos enquanto você estiver absorvendo Inimigos Públicos (Public Enemies, 2009), o 10º filme do diretor que também fez O Informante e Colateral. Alguns críticos estão errando ao dizer que o foco é o antagonismo entre o gângster John Dillinger (Johnny Depp) e o agente Melvin Purvis (Christian Bale). Inimigos Públicos também não é uma cinebiografia de John Dillinger. É sobre a ordem e a desordem andando lado a lado. É sobre o mito de um gângster e como sua fama afetou as pessoas ao seu redor - entre anônimos, agentes, sua namorada (Billie Frechette, interpretada por Marion Cottilard) e, principalmente, ele mesmo. Esse é o filme que você deve ver. Dessa forma, dá para aproveitar a bela obra de arte que Michael Mann entregou.

Nunca vi personagem tão ingenuamente egocêntrico quanto o John Dillinger de Johnny Depp e Michael Mann. Egocêntrico sim, mas jamais egoísta. Para começo de conversa, Depp constrói um Dillinger que não consegue acreditar que será vencido pelo sistema. Como se fosse invencível; um verdadeiro Clark Gable, um herói romântico do cinema em seu filme particular. Ele pode ser preso ou nocauteado, mas sempre escapará ou dará a volta por cima para continuar fazendo o que mais gosta: Roubar bancos. E mesmo se terminar morto pelas forças da lei, Dillinger parece acreditar naquilo que sabemos hoje em dia: Ele é uma lenda.

É um daqueles astros da vida real que desafiaram as regras, o sistema. Como Billy The Kid e Jesse James. Mas Depp e Mann nunca deixam Dillinger se entusiasmar com os holofotes. Sempre quando começa a brilhar, ele leva uma direita no queixo para pensar um pouco e se levantar com dignidade. Não é exatamente (e nem deveria ser) o John Dillinger que viveu, de fato, naquela época. Esse é o John Dillinger de Michael Mann e Johnny Depp.

A história do filme começa em 1933, em plena Era da Depressão. Dillinger e sua gangue roubam dinheiro dos bancos. Não do povo. E naquele período de miséria, desemprego, fome e morte, a plebe idolatrou os feitos de Dillinger, enquanto autoridades se tornaram alvos fáceis das rajadas de balas dos gângsteres e das críticas populares, ficando completamente perdidas no jogo de gato e rato proposto pelos foras da lei. É por isso que Melvin Purvis (Christian Bale) não negocia. Para ele, chega de fazer papel de bobo. O cara atira para matar, e depois pergunta. Simples assim. Após acabar com a raça do gângster Pretty Boy Floyd (Channing Tatum) ao som da incrível canção Ten Million Slaves, de Otis Taylor (obrigado por isso, Michael Mann), Purvis é contratado pelo inescrupuloso J. Edgar Hoover (Billy Crudup) para organizar um bureau com o objetivo de capturar os gângsteres vivos ou mortos. E você conhece bem Hoover e esse tal bureau, que ainda engatinha em Inimigos Públicos.

Do lado do povo (e de John Dillinger), Michael Mann trata os federais como os vilões da história. Dillinger e sua trupe ganham um verniz heróico, mesmo escrevendo por linhas tortas. Como as semelhanças e diferenças entre Robin Hood e o Xerife de Nottingham. Parte do charme da história está aqui: Os Inimigos Públicos do título são mocinhos e bandidos ao mesmo tempo.

De certa forma, essa realidade não tão alternativa de Michael Mann caminha de braços dados com o fim da Era Bush, que confundiu o povo sobre quem estava do lado certo e quem estava do lado errado. Aos poucos, John Dillinger percebe que sua época de glórias está chegando a um fim forçado. Os agentes do bureau de Hoover estão se modernizando, evoluindo em armas, tecnologia, além de estudo e conhecimento das mentes criminosas, tornando-se cada vez mais implacáveis.

É um ponto de vista reconhecido no cinema de John Ford ou mesmo em vários filmes de gângsteres inspirados em personagens reais que viveram a época de John Dillinger, Baby Face Nelson, Al Capone e Pretty Boy Floyd. Vimos o fim de uma era também no remake de Scarface, de Brian De Palma, ou em Onde os Fracos Não Têm Vez, dos Irmãos Coen, ou Butch Cassidy, de George Roy Hill. Embora seus "heróis" saibam que seus mundinhos particulares estão virando capítulos anteriores de livros de histórias, eles se recusam a admitir tal mudança. John Dillinger, mesmo perseguido, não foge do campo de batalha, inclusive visita a casa do inimigo numa cena extraordinária. Pior do que isso, ele tem tempo para namorar e ir ao cinema. Em seu mundo, ele pode estar numa sala lotada exibindo um filme popular, e mesmo assim, sabe que jamais será identificado como um inimigo público nº1.

Inimigos Públicos é fantasia e realidade. Remete ao passado e ao futuro da História, inclusive do cinema. É uma homenagem aos astros e aos cineastas que glorificaram a imagem desses "bandidos" - e digo "imagem" quando quero discutir o perfil de cada personagem e a fotografia utilizada em cena. Ao longo dos anos, diretores contaram a mesma história. Só que alguns lançaram olhares diferenciados e tentaram contribuir para o visual e a narrativa do cinema. A própria realização de Inimigos Públicos remete a isso. Acima de tudo, é uma homenagem à Era de Ouro de Hollywood, sem deixar de chacoalhar não o futuro, mas o presente da sétima arte.

Em cena, John Dillinger é assim. Pensa no aqui e agora. Essa é a sua qualidade e, ao mesmo tempo, sua maior falha. Se baseando nesses princípios, Johnny Depp cria um personagem eterno pelo modo de andar e de se encaixar dentro das belas roupas escolhidas para o filme, assim como pelo jeito de olhar. Depp não exagera, mas também não cai no minimalismo. A cena magnífica do cinema, em que todos olham para a direita e para a esquerda, menos Dillinger, traz Depp em seu momento máximo dentro do personagem. Aquela cena mostra quem é o John Dillinger deste filme. Egocêntrico, ingênuo, mas nunca uma pessoa má.

Alguns podem reclamar da atuação de Christian Bale, seríssimo como o agente Melvin Purvis. Mas isso é explicado pela venda de sua alma a J. Edgar Hoover. Workaholic, você conhece o tipo, vive para caçar John Dillinger. Ele não tem tempo para cervejinhas, mulheres e futebol. O próprio gângster reconhece o perfil do agente na única cena em que Depp e Bale contracenam (lembre-se de Fogo Contra Fogo, em que Pacino e De Niro dividiram apenas um plano). Dillinger sabe que Purvis passa suas noites em claro e não tem vida social. Purvis retruca: "O que lhe tira o sono à noite, Sr. Dillinger?" O canalha devolve: "Café!" Genial, não? A resposta define John Dillinger neste filme. Como eu disse, ele pensa no aqui e agora. Não há planos para amanhã.

E tem Marion Cottilard... Que mulher! Que atriz! No meio de tantos homens à beira da morte, Marion surge como um colírio para os olhos e a mente. Que talento essa mulher tem para simplesmente preencher a tela sem dizer coisa alguma. Ela tem o coração de Dillinger e também sua alma. Em poucos minutos, ele a corteja e entendemos sua preferência. Dói quando vemos Marion sofrendo em cena. Mesmo com tantos homens no elenco, Michael Mann faz Marion comer o pão que o Diabo amassou na parte mais violenta do filme. Ver seu choro dominando a última cena é de cortar o coração. Mann escolheu a atriz certa para o papel. Ouvir Bye Bye Blackbird, de Billie Holiday, e lembrar da morena Marion será inevitável daqui pra frente. Ela é a emoção à flor da pele que os personagens machos deste filme tentam esconder.

Voltando às questões de evolução visual e narrativa, Mann idolatra o velho e o novo cinema. Não brinca, mas testa, arrisca. Filma da forma que mais gosta - com câmera digital na mão captando imagens de alta definição. Inimigos Públicos usa e abusa do recurso num filme que se passa em interiores escuros e ambientes dominados pela sombra. Posso dizer que Inimigos Públicos é expressionista?

A fotografia do italiano Dante Spinotti (indicado ao Oscar por O Informante, de Mann, e Los Angeles - Cidade Proibida) alcança a perfeição mesmo quando nossos olhos insistem em transmitir ao cérebro que há imperfeição. Repare nas cenas iluminadas pela imprensa no meio da multidão ou nos clarões do fogo disparado pelas metralhadoras.

Como de costume, certo ou errado (não importa), Mann consegue ser intenso, violento, cruel, filma seus heróis e vilões bem de perto com a câmera grudada em seus rostos, como se fossem técnicos de futebol nas coletivas após os jogos. Coloca sua câmera como se estivesse grudada ao pé da orelha de uma pessoa para captar o que ela está vendo. É um choque visual para o habitual glamour dos filmes de gângster, mas que pode dar novo fôlego ao "gênero". Inimigos Públicos é furioso, romântico, ensurdecedor, poético e cheira à pólvora. É um dos melhores filmes do ano. E da década.

Inimigos Públicos (Public Enemies, 2009)
Direção: Michael Mann
Roteiro: Ann Biderman, Michael Mann e Ronan Bennett (Inspirado no livro Public Enemies: America's Greatest Crime Wave and the Birth of the FBI, 1933-34, de Brian Burrough)
Elenco: Johnny Depp, Christian Bale, Marion Cotillard, Jason Clarke, Stephen Dorff, Billy Crudup, Branka Katic e Stephen Graham

Ridley Scott vai dirigir prequel de Alien

2009-07-31T14:35:00.006-03:00

Há algum tempo já circulavam boatos e informações concretas sobre a retomada da cinessérie Alien, pela Fox (sem o Predador, claro). Chegaram a confirmar uma prequel para o clássico Alien - O Oitavo Passageiro. Melhor: Com produção de Ridley Scott, o diretor do filme original. Mas hoje temos novidades alienígenas: De acordo com a Variety, o próprio Ridley Scott vai dirigir a prequel de Alien.

Ainda não tenho opinião formada sobre essa notícia, mas é preferível ter Ridley Scott no comando de Alien do que algum zé mané sem raça e qualquer identificação com este universo.

Sou fã xiita do filme original de 1979, um dos melhores de todos os tempos, e da sequência (Aliens - O Resgate) dirigida por James Cameron. O resto é resto. O terceiro filme (Alien 3), pelo menos, serviu para trazer David Fincher (Seven, Clube da Luta, O Curioso Caso de Benjamin Button) dos videoclipes para o cinema. Só.

O fato é que Ridley Scott, também diretor de Blade Runner, jamais deveria ter deixado a ficção científica para trás. Ele acerta aqui e ali, mas erra muito, até porque filma demais. O sujeito não descansa. Por isso mesmo, deveria arriscar mais pelo terreno da ficção científica, onde emplacou dois clássicos modernos. Mas, sinceramente, eu esperava que ele voltasse ao gênero com alguma novidade e não revisitando Alien ou Blade Runner, que deveriam ficar em paz em DVD e Blu-ray.

Mas vamos ver no que dá e torcer pra dar certo. A série Alien surgiu grande, mas foi perdendo força aos poucos até cair no ridículo quando cruzou com o coleguinha Predador. Porém, sinto que se tem um cara que pode salvar a franquia, este é Ridley Scott. Se não der certo com ele, não dará com mais ninguém.

Agora, levante a mão quem já pensou em Russell Crowe para enfrentar o monstrengo!

Boas novas de Veneza e Toronto

2009-07-30T14:10:00.009-03:00

Saiu a lista oficial de filmes da 66ª edição do Festival de Veneza, que acontece de 2 a 12 de setembro. No mesmo mês, o Festival de Toronto também dá o ar de sua graça. Mas com todo o respeito aos canadenses, vamos começar pela cidade mais bonita.

Concorrendo ao Leão de Ouro, temos grandes diretores como Giuseppe Tornatore, com Baaria, Werner Herzog, com Bad Lieutenant, além de filmes esperados como The Road, de John Hillcoat, em seu primeiro teste de verdade para se firmar como um dos favoritos ao Oscar 2010.

Fora de competição, destaque para The Hole, que marca a volta de um diretor que gosto muito: Joe Dante. É o cara responsável por Grito de Horror, Gremlins, Viagem Insólita e Meus Vizinhos São um Terror. Estava sumido. Também temos The Men Who Stare at Goats, de Grant Heslov, o roteirista de Boa Noite e Boa Sorte. O filme, claro, traz o amigo George Clooney no elenco. Tem Steven Soderbergh e Matt Damon, em The Informant!, e Abel Ferrara apresentando seu Napoli Napoli Napoli. Em mostra paralela, o destaque é a presença de duas produções nacionais: O filme Insolação e o documentário Viajo Porque Preciso, Volto Porque Te Amo. Veja abaixo.

Mostra competitiva

Baaria, de Giuseppe Tornatore (Itália)
Soul Kitchen, de Fatih Akin (Alemanha)
La Doppia Ora, de Giuseppe Capotondi (Itália)
Accident, de Cheang Pou-Soi (China/ Hong Kong)
Persecution, de Patrice Chereau (França)
Lo Spazio Bianco, de Françasca Comencini (Itália)
White Material, de Claire Denis (França)
Mr. Nobody, de Jaco van Dormael (França)
A Single Man, de Tom Ford (EUA)
Lourdes, de Jessica Hausner (Áustria)
Bad Lieutenant, de Werner Herzog (EUA)
The Road, de John Hillcoat (EUA)
Between Two Worlds, de Vimukthi Jayasundara (Sri Lanka)
The Traveller, de Ahmed Maher (Egito)
Lebanon, de Samuel Maoz (Israel)
Capitalism: A Love Story, de Michael Moore (EUA)
Women Without Men, de Shirin Neshat (Alemanha)
Il Grande Sogno, de Michele Placido (Itália)
36 vues du Pic Saint Loup, de Jacques Rivette (França)
Survival of the Dead, de George Romero (EUA)
Life During Wartime, de Todd Solondz (EUA)
Tetsuo The Bullet Man, de Shinya Tsukamoto (Japão)
Prince of Tears, de Yonfan (Hong Kong)

Fora de competição

REC 2, de Jaume Balaguero e Paco Plaza (Espanha)
Chengdu, I Love You, de Fruit Chan e Cui Jian (China)
The Hole, de Joe Dante (EUA)
The Men Who Stare at Goats, de Grant Heslov (EUA)
Scheherazade, Tell Me a Story, de Yousry Nasrallah (Egito)
Yona Yona Penguin, de Rintaro (Japão)
The Informant!, de Steven Soderbergh (EUA)
Napoli Napoli Napoli, de Abel Ferrara (Itália)
Anni Luce, de Françasco Maselli (Itália)
L'oro di Cuba, de Giuliano Montaldo (Itália)
Prove per una tragedia siciliana, de John Turturro e Roman Paska (Itália)
South of the Border, de Oliver Stone (EUA)

Mostra Horizontes

Françasca, de Bobby Paunescu (Romênia)
One-Zero, de Kamla Abou Zekri (Egito)
Buried Secrets, de Raja Amari (Tunísia)
Tender Parasites, de Christian Becker e Oliver Schwabe (Alemanha)
Adrift, de Bui Thac Chuyen (Vietnã)
Crush, de Petr Buslov e outros (Rússia)
Repo Chick, de Alex Cox (EUA)
Engkwentro, de Pepe Diokno (Filipinas)
The Man's Woman and Other Stories, de Amit Dutta (Índia)
Paraiso, de Hector Galvez (Peru)
Io sono l'amore, de Luca Guadagnino (Itália)
Cow, de Guan Hu (China)
Judge, de Liu Jie (China)
Pepperminta, de Pipilotti Rist (Suíça)
Tris di donne e abiti nunziali, de Martina Gedeck (Itália)
Insolação, de Daniela Thomas e Felipe Hirsch (Brasil)
1428, de Du Haibin (China)
Viajo Porque Preciso, Volto Porque Te Amo, de Marcelo Gomes e Karim Ainouz (Brasil)
Once Upon A Time Proletarian: 12 Tales of a Country, de Guo Xiaolu (China)
Villalobos, de Romuald Karmakar (Alemanha)
Il colore delle parole, de Marco Simon Puccioni (Itália)
The One All Alone, de Frank Scheffer (Holanda)
Toto, de Peter Schreiner (Áustria)

DE VENEZA PARA TORONTO
Irmãos Coen lançam "A Serious Man" no Festival de Toronto. O trailer já está na rede.

Os incansáveis irmãos cineastas (e loucos) Joel Coen e Ethan Coen, criadores de Fargo, Arizona Nunca Mais, Onde os Fracos Não Têm Vez, Barton Fink e Queime Depois de Ler, estão preparados para ver (e ouvir) as primeiras reações de público e crítica a respeito de A Serious Man, o novo trabalho da dupla. A premiére mundial será no Festival de Toronto, em setembro. O filme chega aos cinemas americanos somente em 9 de outubro. No Brasil, em 4 de dezembro. Mas você já pode conferir o trailer. Veja abaixo.

Ansiedade Pós-Comic-Con 2009

2009-07-29T15:29:00.025-03:00

A Comic-Con é a maior feira de cultura pop da parte ocidental da Terra. De 22 a 26 de julho, San Diego foi mais uma vez o centro das atenções de cinéfilos nerds e nerds cinéfilos. É lá que todos ficam sabendo das novidades que estão por vir no mundo habitado por quem tem um parafuso a menos. É toda a educação que meninos e meninas precisam.

Entre painéis, coletivas, atores, atrizes, diretores, gente fantasiada e, principalmente, feliz, a Comic-Con 2009 antecipou detalhes sobre filmes, games, séries de TV e quadrinhos que podem influenciar crianças de todas as idades nos próximos anos - com uma atenção especial a 2010, claro. Abaixo, eis alguns pontos que me acertaram em cheio.

- Tim Burton falou pela primeira vez sobre seu Alice no País das Maravilhas, que estreia dia 5 de março de 2010. Disse que o 3-D está lá para ajudar a contar a história. E que optou por utilizar seus atores ao vivo e a cores sem recorrer à captura de movimentos. Bom, pelo menos, acho que isso não se aplica à personagem de Helena Bonham Carter, eu acho. O fato é que está cada vez mais difícil para os nossos olhos diferenciarem o que é real ou não. Não acredita? Então veja o trailer que foi apresentando na Comic-Con.

- Mas foram os tão falados 25 minutos de Avatar, o novo filme de James Cameron, que dominaram a Comic-Con 2009. Não faltaram palavras como "revolucionário" e expressões como "divisor de águas". Mas será que o cinema vai mesmo mudar depois de Avatar? Após assistir a O Senhor dos Anéis, de Peter Jackson, o diretor James Cameron decidiu sair do exílio pós-Titanic para realizar um sonho de criança: Levar sua história de menino (Avatar) às telas. Na Comic-Con, disse que 100% do que imaginou está no filme. Você pode não concordar, mas acho que Cameron jamais errou. E não acredito que ele voltaria 12 anos depois somente para ganhar mais um bilhão de dólares. HELLO! Ele é o diretor de Titanic. Então é bobagem acusá-lo de qualquer outra palavra que não seja sinônimo de megalomaníaco. Agora, precisamos esperar pelo dia 21 de agosto, quando o trailer será liberado, além de um clipe de 15 minutos, que será exibido em salas IMAX 3-D do mundo inteiro. Mas só descobriremos exatamente o que James Cameron pretende com Avatar em 18 de dezembro, quando o filme finalmente estreia. Ah, o diretor ainda disse que prepara o retorno de Titanic aos cinemas em versão 3-D. Possivelmente, isso também acontecerá com O Exterminador do Futuro 2.

Arte conceitual de Avatar

- Peter Jackson contou que ainda está trabalhando no roteiro de O Hobbit, prequel de O Senhor dos Anéis. Disse para os fãs manterem a calma, porque não há roteiro pronto e nem mesmo orçamento aprovado. Por tudo isso, Peter Jackson e o diretor Guillermo Del Toro não escolheram o ator que viverá o jovem Bilbo Bolseiro (interpretado na trilogia por Ian Holm). Aliás, disse que Del Toro terá liberdade total para conduzir O Hobbit, precisando apenas, é claro, respeitar as locações da Terra-Média criadas na trilogia e os estilos de cada personagem visto em O Senhor dos Anéis. O filme, no entanto, será mesmo dividido em duas partes com estreias previstas para 2011 e 2012. Enfim, nada de novo. Peter Jackson nem mesmo decidiu qual será a história de Tintin que continuará The Secret of the Unicorn, que Steven Spielberg já rodou. Se você não sabe, Spielberg e Jackson trabalham juntos em The Adventures of Tintin, feito com captura de performance e tecnologia 3-D. O primeiro, The Secret of the Unicorn, dirigido por Spielberg e produzido por Jackson, estreia em 2011. O segundo, a ser dirigido por Jackson e produzido por Spielberg, só Deus sabe.

- Enquanto acompanhava a exibição de trechos de seu novo filme, 2012, o cineasta Roland Emmerich (Independence Day, Godzilla, O Dia Depois de Amanhã) comentou sobre a responsabilidade de dirigir a versão cinematográfica da trilogia Fundação, livros clássicos de Isaac Asimov. Embora não haja cronograma definido, o primeiro filme pode chegar às telas em 2011. Na Comic-Con, o diretor revelou o nome do roteirista: Robert Rodat, indicado ao Oscar por O Resgate do Soldado Ryan, mas que também cometeu O Patriota para o próprio Emmerich. O curioso é que os três livros de Asimov (Fundação, Fundação e Império, e Segunda Fundação) não têm nada a ver com o estilo de Emmerich. Diria que Stanley Kubrick, se estivesse vivo, deveria ser o diretor. Sentiu o drama? É sério. Estou preocupado.

A moto de Tron Legacy

- Antes eu era da turma do "só acredito vendo", mas Tron Legacy não é lenda. A sequência de um dos filmes mais legais e revolucionários dos anos 80 vai mesmo acontecer. Para variar, em 3-D. No ano passado, a Comic-Con mostrou as primeiras cenas, que foram liberadas para a rede somente agora (veja abaixo). Mas na edição deste ano, com a presença de Jeff Bridges (protagonista do original de 1982), além da atriz Olivia Wilde e os cineastas Steven Lisberger (diretor do primeiro filme; produtor e roteirista do segundo) e Joseph Kosinski, que comanda Tron Legacy, a Disney provou que não é brincadeira e, de quebra, apresentou a moto iluminada da nova versão, que tem estreia prevista para novembro ou dezembro de 2010. E será interessante ver como Tron se encaixa neste milênio. Em 82, não existia a geração internet e os games eram da idade da pedra. Sim, Tron antecipou muito do futuro que conhecemos hoje. Mas será que Tron Legacy ditará alguma coisa?

A Proposta

2009-07-28T11:48:00.012-03:00

Quando a doce Audrey Hepburn entrou na terceira idade, você passou a ir ao cinema atrás de uma comédia romântica esperando somente por mais do mesmo, certo? É a pura verdade, até porque quando um diretor tenta explorar algo novo dentro do gênero - Sofia Coppola (Encontros e Desencontros) ou Paul Thomas Anderson (Embriagado de Amor) por exemplo -, a massa se irrita, mas os críticos adoram. Quando unem o útil ao agradável - James L. Brooks (Melhor É Impossível) ou Peter Weir (Green Card) -, todo mundo sai feliz. Só que na temporada rentável do verão americano, Hollywood quer saber mesmo é de faturar. É inocência demais esperar por algo especial.

Inocência... Palavra interessante para definir o perfil do público fiel de comédias românticas. Pessoas sonhadoras, que acreditam no amor verdadeiro. E ele existe. Mas o sentimento dentro deste gênero de filme andava sem porta-voz. Meg Ryan, Julia Roberts e Sandra Bullock já passaram da casa dos quarenta anos e parece que o cinema americano ainda não encontrou uma substituta à altura desse trio. Muito menos à altura de Audrey Hepburn.

E é por causa de Sandra Bullock que A Proposta (The Proposal, 2009) funciona tão bem. Mesmo com seus vários clichês. Mesmo com uma trama previsível da primeira à última cena. Ainda assim, mesmo com uma ou outra cena brega, o filme é emocionante e divertido. Ora bolas, assim é o amor.

Eu creditei o sucesso do filme à quarentona Sandra Bullock, ainda cheia de carisma, com a energia de uma menina, e mais madura como atriz, mas esqueci do novo astro Ryan Reynolds, que é uma grande promessa. O filme não é inteiramente de Sandra. É dos dois. É da química entre a dupla que o filme acontece e se torna verossímil, cativante.

Sandra é Margaret Tate, o Diabo vestindo Prada em A Proposta. Editora de livros durona, sem coração, ela é a típica chefe sem vida social, que desconta suas amarguras nos funcionários. Mas que, aos poucos, mostra que é humana como qualquer outra pessoa. Reynolds é Andrew Paxton, seu assistente. Filho de família rica, ele entrou numa cruzada idealista, sonhando ser editor como a chefe, além de ver seu livro publicado em um futuro não muito distante. Por isso, suporta as grosserias de Margaret. Mas a chefinha cai do pedestal ao ser obrigada a voltar para o Canadá, seu país de origem, quando seu visto é negado. Dona de ideias rápidas, que não negam sua dedicação ao lado profissional, ela diz aos seus superiores que irá se casar com o pobre Andrew. Ele aceita a proposta com duas condições: Margaret será obrigada a promovê-lo a editor e a publicar seu livro. Feito. Agora, o "casal" só precisa sobreviver a um final de semana com a família de Andrew - o que pode convencer de vez o agente da imigração.

Enfim, você já sabe como isso vai acabar. Mas Sandra Bullock e Ryan Reynolds são ótimos. Mesmo com ela sendo bem mais velha do que ele, o roteiro de Pete Chiarelli e a atuação da dupla convencem a plateia de que ambos podem (e devem) se apaixonar. Além disso, Sandra Bullock e Ryan Reynolds unem boa forma física e carisma - tudo o que Hollywood quer. Mais: Sabem ser durões de corações moles. Sem canastrice.

De quebra, A Proposta tem bons coadjuvantes como Craig T. Nelson, Mary Steenburgen e a bela Malin Akerman. Mas quem brilha é a veterana Betty White, como a avó de Andrew. Quem pensa que brilha é Oscar Nuñez, da série The Office. Mesmo com uma cena grotesca numa floresta - na companhia de Sandra Bullock -, a Sra. White segura bem a onda. E ela tem um momento fantástico no final. Já Nuñez protagoniza cenas constrangedoras, que não fariam a mínima falta ao filme. Mas, ok, você sai do cinema sorrindo. É a maior prova de que A Proposta cumpre o que promete.

Um olhar mais atento ainda vai fazer um paralelo entre A Proposta e Green Card, o belo filme de Peter Weir, com Gérard Depardieu e Andy MacDowell, sobre um "casal falso", que se une para garantir a permanência do francês nos EUA da moça. Mas é inútil fazer outro tipo de comparação entre o filme de Anne Fletcher, que dirigiu Vestida Para Casar, e Peter Weir, um gênio que realizou A Testemunha, Sociedade dos Poetas Mortos, O Show de Truman e Mestre dos Mares. A Proposta é apenas mais do mesmo. Mas com o diferencial de Sandra Bullock e (surpresa) Ryan Reynolds. Já está de bom tamanho.

A Proposta (The Proposal, 2009)
Direção: Anne Fletcher
Roteiro: Peter Chiarelli
Elenco: Sandra Bullock, Ryan Reynolds, Malin Akerman, Craig T. Nelson, Mary Steenburgen, Betty White, Denis O'Hare e Oscar Nunez

SBBC lança novo blog

2009-07-27T18:11:00.004-03:00

A Sociedade Brasileira de Blogueiros Cinéfilos surgiu em 2007 com a proposta de unificar os blogs de cinema. Celebrando os melhores filmes do ano lançados no Brasil com o Blog de Ouro, a SBBC está de casa nova (veja aqui) e já prepara a próxima edição do prêmio, que teve Cartas de Iwo Jima (2008) e Sangue Negro (2009) como os principais ganhadores dos últimos anos.

Com direção de Vinicius Pereira (Blog do Vinicius), Kamila Azevedo (Cinéfila por Natureza) e deste que vos escreve, a SBBC está com incrições abertas para novos integrantes, que poderão votar no Blog de Ouro 2010, com data a ser definida. Se você é blogueiro cinéfilo, entre aqui e participe!

Nova revista de cinema nas bancas

2009-07-24T14:35:00.005-03:00

Após a morte da boa e velha SET, temos uma nova revista de cinema no mercado. Trata-se de PREVIEW, nova publicação mensal sobre filmes, DVD, Blu-Ray, séries de TV e outras coisas legais.

A primeira edição traz Harry Potter e o Enigma do Príncipe na capa, além de comentar os lançamentos de Inimigos Públicos e Se Beber Não Case. Tem entrevista com o diretor Heitor Dhalia (O Cheiro do Ralo e o novo À Deriva) e o destaque em TV para a estreia da segunda temporada de True Blood.

A equipe de PREVIEW é formada por Ricardo Matsumoto (ex-editor especial da SET), Márcia Chicaoka (ex-editora de arte da SET), Cláudia Fukunaga (que trabalhou por anos na SET, e até recentemente era editora de arte da revista VIVER BEM), Suzana Uchôa Itiberê (ex-colaboradora da SET, que escreve para a IstoÉ Gente) e Mariane Morisawa (também ex-colaboradora da SET e que escreve para a Quem, Joyce Pascowitch, IG).

A lista de colaboradores inclui nomes como Alfredo Sternheim, Roberto Pujol e Marcelo Del Greco.

Jim Carrey insano em trailer de Eu te Amo, Phillip Morris

2009-07-21T14:59:00.010-03:00

Com legendas em francês, nova prévia é a mais engraçada
(ou bizarra) já mostrada sobre o filme

Mesmo com estreia marcada para fevereiro do ano que vem nos EUA, Eu te Amo, Phillip Morris é um dos filmes mais comentados do momento. Inspirado no livro de Steve McVicker sobre a vida de Steven Russell, o filme ganhou um novo trailer (francês) que destaca Jim Carrey mais insano do que nunca.

A trama não é das mais simples e o filme dirigido por Glenn Ficarra e John Requa, roteiristas de Papai Noel às Avessas (!) quase não conseguiu distribuidora nos EUA por causa do puritanismo do público americano.

É a história real de Steven Russell (Jim Carrey), ex-policial e pai de família dedicado, que sai do armário após um acidente de carro. Se fosse só isso, tudo bem, mas Russell foi um mestre da picaretagem, que, entre outras coisas, fingiu ser portador de HIV e fugiu várias vezes de uma prisão no Texas. Seu único ponto fraco é a paixão por Phillip Morris (Ewan McGregor), seu colega de prisão homônimo da fabricante de cigarros.

O filme, que ainda conta com Rodrigo Santoro no elenco, estreia na França em 09 de setembro (e já foi exibido no Festival de Cannes). Nos EUA, só em fevereiro. No Brasil, estreia em 02 de abril de 2010. Mas tem cara de que será adiado, adiado e adiado.

Veja o trailer abaixo.

I Want My Money Back!

2009-07-21T13:36:00.011-03:00

"Harry Potter" domina as bilheterias do último final de semana aqui, lá e em todos os lugares

Como era esperado, Harry Potter e o Enigma do Príncipe liderou as bilheterias do final de semana de 17 a 19 de julho nos EUA. Após bater o recorde da maior estreia de todos os tempos à meia-noite, o novo Harry Potter acumula $396 milhões ao redor do mundo.

A Era do Gelo 3 continua firme em seu segundo lugar. A animação, no entanto, fatura muito mais fora do mercado americano. Em um mês em cartaz, Transformers: A Vingança dos Derrotados, que ficou em terceiro neste fim de semana, soma $364 milhões nos EUA, sendo o maior sucesso do ano até aqui. No mundo inteiro, o filme de Michael Bay rendeu $746 milhões, chegando ao posto de 28ª bilheteria de todos os tempos.

Com estreia marcada para 14 de agosto no Brasil, Brüno não empolgou tanto os americanos quanto Borat. Talvez pela concorrência com Harry Potter, A Era do Gelo e Transformers. Talvez porque piadas homofóbicas sejam politicamente incorretas perto da avacalhação ao estrangeiro - e até ao american way of life da Era Bush. Vai saber...

Mas Sandra Bullock e Ryan Reynolds se recusam a deixar o top 5. Com $128 milhões somente nos EUA, A Proposta é um inesperado sucesso. Sim, eu disse "inesperado", afinal Sandra Bullock andava longe das comédias românticas, mas parece que seu carisma continua inabalável.

Abaixo, o top 5 das bilheterias americanas no último final de semana.

1- Harry Potter e o Enigma do Príncipe
Fim de semana: $77,8
Total: $158
Posição na semana passada: -

2- A Era do Gelo 3
Fim de semana: $17,6
Total: $152
Posição na semana passada: 2

3- Transformers: A Vingança dos Derrotados
Fim de semana: $13,7
Total: $364
Posição na semana passada: 3

4- Brüno
Fim de semana: $8,32
Total: $49,5
Posição na semana passada: 1

5- A Proposta
Fim de semana: $8,29
Total: $128
Posição na semana passada: 5

Fonte: IMDB

É impressionante a força de Harry Potter pelo mundo. Os filmes nunca passaram perto da unanimidade, mas as filas - mesmo após o fim de semana de estreia - são mais assustadoras do que o filme de David Yates. No Brasil, o resultado não foi diferente. O filme chegou aos cinemas em sessões à meia-noite (de terça pra quarta), mas só de sexta a domingo, O Enigma do Príncipe faturou mais de R$9 milhões. Em cinco dias, levou quase dois milhões de espectadores aos cinemas.

Com a criançada em férias, quem não quer encarar as filas de Harry Potter compra ingresso para A Era do Gelo 3, visto e revisto pelo público brasileiro. Em segundo lugar no último fim de semana, a animação de Carlos Saldanha é também o segundo filme mais visto pelos brasileiros em 2008 e aproveita as sobras de Harry Potter. Além disso, não se preocupa mais com a concorrência de Transformers: A Vingança dos Derrotados, que despencou para o quarto lugar, ficando atrás até mesmo de A Proposta - a grande opção do momento para quem busca diversão fora da fantasia de robôs gigantes, bruxos e monstros pré-históricos falantes. Abaixo, o top 5 das bilheterias nacionais de 17 a 19 de julho.

1- Harry Potter e o Enigma do Príncipe
Fim de semana: R$9.354.320,00
Posição na semana passada: -

2- A Era do Gelo 3
Fim de semana: R$6.982.163,00
Posição na semana passada: 1

3- A Proposta
Fim de semana: R$1.551.268,00
Posição na semana passada: 2

4- Transformers: A Vingança dos Derrotados
Fim de semana: R$622.101,00
Posição na semana passada: 3

5- A Mulher Invisível
Fim de semana: R$588.020,00
Posição na semana passada: 4

Fonte: Filme B

Veja os primeiros cartazes de Prince of Persia

2009-07-20T21:14:00.013-03:00

Pôsteres mostram o herói vivido por Jake Gyllenhaal e sua prometida, Gemma Arterton

A Disney divulgou hoje os dois primeiros pôsteres de Prince of Persia - The Sands of Time, adaptação para o cinema do primeiro game da trilogia que ainda tem Warrior Within e The Two Thrones. Leia: Uma tentativa do estúdio de criar outra franquia lucrativa após Piratas do Caribe e As Crônicas de Nárnia.

As artes mostram Jake Gyllenhaal como o Príncipe Dastan e Gemma Arterton como Tamina, sua grande paixão. A trama é o feijão com arroz básico: Príncipe-justo-e-destemido-é-traído-pelo-sujeito-que-ele-pensava-ser-de-confiança-e-ainda-precisa-salvar-sua-garota-das-garras-do-vilão. Bom, no videogame funciona...

Com produção de Jerry Bruckheimer (Piratas do Caribe) e direção de Mike Newell (Harry Potter e o Cálice de Fogo), Prince of Persia - The Sands of Time ainda tem Ben Kingsley e Alfred Molina no elenco. O filme estreia no dia 28 de maio de 2010.

Novo Master and Commander?

2009-07-20T12:05:00.005-03:00

De acordo com o USA Today, o ator neozelandês Russell Crowe está louco para volta ao papel de Jack Aubrey, o capitão britânico de Mestre dos Mares - O Lado Mais Distante do Mundo. O ator ainda revelou que há um roteiro pronto, The Reverse of the Medal, mas que as discussões em torno do início das filmagens estão em fase inicial.

Não é difícil que a segunda aventura cinematográfica de Jack Aubrey saia do papel. Mesmo que não tenha sido um estrondoso sucesso de bilheteria, o primeiro filme conquistou 10 indicações ao Oscar e recebeu duas estatuetas. Sem falar que a série literária de Patrick O' Brian tem 20 volumes e Hollywood sofre com a falta de criatividade dos estúdios.

Se depender de Crowe, Master and Commander - The Reverse of the Medal acontece. E boa parte do elenco tem contrato para mais dois filmes. Em 2005, no entanto, o diretor Peter Weir chegou a dizer que não acreditava numa sequência devido ao retorno modesto do filme nas bilheterias. Mas com Russell Crowe colocando a boca no trombone, vamos ver se Peter Weir muda de ideia, não?

Mestre dos Mares - O Lado Mais Distante do Mundo baseou-se nos três primeiros volumes da série de O'Brian. Já o roteiro de The Reverse of the Medal foi inspirado no décimo primeiro livro da saga.

Atualmente, Crowe roda Robin Hood com o diretor (e amigão) Ridley Scott. O filme estreia no dia 14 de maio de 2010.